Es gibt reale und fiktive Figuren, die in unserem kollektiven Unbewussten verankert sind. Ihre wiederkehrende Präsenz in der Kunstgeschichte veranschaulicht mehr als nur unsere Faszinationen, Moden oder Sorgen. Ihr Studium ermöglicht auch ein Verständnis vergangener und gegenwärtiger Gesellschaften – ihrer Probleme, ihrer Traditionen und des historischen Kontextes.

Das Christusbild

Das Zeichen des Fokus ist heute ein vertrautes Bild. Die meisten Menschen würden, wenn sie ein Blatt Papier und einen Stift in die Hand bekämen, in der Lage sein, die wichtigsten Linien zu zeichnen, die ihn ausmachen: seine Gesichtszüge, seine Eigenschaften und vielleicht sogar sein Martyrium.

Jesus wird oft in all seinen Zuständen dargestellt, vom Leben bis zum Tod, ohne die Auferstehung zu vergessen. Die Werke, die ihn darstellen, regen zum Nachdenken über die menschliche Natur an; sie inspirieren zu Andacht und Meditation. Manchmal kann die Betrachtung seines Martyriums sogar den Gläubigen Trost spenden, die auf der Suche nach einem Echo auf ihre Leiden sind.

Es gibt ein besonderes Werk, das auf dieses Echo antwortet und immer meine Aufmerksamkeit erregt hat: das Isenheimer Altarbild. Es wurde zwischen 1512-1516 gemalt und Matthias Grünewald zugeschrieben und befindet sich heute im Unterlinden-Museum in Colmar.

Viele kennen Christus mit einem ruhigen, friedlichen und entschlossenen Gesicht vor seinem Schicksal, aber was Grünewald uns hier bietet, geht weit über die Darstellung seiner Stigmata hinaus. Er lädt den Betrachter auf eine halluzinatorische Reise in die letzten alptraumhaften Stunden des berühmten Märtyrers ein. In dieser Kreuzigung stellt er das Grauen dieses Ereignisses dar, indem er das Unerträgliche ästhetisiert. Grünewald gelingt es, eine in der Kunst selten beobachtete Gewalt zu erheben.

Was ist die Motivation, die einen Künstler dazu bringt, ein solches Werk zu schaffen? Was verrät es uns über die Geschichte seiner Auftraggeber? Wer war dieser “geniale Wilde”, wie Joris-Karl Huysmans ihn nannte?

Die Einladung des Museums, dieser Restaurierung beizuwohnen, habe ich zum Anlass genommen, die Direktorin des Unterlinden-Museums in Colmar, Pantxika De Paepe, und den Chefrestaurator Anthony Pontabry zu interviewen.

Interview mit Pantxika De Paepe

Können Sie uns mehr über die Auftraggeber dieses Altarbildes erzählen?

Das Isenheimer Altarbild wurde für die Antoninische Komturei in Auftrag gegeben, wahrscheinlich in den frühen 1510er Jahren. Dieser 1247 offiziell anerkannte Orden sollte Pilger aufnehmen, die zum heiligen Antonius dem Einsiedler beten wollten, um sich vor der damals weit verbreiteten “Krankheit des glühenden” oder “Antoniuskrankheit” zu schützen.

Diese ergreifende Darstellung geht über die einfache Darstellung der bekannten Wundmale Christi hinaus. Hat es etwas mit der Krankheit zu tun, dem “Feuer der Glühenden”

In der Tat kommen die Patienten auch zur Behandlung (der heilige Antonius hatte die Macht, die Krankheit zu geben, aber auch zu heilen). Dieses Bild ist auch dazu da, die Stigmata des Feuers der Glühenden darzustellen. Die Patienten fühlten sich durch die Vergiftung mit Mutterkorn von innen heraus verbrannt, was zu starken Kopfschmerzen bis hin zu Halluzinationen und fortschreitender Nekrose der Extremitäten des Körpers führte.

Können Sie uns erklären, wie die Antoniner bei der Behandlung dieser Patienten vorgingen?

Wenn sie in Isenheim aufgenommen wurden, begaben sich die Patienten in das Herz der Kirche am Fuße des Altarbildes. Sie erhielten die Heilige Weinlese, die aus in Wein eingemachten Reliquien und Pflanzen mit beruhigenden Eigenschaften bestand. All diese Zeremonien verliehen dem Werk einen medizinischen Charakter. Die Betrachtung Christi brachte den Kranken Trost, eine Art Echo, indem sie ihnen erlaubte, eine Genesung zu erwägen oder Frieden im Jenseits zu finden.

In einer der Tafeln des Altarbildes sehen wir den Angriff des Heiligen Antonius durch Dämonen und andere Ungeheuer. Diese Art von fantastischen Kreaturen finden wir auch in den Werken von Hieronymus Bosch. Ist dieses Bestiarium spezifisch für diesen Teil des Westens?

Die Darstellung des Themas des Angriffs des Heiligen Antonius gefiel einigen Künstlern, weil sie “loslassen” konnten. Die meisten Schriften haben feste Beschreibungen und Geschichten. Im Fall des Angriffs auf den heiligen Antonius konnten die Künstler ihrer Fantasie freien Lauf lassen. Ähnlich wie bei den Darstellungen der Apokalypse konnten sie sich so aus den Fesseln der oft restriktiven Aufträge befreien.

Wie konnte ein solches Werk Ihrer Meinung nach zur Zeit seiner Entstehung eine starke Wirkung haben und auch heute noch Leidenschaften wecken? Gibt es eine Form von morbidem Voyeurismus, so etwas wie eine neue Art von modernem Tourismus?

Nehmen Sie sich heute Nachmittag die Zeit, sich in eine Ecke zu setzen und die Menschen zu beobachten, die dieses Werk betrachten, und Sie werden sehen, dass die Faszination dieselbe ist, egal woher das Publikum kommt. Die einen kommen, um nachzudenken, die anderen, um zu erschaudern. Von Bacon über Picasso bis hin zu einigen Opern – dieses Werk fasziniert. Der Voyeurismus ist nicht so tief verwurzelt wie die Mode. Was bei Grünewald und vor allem bei diesem Meisterwerk geschieht, ist viel tiefgründiger. Wie Rilke sagte: “Das Schöne ist nur der Anfang des Schrecklichen.”

Interview mit Anthony Pontabry

Können Sie uns ein wenig über die Geschichte dieser Restaurierung erzählen?

Dieses Projekt wurde 2003 ins Leben gerufen, ursprünglich um das Werk parallel zur Erweiterung des Museums zu restaurieren. Die Reinigung begann mit einem anderen Team, das die Restaurierung jedoch 2011 einstellte.

Im Jahr 2013 wurde nach weiteren Prüfungen des Werks eine Konsultation zur Durchführung einer Machbarkeitsstudie für das gesamte Altarbild in Auftrag gegeben. Es war auch notwendig, eine neue Installation des Altarbildes vorzuschlagen, das damals auf einem Altar präsentiert wurde, der von Glasbarrieren umgeben war, die im Falle einer Gefahr nur schwer zu entfernen waren. Als wir auf das Angebot eingingen, erhielten wir den Zuschlag für den Standort, und es wurde ein Team von 19 Spezialisten zusammengestellt. Nach einigen Monaten der Recherche führten wir 2014 eine Studie durch.

Ich kann mir vorstellen, dass das Isenheimer Altarbild – ähnlich wie die Mona Lisa – ein bedeutendes Werk ist, das einen großen Teil der Besucher des Unterlinden-Museums anzieht. Können Sie uns daher sagen, wie eine solche Restaurierung organisiert wird?

Da das Museum den größten Teil seiner Einnahmen aus dem Altarbild bezieht, wurde beschlossen, es nicht zu versetzen und die Tafeln in Gegenwart des Publikums, geschützt hinter Fenstern, zu restaurieren. Damit die Besucher dieses Ereignis mitverfolgen können, lassen wir Zeiten, in denen die Tafeln frei von jeglichen Eingriffen sind, so dass wir jeden dritten Monat arbeiten.

Das gibt uns den Luxus, die Eingriffe unter den besten Bedingungen organisieren zu können.

Was bedeutet es für die Karriere eines Restaurators, an einem solchen Meisterwerk zu arbeiten? Hatten Sie vor der Restaurierung eine besondere Beziehung zu diesem Werk?

Am Ende meiner Karriere stellt diese Restaurierung den Höhepunkt dar, neben vielleicht ein oder zwei anderen Projekten, die ich in meinem Leben durchgeführt habe.

Für mich ist es unglaublich, und für jüngere Restauratoren ist es etwas ziemlich Spektakuläres. Es ist ein Werk, das ich 1980 gesehen habe und das mich durch seine Schönheit völlig verblüfft hat, aber ich habe damals nicht an die Restaurierung gedacht. Erst später dachte ich, dass es sich um ein absolutes Meisterwerk handelt und dass ich es gerne in die Hand nehmen würde.

Wenn man ein solches Werk in die Hand nimmt, muss man eine gewisse Befürchtung oder Angst haben. Wie sind Sie an dieses einzigartige Projekt herangegangen, vor allem unter den Augen eines aufmerksamen Publikums?

Das Team von Experten, das wir zusammengestellt haben, bedeutet, dass wir keine Angst haben. Keine Angst, aber es bedeutet, dass wir unendlich viele Vorsichtsmaßnahmen bei der Reinigung treffen. Ein wichtiger Punkt ist, dass die Reinigung durch den außergewöhnlichen Zustand der Platte erleichtert wurde. Dies ist den damaligen Zimmerleuten zu verdanken, die eine Struktur schufen, die so konzipiert war, dass sich das Gemälde trotz aller Transporte aufgrund der aufeinander folgenden Regional- und Weltkriege nie “bewegte”. So sehr, dass wir es auch in seinem ursprünglichen Zustand hätten belassen können.

Wir wissen wenig über Grünewalds Leben. Konnten Sie durch die Restaurierung neue Elemente über sein Leben oder sein Werk entdecken?

Das Entfernen der Firnisse lässt uns außergewöhnliche Arbeiten und Details wiederentdecken, die verschwunden waren, wie zum Beispiel die gelben Glanzlichter des Engels im Konzert der Engel. Dieses besondere Detail war auf ihren Wangenknochen und Augenbrauen zu sehen und sogar ihr Kleid, das mit gelben Lichtern endet, wurde wieder hervorgehoben. Auch kleine Figuren konnten wir im Hintergrund nicht mehr sehen.

Ich frage mich manchmal, was im Kopf eines Künstlers vorgehen kann, um eine solch halluzinatorische Schöpfung zu erreichen – dieselbe Frage können wir uns auch bei Hieronymus Bosch stellen. Wenn man sich dieses Tuch ansieht, hat die Restaurierung 7 bis 8 verschiedene Farben auf demselben Tuch zum Vorschein gebracht, von Gelb über Orange und Rot bis hin zu Violett und Blau im Schatten. Dann kommt Violett, Blau, Rot und schließlich dieses helle Weiß.

In Bezug auf die Perfektion der Ausführung der Ungeheuer hatte ich noch nie etwas Vergleichbares gesehen. Eines hat sich für mich bestätigt, Grünewald ist der Meister des Lichts und der Farbe.

Wie konnte ein solches Werk Ihrer Meinung nach zur Zeit seiner Entstehung eine starke Wirkung haben und heute noch Leidenschaften wecken?

Meiner Meinung nach hat es damals nur die Patienten berührt, die es besuchten. Dann verschwand das Werk völlig in der Dunkelheit, wenn man bedenkt, dass es erst Anfang 1900 ausgestellt wurde. Es wurde nicht einmal als Altarbild aufgestellt, da die Tafeln und Skulpturen getrennt waren.

Heute ist es seine eher mystische und rätselhafte Seite, die mich anspricht. Wenn ich sehe, wie das Publikum dieses Werk betrachtet, verweilt es sehr lange, um es zu betrachten, ohne zu schwanken, als ob es etwas anderes darin sähe. Es ist ein vielschichtiges Meisterwerk, das zwischen Szenen der Heiterkeit und der gewaltsamen Kreuzigung schwankt. Ich glaube, das ist es auch, was mir so gut gefällt.

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Die Kunst und die Malerei bringen die Freiheit, die wir nur ein wenig in unserem Austausch finden, und mehr in unserem Schweigen. Die Freiheit, das Verbotene zu betrachten und zu lieben; die Freiheit, das Seltsame, das Unbekannte, das Hässliche, das Nackte, das Leben und den Tod in einer neuen Form zu schätzen, ohne sich dafür rechtfertigen zu müssen – so ist es. Die Kunst bietet uns die Möglichkeit der Erhöhung vor dem unerträglichen, großartigen Schmerz – das Licht, das nicht ohne seinen Anteil an Schatten leben kann.

Solches Leid in unserem täglichen Leben würde uns anwidern, beschämen und schockieren; vielleicht würde sogar mancher ein Auge zudrücken. Doch für dieses Kunstwerk reisen Menschen aus der ganzen Welt an, um es zu betrachten und zu fotografieren.

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