November 15, 2013

Als Don Bluth und Gary Goldman 1979 Disney verließen, um ihr eigenes Animationsstudio zu gründen, war das Ziel einfach: “die Animation wieder zu etwas Besserem zu machen” und die Werte des goldenen Zeitalters der Animation aufrechtzuerhalten, von dem sie glaubten, dass es unter Disneys Betriebsregime in den 1970er Jahren im Sterben lag. Die Qualität, die unter Walts Herrschaft aufgebaut worden war, begann zu stagnieren; angesichts der steigenden Kosten für die Produktion von Animationsfilmen reagierte das Studio mit Personalabbau und der Konzentration auf weniger arbeitsintensive Techniken. Dies war der Auslöser dafür, dass Don und Gary sowie vierzehn weitere Animatoren Disney verließen, um ihr eigenes Studio zu gründen, das später so bedeutende Werke der Animationsgeschichte wie Das Geheimnis von N.I.M.H. (1982) und Ein amerikanischer Schwanz (1986) hervorbringen sollte.

Die Partnerschaft zwischen Don und Gary begann bei Walt Disney Productions, als sich die beiden 1972 zum ersten Mal trafen. Gary war ein frischgebackener Absolvent der Kunstschule und Teil des Animationsausbildungsprogramms bei Disney. In der Zwischenzeit hatte Don schon viele Jahre Erfahrung im Studio, denn er hatte dort 1955 direkt nach der High School als Inbetweener (der Künstler, der die Bilder zwischen den Keyframes des Hauptanimators zeichnet und so eine fließende Entwicklung der Bewegungen/Posen schafft) an Dornröschen (1959) gearbeitet. Noch während Don das College besuchte und für seine Mission nach Argentinien ging (als Teil seines mormonischen Glaubens), verbrachte er seine Sommer damit, bis 1962 bei Disney zu arbeiten. Im Jahr 1971 kehrte er als Vollzeit-Animator zu Disney zurück. Nachdem sich Don und Gary kennengelernt hatten, begannen die beiden nicht nur bei Disney, sondern auch in ihrer Freizeit zusammenzuarbeiten, indem sie in Dons Garage einen kurzen Animationsfilm drehten.

Disneys Animationsfilme befanden sich seit Dornröschen in einem langsamen Niedergang. Im Jahr vor der Veröffentlichung des Films hatte das Studio seine Belegschaft von 500 auf 125 Mitarbeiter verkleinert, und diese Verkleinerung hielt bis Mitte der 70er Jahre an. Zwischen ’70 und ’77 stellte Disney nur noch 21 Mitarbeiter ein. Da nur noch wenige der ursprünglichen Animatoren, die oft als die “Nine Old Men” bezeichnet wurden, übrig waren, erweiterte das Unternehmen sein Ausbildungsprogramm mit dem California Institute of the Arts (Cal Arts), wie es später genannt wurde. Dies änderte jedoch wenig an der Produktionskultur des Unternehmens, zumal Disney immer kostenbewusster wurde.

Don und seine Mitstreiter hatten ihren Beitrag geleistet und bekamen bald ihre Chance im Studio. Während der Fertigstellung von The Rescuers (1977) wurde Don als Animationsregisseur für Pete’s Dragon (1977) und dann als Produzent/Regisseur für The Small One (1978) eingesetzt, was einen Wendepunkt hätte markieren sollen, der den neuen, jüngeren Animatoren die Chance gegeben hätte, das Studio unter dem Einfluss der von Walt lange zuvor etablierten Produktions- und Animationsqualität neu zu beleben. Als Don jedoch versuchte, kostspieligere Produktionswerte einzuführen, die an frühere Disney-Filme erinnerten (Spezialeffekte und mehr Farbe), wurde er abgewiesen. Don war so enttäuscht vom derzeitigen Regime und dessen Fokus auf Kostenreduzierung, dass er darum bat, als Produzent/Regisseur zurückzutreten, um sich nur noch auf die Animation zu konzentrieren.

Im Jahr 1979 hörte Jim Stewart, ein ehemaliger Disney-Manager, dass Bluth und Goldman bei Disney unglücklich waren, und fragte die beiden, ob sie bereit wären, ihre eigene Firma zu gründen, und mit welchem Film sie beginnen wollten. Don erinnerte sich an den mit dem Newberry Award ausgezeichneten Jugendroman “Mrs. Frisby und die Ratten von N.I.M.H.”, ein Film, der Disney vorgeschlagen, aber abgelehnt wurde, weil das Studio “bereits einen Mäusefilm gemacht hatte”, nämlich “The Rescuers”. Don und Gary informierten ihre Kollegen schließlich über ihren Plan und luden sie ein, sich an der Gründung eines neuen Studios zu beteiligen. Insgesamt verließen vierzehn Animateure Disney, um sich Don und Gary unter Don Bluth Productions anzuschließen, finanziert von Jim bei Aurora Productions.

Das Geheimnis von N.I.M.H

Die Aurora Studios erwarben die Filmrechte für den Roman “Mrs. Frisby und die Ratten von NIMH” und boten ein Budget von 5,7 Millionen Dollar und ein Zeitfenster von 30 Monaten für die Produktion des Films an, weniger Geld und weniger Zeit als die meisten Disney-Filme zu dieser Zeit. Aber das Studio hatte sich zum Ziel gesetzt, den Animationsfilm auf ein neues Niveau zu heben, und zwar in eigener Regie. Das bedeutete auch, dass viele Animationstechniken zugunsten einer Kostenreduzierung aufgegeben wurden.

Wenn man sich Das Geheimnis von N.I.M.H. ansieht, wird mehr als deutlich, wie viele der älteren, teureren Techniken in dem Film zum Einsatz kamen: Rotoscoping, bei dem die Animatoren Live-Action-Frames nehmen und über das Filmmaterial legen (das Boot in der unterirdischen Bootsfahrt, die Takelage, mit der Brisbys Haus hochgezogen wird, und der Vogelkäfig, in dem sie gefangen ist, wurden allesamt in Live-Action fotografiert); Backlit Animation, bei der animierte Matten mit Licht aufgenommen werden, das durch Farbgele leuchtet, um künstliche Licht- oder Feuereffekte zu erzeugen; und Multiple Color Palettes, um die Unterschiede zwischen den Charakteren aufgrund verschiedener Beleuchtungssituationen (einschließlich Unterwasser; die Nebenfigur Mr. Ages hatte allein 26 Paletten) zu reflektieren. Die Erfahrung, N.I.M.H. zu sehen, ist unbestreitbar mit dem Einsatz dieser Techniken verbunden, um die Stimmung und den Ton zu bestimmen, da ein Großteil des Films im Untergrund spielt und die Sci-Fi-mystischen Elemente die Geschichte vorantreiben. Aber um diese Techniken mit einem kleineren Budget und in einem engeren Zeitrahmen zu realisieren, als die Animatoren es gewohnt waren, musste das neue Studio viele Stunden Arbeit investieren. Gary erinnerte sich an Sieben-Tage-Wochen mit 12- bis 16-Stunden-Tagen, vor allem in den letzten Monaten der Produktion, ganz zu schweigen von den vielen Überstunden, die ohne zusätzliche Bezahlung anfielen. Infolgedessen wurden viele kleinere Sprechrollen von den Mitarbeitern selbst besetzt. Das endgültige Budget des Films belief sich auf knapp 6,4 Millionen Dollar, da Don, Gary und einige andere Produzenten ihre Häuser für zusätzliche 700.000 Dollar verpfändeten, um den Film fertigzustellen.

Der Film wurde am 4. Juli-Wochenende 1982 eröffnet, einem sehr geschäftigen Jahr mit großen kommerziellen Erfolgen wie E.T., Tron und Der Zorn des Kahn. Aufgrund des überfüllten Marktes und einer langsamen Startstrategie mit minimalem Marketing seitens des Verleihers MGM/UA, der den Film am ersten Wochenende nur in 88 Kinos starten ließ, spielte N.I.M.H. am Eröffnungswochenende nur 386.000 $ ein. Während seiner Laufzeit wurden nie mehr als 700 Kinosäle bespielt, und bis zum 1. August hatte der Film nur 7 Millionen Dollar eingespielt; sein Gesamteinspielergebnis liegt bei knapp 15 Millionen Dollar. Während der Film bei seiner Premiere keinen kommerziellen Erfolg hatte, wurde er von der Kritik hoch gelobt. Und im Laufe der Zeit wurde der Film durch den Heimvideo-Vertrieb (die erste VHS-Veröffentlichung kostete 79 Dollar) sowie durch den Kabelfernsehen-Vertrieb finanziell erfolgreich, und er hat sich als erstklassiger Animationsfilm und Kult-Favorit etabliert.

Unglücklicherweise stellte der kommerzielle Misserfolg des ersten Films des Studios die Lebensfähigkeit von Don Bluth Productions in Frage. Darüber hinaus kam es 1982 zu einem Arbeitsstreik zwischen Animatoren und Studios, da die Arbeit für Fernsehanimationen ins Ausland verlagert wurde. Als die Firma mit ihrer zweiten Produktion, East of the Sun, West of the Moon, begann, war sie nicht in der Lage, von der Gewerkschaft genehmigte Verträge abzuschließen und die Finanzierung des Films scheiterte. Der Film wurde nie gedreht und diese Inkarnation von Bluth Productions hörte auf zu existieren.

“Wir werden uns das Recht verdienen, im Geschäft zu bleiben. Wenn wir es nicht richtig machen, dann können wir nicht das Recht beanspruchen, im Geschäft zu bleiben. Wenn DAS GEHEIMNIS VON NIMH Erfolg hat, wird es einen weiteren Film geben. Aber selbst wenn wir scheitern, wird uns das nicht davon abhalten, es noch einmal zu versuchen oder das zu lieben, was wir tun. Animation ist eine wunderschöne Kunstform, die vom Aussterben bedroht ist… Jedes Mal, wenn jemand einen Animationsfilm produziert, der scheitert, stirbt die gesamte Animationsindustrie ein bisschen mehr.”

An American Tail, der Spielberg-Wert

Nach ein paar Jahren, in denen sie versuchten, ihr Animationsstudio über Wasser zu halten, indem sie sich auf Werbespots und Videospiele verzweigten, erwiesen sich die steigenden Kosten der Animation für ein neu gegründetes Studio als zu kostspielig, um weitere Spielfilme zu finanzieren, trotz des mäßigen Erfolgs ihrer Videospielabteilung. Zunächst tat sich Bluth mit dem Geschäftsmann Morris Sullivan zusammen, der nach Wegen suchte, das neue Unternehmen, die Sullivan Bluth Studios, zu einem profitablen Unternehmen zu machen.

Das war Steven Spielberg. Der Regisseur hatte Don durch Jerry Goldsmith, den Komponisten von N.I.M.H., kennengelernt. Als Disney-Fan und beeindruckt von dem Film, den Don nach seinem Ausscheiden aus dem Studio gedreht hatte, versprach Spielberg, die Augen nach einem Projekt offen zu halten, an dem die beiden zusammenarbeiten könnten, und so entstand ein Projekt von David Kirschner über eine Mäusefamilie, die während des Baus der Freiheitsstatue in die USA einwandert. Doch auch bei An American Tail mussten sie sich gegen alle Widrigkeiten durchsetzen, denn das Budget für den Film lag bei 6,5 Millionen Dollar, und Gewinn würde es nur geben, wenn der Film über 100 Millionen Dollar einspielte. Der umsatzstärkste Animationsfilm war zu dieser Zeit Disneys Die Retter mit nur 40 Millionen Dollar. Infolgedessen konnte das Studio nicht mehr Mitglied der Gewerkschaft sein, da die Tarife der Gewerkschaft zu hoch waren, um den Film mit dem begrenzten Budget zu produzieren.

Im Gegensatz zu N.I.M.H. wurde Tail in mehr als 1200 Kinos gezeigt und mit großen Marketingmaßnahmen von Sears und McDonalds beworben. Die Kritiken waren gemischt: Viele Kritiker lobten die Animation, zeigten sich aber enttäuscht über die Geschichte und die Entwicklung der Figuren. Dennoch spielte der Film am ersten Wochenende 5,2 Millionen Dollar ein, am zweiten Wochenende waren es 7,4 Millionen Dollar. Nach 18 Wochen hatte der Film 44,6 Millionen Dollar eingespielt und stellte damit einen neuen Rekord für den umsatzstärksten Animationsfilm auf. Einschließlich der Einspielergebnisse in Übersee spielte der Film etwas mehr als 84 Millionen Dollar ein.

Doch mit der Spielberg-Partnerschaft wurde die Bluth-Crew durch Amblin und Universal und zum Teil dank der irischen Regierung vom unabhängigen Animationsproduktionsstudio zum Animationskraftwerk.

Die Ökonomie des Animationsfilms

Mit den Streiks und den Verhandlungen mit den Gewerkschaften sowie den ständig steigenden Kosten für die Einstellung von Mitarbeitern, die für die Produktion von Animationsfilmen erforderlich sind, fand das Bluth-Team einen neuen Weg, um die Kosten einzudämmen und eine neue Generation von Animatoren anzuspornen. Wie viele Filmproduktionen heutzutage zog auch das Sullivan-Bluth-Unternehmen nach Irland, um von Steuervergünstigungen zu profitieren. Der Umzug nach Irland fand mitten in der Produktion von An American Tail statt. Mit dem größten Zuschuss in der Geschichte des Landes und einer 5 %igen Beteiligung der Regierung am Studio sowie 13.000 Dollar Ausbildungszuschüssen pro Person eröffnete das Unternehmen in der Nähe von Dublin mit 85 Mitarbeitern, die hauptsächlich mit Tusche und Farbe arbeiteten. Mit der Zeit wuchs die Belegschaft auf über 300 Mitarbeiter (davon über 90 % Iren) an, um den gesamten Produktionsprozess abzudecken. Nach dem Umzug des Studios und der Beilegung von Vertragsstreitigkeiten begann die Produktion des zweiten Spielfilms des Studios, The Land Before Time (1988).

Time sollte die letzte Produktion sein, bei der Sullivan Bluth mit Steven Spielberg zusammenarbeitete. Der Film hatte eine etwas unruhige Produktion, die eigentlich schon vor Tail mit einem Konzept von Spielberg begann. Der Film entwickelte sich jedoch kaum über das Konzept hinaus, bis der Erfolg von Tail eintrat. Selbst danach, während der Produktion des Films, gab es ein ziemliches Hin und Her zwischen dem Studio, den Geldgebern und dem Verleiher, da Bluth & Co. zu einem dunkleren Film tendierte und die anderen auf eine zugänglichere, weniger intensive Version drängten. Der Film wurde zu allgemein höflichen Kritiken freigegeben, aber die Geschichte und die Charaktere wurden noch gründlicher kritisiert als Tail. John Pomeroy, einer von Bluths Co-Animateuren/Produzenten, drückt es so aus:

“Der Film hat nie meine vollen Erwartungen erfüllt, einfach weil es eine perfekte Gelegenheit war, fünf gestörte Persönlichkeiten zu zeigen, die versuchen, auf ein gemeinsames Ziel hinzuarbeiten. Es waren reichhaltige Charaktere, aber sie bekamen nie wirklich die Chance, diesen Reichtum zu zeigen.”

Das hielt die Kinder jedoch nicht davon ab, den Film mit all der Inbrunst anzunehmen, die kindliche Zuschauer an einem einzigen Tag sehen, Dialoge auswendig lernen und den Wunsch nach Marketing-Zusatzprodukten haben. Der Film startete in fast 1400 Kinos mit einem Einspielergebnis von 7,5 Millionen Dollar als Nummer eins und wurde damit zum umsatzstärksten Eröffnungswochenende eines Animationsfilms. Das endgültige Einspielergebnis lag mit über 46 Millionen Dollar knapp vor Tail und erreichte mit 84 Millionen Dollar auch das weltweite Einspielergebnis. Sullivan Bluth schloss mit Goldcrest International einen Vertrag über drei Filme ab, der Don & Co. völlige Autonomie einräumte

All Dogs Go to Heaven

Bei der Entscheidung für ihr nächstes Projekt ließ sich die Firma von der Tatsache inspirieren, dass die drei besten Zeichentrickfilme zu dieser Zeit von Hunden handelten: Disneys The Fox and the Hound (1981), 101 Dalmations (1961) und Lady and the Tramp (1955). Drehbuch und Schauplatz des Projekts waren New Orleans, eine Kulisse, die zur Atmosphäre des Films beitrug, wie Goldman es ausdrückte, “mit Anklängen an Mardi Gras, Jazzmusik, den Mississippi und einem Gefühl von Weltlichkeit, das einen schönen Kontrast zum spirituellen Thema des Films bildete”. Der Film sollte dem populären Liedstil von Tail entsprechen, und so wurde Charles Strouse (Bye Bye Birdie, Annie) als Komponist verpflichtet; die Filmmusik wurde von Ralph Burns (All That Jazz, Cabaret und A Chorus Line) geschrieben. Außerdem war Dogs zu Dons Leidwesen der erste ihrer Filme, in dem Computeranimationen zum Einsatz kamen, um schwierige perspektivische Aufnahmen zu unterstützen, wie z. B. das Auto, das den Pier hinunter auf Charlie zurast, und der mechanische Kran auf dem Schrottplatz.

Vor der Veröffentlichung des Films war er in fast allen ausländischen Märkten für 7 Millionen Dollar (etwa die Hälfte des Budgets) vorverkauft worden und sollte im Inland von United Artists vertrieben werden. Der Film kam am 17. November 1989 in die Kinos und lieferte sich ein Kopf-an-Kopf-Rennen mit Disneys Die kleine Meerjungfrau, dem Film, der den Beginn von Disneys Renaissance markieren sollte. Dogs wurde von der Kritik abgelehnt, insbesondere im Vergleich zu Mermaid. Der Film spielte etwas mehr als 27 Millionen Dollar ein, weit entfernt von den 90 Millionen Dollar von Mermaid. Wie die Bluth-Filme zuvor war Dogs jedoch ein Hit auf Video, der sich mehrere Wochen lang auf Platz eins hielt und mit über 3 Millionen Kopien fast 75 Millionen Dollar einspielte.

Mit der Unterstützung von Goldcrest produzierte die Firma Sullivan Bluth später Rock-A-Doodle (1991) und Däumelinchen (1994) als Teil ihres Dreifilmen-Deals. In der Zwischenzeit wurden Bluths frühere Filme für endlose Direct-to-Video-Prequels und -Fortsetzungen lizenziert, an denen die jetzige Firma nicht beteiligt war, was die Glaubwürdigkeit ihrer Produkte sicherlich untergrub. Die Filme wurden billig und mit wenig Animation hergestellt. Was die Marke Bluth anbelangt, so wurde der Triumph der traditionellen Zeichentrickfilme durch den Triumph der Lizenzvergabe und des Franchising zunichte gemacht.

Die Disney-Renaissance &Der Aufstieg von Pixar

Mit Die kleine Meerjungfrau markierte Disney eine Wende in seiner kommerziellen Rentabilität und zeigte, dass die Qualität und die Liebe zur Animation und zur Geschichte wieder zu einem internen Schwerpunkt geworden waren. Während der nächste Film, The Rescuers Down Under (1990), an den Kinokassen zu kämpfen hatte, kam 1991 Die Schöne und das Biest heraus, der erste Animationsfilm, der für den besten Film nominiert wurde. Es folgte Aladdin (1992), der den neuen Standard für Animationsfilme setzte: den prominenten Synchronsprecher. Der König der Löwen kam zwei Jahre später auf den Markt und legte die Messlatte für Animationsfilme erneut höher. Nach König der Löwen begannen Disneys Zeichentrickfilme jedoch wieder schal und uninspiriert zu werden. Viele der Filme, die nach König der Löwen veröffentlicht wurden, waren einfach nur formelhafte Runderneuerungen, die sich auf Lieder, Sidekicks und popkulturelle Gags stützten, wofür der Begriff Disneyfication geprägt wurde. Angesichts der Konkurrenz durch andere Studios (DreamWorks und die BlueSky Studios von Fox) stiegen die Gehälter der Animatoren, die Marketingkosten nahmen zu, und die Einnahmen und die Qualität von Disney gingen zurück. Die kurzlebige Renaissance war fast so schnell vorbei, wie sie begonnen hatte.

1995 erlebte die Welt des Animationsfilms ihre bisher dramatischste Herausforderung, als Disney den Pixar-Film A Toy Story vertrieb, der das Wesen des Animationsfilms für immer verändern sollte. Im Jahr 2003 wandelte Disney seine Walt Disney Feature Animation Studios in ein CGI-Studio um, entließ einen Großteil der traditionellen Animationsmitarbeiter und verkaufte die Ausrüstung. Das Studio in Paris wurde ebenfalls geschlossen, und das Studio in Orlando wurde im folgenden Jahr geschlossen, um in eine Attraktion umgewandelt zu werden.

Mit dem Aufstieg von Pixar scheint der Todesstoß für die traditionelle Animation versetzt worden zu sein. Durch die CGI-Animation hatte Pixar sogar den Mantel der Innovation und der Effekte übernommen und sich mit Dingen wie Fell, Wasser und menschlichen Körpern befasst, so wie Bluth Productions sich einst mit Rotoscoping, Gegenlichtanimation und umfassenden Farbpaletten befasste. Die Innovation war lebendig und kam beim Publikum gut an, allerdings zum Nachteil der traditionellen handgezeichneten Animation. Die Pixar-Filme erzielten dieselben Einspielergebnisse und das gleiche Lob der Kritiker wie die Renaissance-Filme von Disney, was schließlich dazu führte, dass Disney die Pixar Studios 2006 für satte 7,4 Milliarden Dollar übernahm. Als Teil von Disney wurde Pixar-Chef John Lasseter (ein Disney-Animator, der schon bei The Fox and the Hound dabei war und nach dem Weggang von Don Bluth dort arbeitete) befördert, um die gesamte Animation zu leiten. Obwohl Lasseter eindeutig eine tiefe Liebe und Wertschätzung für den traditionellen Zeichentrickfilm hegt und sogar versprach, ihn im Studio wiederzubeleben, haben die Jahre seit der Übernahme der Pixar-Kultur durch Disney nur wenige traditionelle Zeichentrickfilme hervorgebracht, und keinen von bemerkenswerter Qualität (Home on the Range, 2004, und Die Prinzessin und der Frosch, 2009). Tatsache ist, dass die CGI-Animation weniger Personal erfordert und letztlich billiger ist, auch wenn jedes Bild für die Animatoren immer noch eine Liebeserklärung ist. Für die Pixar-Crew ist die Freiheit der Dreidimensionalität und der Technologie einfach eine Weiterentwicklung des Mediums.

Das Vermächtnis von Don Bluth und den Disney-Abtrünnigen besteht jedoch in vielerlei Hinsicht fort, selbst in der von CGI dominierten Produktionskultur von heute, nämlich Animationen zu produzieren, die sowohl in Bezug auf die Geschichte und die Charaktere als auch auf die technische Leistung die bestmöglichen sind. Die Studios machen ständig Fortschritte bei der Innovation, die die Grenzen der Kreativität und der Qualität der Animation verschieben, auch wenn alles am Computer gemacht wird. Aber der Einfluss der Bluth-Filme, die ihren Tiefpunkt erreichten, als Disney seinen Tiefpunkt erreichte, hält bis heute an. Der Anti-Disney-Geist, die Qualität der Animationen und die wunderbaren Geschichten, die in Filmen wie Das Geheimnis von N.I.M.H., Ein amerikanischer Schwanz, Das Land vor der Zeit und Alle Hunde kommen in den Himmel erzählt werden, haben immer noch etwas Magisches an sich.

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