Jazz Fusion ist ein musikalisches Fusionsgenre, das sich aus der Vermischung von Funk- und Rhythm-and-Blues-Rhythmen mit der Verstärkung und den elektronischen Effekten der Rockmusik, aus nicht-westlicher Musik stammenden Komplettzeitsignaturen und ausgedehnten, typischerweise instrumentalen Kompositionen mit einem Jazz-Ansatz für lange Gruppenimprovisationen entwickelt hat, bei denen häufig Bläser eingesetzt werden und die ein hohes Maß an Instrumentaltechnik aufweisen. Er entstand in den späten 1960er Jahren. Der Begriff “Jazz-Rock” wird häufig als Synonym für “Jazz-Fusion” sowie für die Musik von Rockbands der späten 1960er und 1970er Jahre verwendet, die ihrer Musik Jazzelemente hinzufügten. Er unterscheidet sich von Canterbury Sceneprogressive Rock und anderen Formen von Prog-Jazz-Fusion, bei denen ausgedehnte Prog-Instrumentalstücke improvisiert werden und einen Jazz-Einfluss haben. Nach einem Jahrzehnt der Popularität in den 1970er Jahren erweiterte Fusion seine improvisatorischen und experimentellen Ansätze in den 1980er und 1990er Jahren. Fusion-Alben, auch solche, die von derselben Gruppe oder demselben Künstler stammen, können eine Vielzahl von Stilen enthalten. Fusion ist kein kodifizierter Musikstil, sondern kann als eine musikalische Tradition oder Herangehensweise betrachtet werden.

Inhalt

• 1 Geschichte
  • 1.1 1960er
    • 1.1.1 Jazz-Rock
  • 1.2 1970er
  • 1.3 1980er
    • 1.3.1 Smooth Jazz
    • 1.3.2 Andere Stile
  • 1.4 1990er-2000er
• 2 Einfluss auf die Rockmusik
• 3 Einflussreiche Aufnahmen
• 4 Siehe auch
• 5 Referenzen
• 6 Weiterführende Literatur
• 7 Externe Links

Geschichte

1960er Jahre

Allmusic Guide sagt, dass “bis etwa 1967, die Welten von Jazz und Rock fast vollständig getrennt waren”. Während in den USA moderner Jazz und elektrischer R&B die Gegenpole der auf dem Blues basierenden afroamerikanischen Musik darstellten, entwickelte sich die britische Popmusik des Beatbooms aus dem Skiffle und dem R&B, der von bekannten Jazzern wie Chris Barber vertreten wurde. Viele britische Popmusiker waren vom Jazz durchdrungen, obwohl das Wort “Rock” selbst vor den späten 1960er Jahren kaum verwendet wurde, außer im Zusammenhang mit dem Rock and Roll der 1950er Jahre. Der prominente Fusion-Gitarrist John McLaughlin beispielsweise spielte bereits 1962 mit Georgie Fame and the Blue Flames das, was Allmusic als eine “Mischung aus Jazz und amerikanischem R&B” beschreibt, und setzte es mit der Graham Bond Organisation (mit Jack Bruce und Ginger Baker) fort, deren Stil Allmusic als “Rhythm & Blues mit starkem Jazz-Einschlag” bezeichnet. Bond selbst hatte begonnen, mit Don Rendell Jazz zu spielen, während Manfred Mann, der auf seinem ersten Album ein Stück von Cannonball Adderley aufnahm, zusammen mit Bruce 1966 die EP Instrumental Asylum herausbrachte, die zweifellos Jazz und Rock verschmolz. Eine der ersten Veröffentlichungen von Pink Floyd, London ’66-’67, gilt als frühes Beispiel des Jazz-Fusion-Genres, da sie jazzbeeinflusste Improvisationen in ihre psychedelischen Kompositionen einfließen ließ.

Allerdings hatten diese Entwicklungen in den Vereinigten Staaten wenig Einfluss. Der Jazz-Vibraphonist Gary Burton war ein “Innovator” in den 60er Jahren. Im Jahr 1967 arbeitete Burton mit dem Gitarristen Larry Coryell zusammen und nahm Duster auf, das als eine der ersten Fusion-Platten gilt. Der in Texas geborene Gitarrist Coryell war in derselben Zeit auch ein Pionier des elektrischen Jazz. Der Trompeter und Komponist Miles Davis hatte mit seinem 1968 erschienenen Album Miles in the Sky einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Jazz-Fusion. Es ist das erste von Davis’ Alben, auf dem elektrische Instrumente zum Einsatz kommen: Herbie Hancock und Ron Carter spielen elektrisches Klavier bzw. Bassgitarre. Auf einem weiteren Album aus dem Jahr 1968, Filles de Kilimanjaro, erforschte Davis zusammen mit dem Pianisten Chick Corea und dem Bassisten Dave Holland die Verwendung elektrischer Instrumente. 1969 führte Davis mit In a Silent Way, das als Davis’ erstes Fusion-Album gilt, den Ansatz der elektrischen Instrumente in den Jazz ein. Dieses ruhige, statische Album, das aus zwei seitenlangen Suiten besteht, die vom Produzenten Teo Macero stark bearbeitet wurden, sollte auch die Entwicklung der Ambient-Musik beeinflussen. Es enthielt Beiträge von Musikern, die alle in den 1970er Jahren mit ihren eigenen Gruppen das Evangelium der Fusion verbreiten sollten: Shorter, Hancock, Corea, der Pianist Josef Zawinul, John McLaughlin, Holland und Williams. Williams verließ Davis und gründete mit McLaughlin und dem Organisten Larry Young die Gruppe The Tony Williams Lifetime. Ihr Debütalbum Emergency! aus demselben Jahr gilt als eines der ersten anerkannten Fusion-Alben.

Jazz-Rock

Der Begriff “Jazz-Rock” (oder “Jazz/Rock”) wird oft als Synonym für den Begriff “Jazz-Fusion” verwendet. Manche unterscheiden jedoch zwischen diesen beiden Begriffen. Die Free Spirits werden manchmal als die früheste Jazz-Rock-Band bezeichnet. In den späten 1960er Jahren, als Jazzmusiker mit Rockrhythmen und elektrischen Instrumenten experimentierten, begannen Rockgruppen wie Cream und The Grateful Dead, Elemente des Jazz in ihre Musik einzubauen”, indem sie mit ausgedehnten freien Improvisationen experimentierten”. Andere Gruppen wie Blood, Sweat & Tears entlehnten harmonische, melodische, rhythmische und instrumentale Elemente direkt aus der Jazztradition”.

Die Grateful Dead im Jahr 1970. Ihre Musik entstand aus einer Bluegrass-Jug-Band und der psychedelischen Rockszene der Bay Area, nahm aber in den 1970er Jahren jazzige Improvisationen und Grooves auf und beeinflusste weitere Generationen von Jam-Bands.

Die Rockgruppen, die sich auf Jazz-Ideen stützten (wie Soft Machine, Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago, Spirit und Frank Zappa), wandelten die Verschmelzung der beiden Stile mit elektrischen Instrumenten. Davis’ Fusion-Jazz war “reine Melodie und Klangfarbe”, während Frank Zappas Musik “komplexer” und “unvorhersehbar” war. Zappa veröffentlichte das Soloalbum Hot Rats (1969), das stark vom Jazz beeinflusst war und hauptsächlich aus langen Instrumentalstücken bestand. 1972 veröffentlichte er außerdem zwei LPs mit den Titeln The Grand Wazoo und Waka/Jawaka, die sehr jazzorientiert waren. Auf diesen LPs spielten bekannte Jazzkünstler wie George Duke und Aynsley Dunbar mit.

Allmusic stellt fest, dass der Begriff Jazz-Rock “sich auf die lautesten, wildesten, elektrisiertesten Fusion-Bands aus dem Jazz-Lager beziehen kann, aber meistens beschreibt er Interpreten, die von der Rock-Seite der Gleichung kommen.” Im Leitfaden heißt es: “Jazz-Rock entstand in den späten 60er Jahren als Versuch, die viszerale Kraft des Rock mit der musikalischen Komplexität und dem improvisatorischen Feuerwerk des Jazz zu verschmelzen. Da Rock oft die Direktheit und Einfachheit gegenüber der Virtuosität betonte, entstand Jazz-Rock im Allgemeinen aus den künstlerisch ambitioniertesten Rock-Subgenres der späten 60er und frühen 70er Jahre: Psychedelia, Progressive Rock und die Singer/Songwriter-Bewegung.”

Allmusic listet die folgenden Jazz-Rock-Kategorien auf:

• Singer-Songwriter Jazz-Rock (Joni Mitchell, Van Morrison, Tim Buckley)
• Jam- und improvisationsorientierte Rockgruppen (Traffic, Santana, Cream),
• Jazz-beeinflusste R&B- oder Popsongs mit weniger Improvisation (Blood, Sweat & Tears, Chicago, Steely Dan, Lighthouse)
• Gruppen mit “schrulligen, herausfordernden, unvorhersehbaren Kompositionen” (Frank Zappa, Soft Machine, Hatfield and the North)

1970er Jahre

Trompeter Miles Davis bei einem Auftritt in Rio de Janeiro 1984

Davis’ Bitches Brew Sessions, die im August 1969 aufgenommen und im darauffolgenden Jahr veröffentlicht wurden, verzichteten größtenteils auf den im Jazz üblichen Swing-Beat zugunsten eines rockigen Backbeats, der von E-Bass-Grooves getragen wurde. Die Aufnahme “…mischte Free Jazz, der von einem großen Ensemble geblasen wurde, mit elektronischen Keyboards und Gitarre sowie einer dichten Mischung aus Schlagzeug.” Davis griff auch auf den Rockeinfluss zurück, indem er seine Trompete durch elektronische Effekte und Pedale spielte. Während das Album Davis eine Goldene Schallplatte einbrachte, sorgte der Einsatz von elektrischen Instrumenten und Rockbeats bei einigen konservativeren Jazzkritikern für große Bestürzung.

Davis erwies sich auch als fähiger Talentsucher; ein Großteil der Fusion-Bands der 1970er Jahre wurde von ehemaligen Mitgliedern von Davis’ Ensembles gegründet, darunter The Tony Williams Lifetime, Weather Report, The Mahavishnu Orchestra, Return to Forever und Herbie Hancocks funklastige Headhunters Band. Neben Davis und den Musikern, die mit ihm zusammenarbeiteten, waren Larry Coryell und Billy Cobham mit seinem Album Spectrum weitere wichtige Figuren der frühen Fusion. Herbie Hancock setzte zunächst den Weg von Miles Davis mit seinen experimentellen Fusion-Alben wie Crossings (1972) fort, wurde aber bald darauf mit seinen bahnbrechenden Alben Head Hunters (1973) und Thrust (1974) zu einem wichtigen Entwickler des “Jazz-Funk”. Später in den 1970er und frühen 1980er Jahren verfolgte Hancock einen eher kommerziellen Ansatz. Hancock war einer der ersten Jazzmusiker, der Synthesizer einsetzte.

Weather Report begann als experimentelle Gruppe, erlangte aber schließlich eine große Fangemeinde

Bei ihrer Gründung war Weather Report eine avantgardistische experimentelle Jazzgruppe, die in die Fußstapfen von In A Silent Way trat. Die Band erhielt viel Aufmerksamkeit für ihre frühen Alben und Live-Auftritte, bei denen die Stücke bis zu 30 Minuten dauern konnten. Später führte die Band einen kommerzielleren Sound ein, der in Joe Zawinuls Hit “Birdland” zu hören ist. Die Alben von Weather Report wurden auch von verschiedenen lateinamerikanischen, afrikanischen und europäischen Musikstilen beeinflusst und boten eine frühe Variante der Weltmusikfusion. Jaco Pastorius, ein innovativer fretlesselektrischer Bassist, schloss sich der Gruppe 1976 auf dem Album Black Market an, war Co-Produzent (mit Zawinul) auf dem 1977er Album Heavy Weather und ist prominent auf der 1979er Live-Aufnahme 8:30 vertreten. Heavy Weather ist das meistverkaufte Album des Genres.

In England wurde die Jazz-Fusion-Bewegung von Nucleus angeführt, die von Ian Carr geleitet wurden und deren Hauptakteure Karl Jenkins und John Marshall später beide der bahnbrechenden Jazz-Rock-Band Soft Machine beitraten, die als Anführer der so genannten Canterbury-Szene bekannt wurden. Ihre meistverkaufte Aufnahme, Third (1970), war ein Doppelalbum mit einem Stück pro Seite im Stil der bereits erwähnten Aufnahmen von Miles Davis. Eine prominente englische Band im Jazz-Rock-Stil von Blood, Sweat & Tears und Chicago war If, die in den 1970er Jahren insgesamt sieben Platten veröffentlichte.

Fusion-Band Return to Forever 1976

Chick Corea gründete 1972 seine Band Return to Forever. Die Band begann mit lateinamerikanisch geprägter Musik (u.a. mit der Brasilianerin Flora Purim als Sängerin und Airto Moreira am Schlagzeug), wandelte sich aber 1973 zu einer Jazz-Rock-Gruppe, die Einflüsse sowohl aus dem Psychedelic- als auch aus dem Progressive Rock aufnahm. Der neue Schlagzeuger war Lenny White, der auch mit Miles Davis gespielt hatte. Die Songs von Return to Forever waren aufgrund des Kompositionsstils von Corea und des Bassspiels von Stanley Clarke, der zusammen mit Pastorius als einer der einflussreichsten E-Bassisten der 1970er Jahre gilt, ausgesprochen melodisch. Der Gitarrist Bill Connors stieß 1973 zu Coreas Band, verließ sie aber bald, um sich seinem akustischen Soloprojekt zu widmen. Er wurde durch den Gitarristen Al Di Meola ersetzt, der ebenfalls ein wichtiger Fusion-Gitarrist wurde.

Der französische Jazzgeiger Jean-Luc Ponty spielte sowohl auf der akustischen Geige als auch auf verstärkten, durch elektronische Effekte modifizierten elektrischen Geigen

John McLaughlin gründete eine Fusion-Band, das Mahavishnu Orchestra, mit dem Schlagzeuger Billy Cobham, dem Geiger Jerry Goodman, dem Bassisten Rick Laird und dem Keyboarder Jan Hammer. Die Band veröffentlichte 1971 ihr erstes Album, The Inner Mounting Flame. Hammer leistete Pionierarbeit bei der Verwendung des Minimoog-Synthesizers mit Verzerrungseffekten und sorgte mit seiner Beherrschung des Pitch-Bend-Rades dafür, dass er wie eine E-Gitarre klang. Der Sound des Mahavishnu Orchestra war sowohl von psychedelischem Rock als auch von klassischen indischen Klängen beeinflusst.

Die erste Besetzung der Band löste sich nach zwei Studio- und einem Live-Album auf, aber McLaughlin gründete eine weitere Gruppe unter demselben Namen, zu der auch Jean-Luc Ponty, ein Jazz-Geiger, der auch eine Reihe wichtiger Fusion-Aufnahmen unter seinem eigenen Namen sowie mit Frank Zappa machte, der Schlagzeuger Narada Michael Walden, der Keyboarder Gayle Moran und der Bassist Ralph Armstrong gehörten. McLaughlin arbeitete in den frühen 1970er Jahren auch mit dem Latin-Rock-Gitarristen Carlos Santana zusammen.

Anfänglich mischte Santanas in San Francisco ansässige Band Latin-Salsa, Rock, Blues und Jazz, wobei Santanas klare Gitarrenlinien mit Latin-Instrumenten wie Timbales und Congas kombiniert wurden. Doch in ihrer zweiten Inkarnation wurden starke Fusion-Einflüsse zum zentralen Element der Santana-Band von 1972-1976. Diese sind in Santanas ausgedehnten improvisierten Soli und in den harmonischen Voicings von Tom Costers Keyboardspiel auf einigen der Aufnahmen der Gruppe Mitte der 1970er Jahre deutlich zu hören. 1973 nahm Santana ein fast zweistündiges Live-Album mit überwiegend instrumentaler Jazz-Fusion-Musik auf, Lotus, das mehr als zwanzig Jahre lang nur in Europa und Japan veröffentlicht wurde.

Zu den weiteren einflussreichen Musikern, die in den 1970er Jahren aus der Fusion-Bewegung hervorgingen, gehören der Fusion-Gitarrist Larry Coryell mit seiner Band The Eleventh House und der E-Gitarrist Pat Metheny. Die 1977 gegründete Pat Metheny Group schaffte es mit ihrem zweiten Album American Garage (1980) sowohl in die Jazz- als auch in die Pop-Charts. Obwohl Jazzmusiker die Verwendung von Rockstilen sowie elektrischen und elektronischen Instrumenten in der Fusion-Bewegung kritisierten, änderten selbst gestandene Jazzveteranen wie Buddy Rich, Maynard Ferguson und Dexter Gordon ihre Musik schließlich so, dass sie Fusion-Elemente enthielten. Der Einfluss der Jazzfusion beschränkte sich nicht nur auf die USA und Europa. In den späten 1970er Jahren war das Genre auch in Japan sehr einflussreich und führte schließlich zur Gründung von Casiopea und T-Square. Der Song Truth von T-Square wurde später zum Thema der japanischen Formel-1-Rennen. In den späten 70er Jahren entstand die von Steve Morse geleitete Fusion-Band The Dixie Dregs. Sie war die erste Band, die Rock, Jazz, Country, Funk, Klassik, Bluegrass und keltische Klänge zu einem einheitlichen Ganzen verschmolz, was sie von allen anderen Fusion-Bands der 1970er Jahre unterschied.

1980er Jahre

Smooth Jazz

Hauptartikel: Smooth Jazz

Anfang der 1980er Jahre ging ein Großteil des ursprünglichen Fusion-Genres in andere Zweige des Jazz und Rock über, insbesondere in den Smooth Jazz, eine Untergattung des Jazz, die stilistisch von R&B, Funk und Pop beeinflusst ist. Smooth Jazz lässt sich mindestens bis in die späten 1960er Jahre zurückverfolgen. Der Produzent Creed Taylor arbeitete mit dem Gitarristen Wes Montgomery an drei populären Platten. Taylor gründete CTI Records. Viele etablierte Jazzmusiker nahmen für CTI auf (darunter Freddie Hubbard, Chet Baker, George Benson und Stanley Turrentine). Die unter Taylors Leitung aufgenommenen Platten richteten sich in der Regel sowohl an ein Pop-Publikum als auch an Jazz-Fans.

Mitte bis Ende der 1970er Jahre etablierte sich der Smooth Jazz als ein kommerziell tragfähiges Genre. Er wurde von Künstlern wie Lee Ritenour, Larry Carlton, Grover Washington, Jr, Spyro Gyra (mit Songs wie “Morning Dance”), George Benson, Chuck Mangione, Sérgio Mendes, David Sanborn, Tom Scott, Dave und Don Grusin, Bob James und Joe Sample.

David Sanborn hatte in den 1980er Jahren eine Reihe von Crossover-Hits.

Die Verschmelzung von Jazz und Pop/Rockmusik nahm in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren eine kommerziellere Richtung, in Form von Kompositionen mit einer weicheren Klangpalette, die bequem in eine Soft-Rock-Radio-Playlist passen könnten. Im Artikel des Allmusic-Führers über Fusion heißt es: “Unglücklicherweise war vieles von dem, was als Fusion bezeichnet wurde, in Wirklichkeit eine Kombination von Jazz mit leicht zu hörender Popmusik und leichtem R&B.”

Künstler wie Al Jarreau, Kenny G, Ritenour, James und Sanborn und andere waren führende Vertreter dieser poporientierten Mischung (auch bekannt als “West Coast” oder “AOR Fusion”). Dieses Genre wird am häufigsten als “Smooth Jazz” bezeichnet und gilt unter den Hörern sowohl des Mainstream-Jazz als auch des Jazz-Fusion nicht als “True Fusion”, da es kaum die improvisatorischen Qualitäten enthält, die ursprünglich Jahrzehnte zuvor im Jazz auftauchten, und einem kommerzielleren Sound weicht, der in den Vereinigten Staaten eher für kommerzielles Radio-Airplay geeignet ist.

Michael und Randy Brecker produzierten funkbeeinflussten Jazz mit Solisten Der Saxophonist David Sanborn galt als “gefühlvolle” und “einflussreiche” Stimme. Kenny G wurde jedoch oft sowohl von Fusion- und Jazzfans als auch von einigen Musikern kritisiert, obwohl er ein großer kommerzieller Erfolg wurde. Der Musikkritiker George Graham argumentiert, dass der “so genannte ‘Smooth Jazz’-Sound von Leuten wie Kenny G nichts von dem Feuer und der Kreativität hat, die das Beste der Fusion-Szene während ihrer Blütezeit in den 1970er Jahren auszeichneten”.

Andere Stile

Obwohl die Bedeutung von “Fusion” mit dem Aufkommen des “Smooth Jazz” verwirrt wurde, trugen eine Reihe von Gruppen dazu bei, das Jazz-Fusion-Genre ab Mitte bis Ende der 1980er Jahre wiederzubeleben. In den 1980er Jahren argumentierte ein Kritiker, dass “… das Versprechen der Fusion bis zu einem gewissen Grad unerfüllt blieb, obwohl sie in Gruppen wie Tribal Tech und Chick Corea’s Elektric Band weiter existierte”. Viele der bekanntesten Fusion-Künstler waren Mitglieder früherer Jazz-Fusion-Gruppen, und einige der Fusion-“Giganten” der 1970er Jahre arbeiteten weiter in diesem Genre.

Miles Davis setzte seine Karriere nach einer längeren Pause in den späten 1970er Jahren fort. In den 1980er Jahren nahm er mit neuen jungen Musikern Fusion auf und spielte sie, wobei er die Kritik der Fans seines älteren Mainstream-Jazz weiterhin ignorierte. Obwohl Davis’ Werke der 1980er Jahre nach wie vor umstritten sind, genießen seine Aufnahmen aus dieser Zeit den Respekt vieler Fusion- und anderer Hörer. 1985 gründete Chick Corea eine neue Fusion-Band, die Chick Corea Elektric Band, in der junge Musiker wie der Schlagzeuger Dave Weckl und der Bassist John Patitucci sowie der Gitarrist Frank Gambale und der Saxophonist Eric Marienthal mitwirkten.

1990er-2000er Jahre

Joe Zawinuls Fusion-Band, The Zawinul Syndicate, begann in den 1990er Jahren, mehr Elemente der Weltmusik hinzuzufügen. Eine der bemerkenswerten Bands, die in den frühen 1990er Jahren bekannt wurden, ist Tribal Tech, angeführt von Gitarrist Scott Henderson und Bassist Gary Willis. Henderson war in den späten 1980er Jahren Mitglied in den Ensembles von Corea und Zawinul, während er seine eigene Gruppe zusammenstellte. Zu den häufigsten Besetzungen von Tribal Tech gehören auch der Keyboarder Scott Kinsey und der Schlagzeuger Kirk Covington – Willis und Kinsey haben beide Solo-Fusion-Projekte aufgenommen. Henderson hat auch an Fusion-Projekten des Schlagzeugers Steve Smith von Vital Information mitgewirkt, zu denen auch der Bassist Victor Wooten von den eklektischen Bela Fleck and the Flecktones gehört, die unter dem Namen Vital Tech Tones aufgenommen haben.

Allan Holdsworth ist ein Gitarrist, der in den Stilrichtungen Jazz, Fusion und Rock auftritt. Andere Gitarristen wie Eddie Van Halen, Steve Vai und Yngwie Malmsteen haben sein Fusion-Spiel gelobt. Bei seinen Aufnahmen in den späten 1980er Jahren setzte er häufig einen SynthAxeguitar-Synthesizer ein, dem er eine Erweiterung seiner Kompositions- und Spielmöglichkeiten zuschreibt. Holdsworth hat weiterhin Fusion-Aufnahmen veröffentlicht und tourt weltweit. Ein weiterer ehemaliger Soft-Machine-Gitarrist, Andy Summers von The Police, veröffentlichte in den frühen 1990er Jahren mehrere Fusion-Alben.

Die Gitarristen John Scofield und Bill Frisell haben in den letzten zwei Jahrzehnten beide Fusion-Aufnahmen gemacht und dabei auch andere Musikstile erkundet. Scofields “Pick Hits Live” und “Still Warm” sind Beispiele für Fusion, während Frisell einen einzigartigen Ansatz beibehalten hat, indem er starke Einflüsse aus der traditionellen Musik der Vereinigten Staaten übernommen hat. Der japanische Fusion-Gitarrist Kazumi Watanabe veröffentlichte in den 1980er und 1990er Jahren zahlreiche Fusion-Alben, wobei seine Werke wie Mobo Splash und Spice of Life hervorzuheben sind.

Brett Garsed und T. J. Helmerich gelten ebenfalls als prominente Fusion-Gitarristen, die seit Anfang der 1990er Jahre mehrere Alben gemeinsam veröffentlicht haben (Quid Pro Quo (1992), Exempt (1994), Under the Lash of Gravity (1999), Uncle Moe’s Space Ranch (2001), Moe’s Town (2007)) und in vielen anderen Projekten zusammenarbeiten oder Soloalben (Brett Garsed – Big Sky) veröffentlichen, die alle in dieses Genre fallen.

Der Saxophonist Bob Berg, der ursprünglich als Mitglied der Bands von Miles Davis bekannt wurde, hat eine Reihe von Fusion-Alben mit seinem Bandkollegen und Gitarristen Mike Stern aufgenommen. Stern spielt weiterhin regelmäßig Fusion in New York City und weltweit. Sie arbeiteten oft mit dem weltberühmten Schlagzeuger Dennis Chambers zusammen, der auch seine eigenen Fusion-Alben aufgenommen hat. Chambers ist auch Mitglied von CAB, die von dem Bassisten Bunny Brunel geleitet werden und bei denen Tony MacAlpine Gitarre und Keyboard spielt. CAB 2 wurde im Jahr 2002 für einen Grammy nominiert. MacAlpine war auch Gitarrist der Metal-Fusion-Gruppe Planet X, zu der auch der Keyboarder Derek Sherinian und der Schlagzeuger Virgil Donati gehören. Ein weiteres ehemaliges Mitglied der Bands von Miles Davis in den 1980er Jahren, das eine Reihe von Fusion-Aufnahmen veröffentlicht hat, ist der Saxophonist Bill Evans, der mit dem 1992 erschienenen Album Petite Blonde auf sich aufmerksam machte.

Der Fusion-Shred-Gitarrist und Session-Musiker Greg Howe hat Soloalben wie Introspection (1993), Uncertain Terms (1994), Parallax (1995), Five (1996), Ascend (1999), Hyperacuity (2000), Extraction (2003) mit dem E-Bassisten Victor Wooten und dem Schlagzeuger Dennis Chambers und Sound Proof (2008) veröffentlicht. Howe kombiniert Elemente aus Rock, Blues und Latin Music mit Jazzeinflüssen in einem technischen, aber dennoch melodischen Gitarrenstil. Ex-Dream Theater-Schlagzeuger Mike Portnoy gründete mit Gitarrist John Petrucci, Keyboarder Jordan Rudess und Bassist Tony Levin die Band Liquid Tension Experiment. Ihr Stil mischte die komplexen Rhythmen von Jazz-Fusion und Progressive Rock mit dem schweren Sound von Progressive Metal.

Drummer Jack DeJohnette’s Parallel Realities Band mit seinen Miles’s-Kollegen Dave Holland und Herbie Hancock sowie Pat Metheny machte 1990 Aufnahmen und ging auf Tournee, deren Höhepunkt eine DVD mit einem Live-Auftritt beim Mellon Jazz Festival in Philadelphia war. Der Jazz-Bassist Christian McBride veröffentlichte mit Sci-Fi (2000) und Vertical Vision (2003) zwei Fusion-Aufnahmen, die sich auf das Jazz-Funk-Idiom stützen. Weitere bedeutende Fusion-Veröffentlichungen der letzten Zeit stammen von dem Keyboarder Mitchel Forman und seiner Band Metro, dem ehemaligen Mahavishnu-Bassisten Jonas Hellborg mit dem verstorbenen Gitarrenvirtuosen Shawn Lane sowie dem Keyboarder Tom Coster und Marbin mit ihrer einzigartigen Mischung aus Jazz, Rock, Blues, Gospel und israelischer Volksmusik.

Einfluss auf die Rockmusik

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Für den Bassisten und Sänger Randy Jackson ist Jazz-Fusion ein äußerst schwieriges Genre: “Ich habe Jazz-Fusion gewählt, weil ich der ultimative technische Musiker werden wollte – der alles spielen kann. Jazz-Fusion ist für mich die am schwierigsten zu spielende Musik. Man muss sein Instrument so gut beherrschen. Man muss zum Beispiel fünf Tempi gleichzeitig spielen können. Ich wollte die härteste Musik ausprobieren, weil ich wusste, wenn ich das kann, kann ich alles spielen.”

Die technisch anspruchsvollen Gitarrensoli, Basssoli und das synkopische Schlagzeugspiel des Jazz-Rock-Fusion fanden Anfang der 1990er Jahre Eingang in das technisch orientierte Genre des Progressive Metal. Der Progressive Rock mit seiner Vorliebe für lange Soli, vielfältige Einflüsse, nicht standardisierte Taktarten, komplexe Musik und wechselnde Besetzungen hatte sehr ähnliche musikalische Werte wie die Jazz-Fusion. Einige prominente Beispiele für progressiven Rock mit Fusion-Elementen sind die Musik von Gong, Ozric Tentacles und Emerson, Lake & Palmer.

Die Death-Metal-Band Atheist produzierte 1991 die Alben Unquestionable Presence und 1993 Elements, die stark synkopiertes Schlagzeugspiel, wechselnde Taktarten, instrumentale Parts, akustische Zwischenspiele und lateinamerikanische Rhythmen enthielten. Meshuggah erregten erstmals internationale Aufmerksamkeit mit dem 1995 veröffentlichten Destroy Erase Improve, einer Mischung aus schnellem Death Metal, Thrash Metal und Progressive Metal mit Jazz-Fusion-Elementen. Cynic nahmen 1993 mit ihrem Album Focus eine komplexe, unorthodoxe Form des experimentellen Death Metal mit Jazz-Fusion-Einflüssen auf. 1997 veröffentlichte die G.I.T.-Gitarristin Jennifer Batten unter dem Namen Jennifer Batten’s Tribal Rage: Momentum das Album Momentum – eine instrumentale Mischung aus Rock, Fusion und exotischen Klängen.

Eine weitere, eher zerebrale, rein instrumentale Progressive Jazz-Fusion-Metal-Band Planet X veröffentlichte 2000 das Album Universe mit Tony MacAlpine, Derek Sherinian (ex-Dream Theater) und Virgil Donati (der mit Scott Henderson von Tribal Tech gespielt hat). Die Band verbindet Gitarrensoli im Fusion-Stil und synkopisches Schlagzeugspiel mit der Härte des Metal. Die Tech-Prog-Fusion-Metal-Band Aghora wurde 1995 gegründet und veröffentlichte 1999 ihr erstes, selbstbetiteltes Album Aghora, aufgenommen mit Sean Malone und Sean Reinert, beides ehemalige Mitglieder von Cynic. Gordian Knot, eine weitere mit Cynic verbundene experimentelle Progressive-Metal-Band, veröffentlichte 1999 ihr Debütalbum, das eine Reihe von Stilen von Jazz-Fusion bis Metal erforschte. The Mars Volta ist stark von Jazz-Fusion beeinflusst und verwendet progressive, unerwartete Wendungen in den Schlagzeugmustern und Instrumentallinien. Der Stil der usbekischen Prog-Band FromUz wird als “Prog-Fusion” bezeichnet. In langen instrumentalen Jams wechselt die Band von der Fusion von Rock und ambienter Weltmusik zu Jazz und progressiven Hard-Rock-Klängen.

Einflussreiche Aufnahmen

In diesem Abschnitt werden einige der Jazz-Fusion-Künstler und -Alben aufgeführt, die von prominenten Jazz-Fusion-Kritikern, Rezensenten, Journalisten oder Musikhistorikern als einflussreich angesehen werden.

Zu den Alben aus den späten 1960er und frühen 1970er Jahren gehören Miles Davis’ Ambient-Album In a Silent Way (1969) und sein Rock-lastiges Bitches Brew (1970). Davis’ A Tribute to Jack Johnson (1971) wurde als “die reinste elektrische Jazzplatte, die je gemacht wurde” und “eine der bemerkenswertesten Jazz-Rock-Scheiben dieser Zeit” bezeichnet. Sein kontroverses Album On the Corner (1972) gilt als wichtiger Vorläufer der musikalischen Techniken von Post-Punk, Hip-Hop, Drum and Bass und elektronischer Musik. In den 1970er Jahren veröffentlichte Weather Report Alben, von der selbstbetitelten Platte Weather Report (1971) (die den Stil des Miles Davis-Albums Bitches Brew fortsetzte) bis zu 8:30 von 1979. Chick Coreas Latin-orientierte Fusion-Band Return to Forever veröffentlichte einflussreiche Alben wie Light as a Feather (1973). Im selben Jahr verbanden Herbie Hancocks Head Hunters Jazz-Rock-Fusion mit einer kräftigen Dosis Funk im Stil von Sly and the Family Stone. Virtuose Interpreten und Komponisten spielten in den 1970er Jahren eine wichtige Rolle. 1976 veröffentlichte der Fretless-Bassist Jaco Pastorius sein Album Jaco Pastorius, der Elektro- und Kontrabassist Stanley Clarke sein Album School Days und der Keyboarder Chick Corea sein Latin-angehauchtes My Spanish Heart, das vom Down Beat Magazine mit fünf Sternen bewertet wurde.

In den 1980er Jahren produzierte Chick Corea viel beachtete Alben, darunter The Chick Corea Elektric Band (1986), Light Years (1987) und Eye of the Beholder (1988). In den frühen 1990er Jahren produzierte Tribal Tech zwei Alben, Tribal Tech (1991) und Reality Check (1995). Der kanadische Bassist und Komponist Alain Caron veröffentlichte 1995 sein Album Rhythm ‘n Jazz. Mike Stern veröffentlichte 1997 das Album Give and Take.

Fusion-Musik wird in den Vereinigten Staaten im Allgemeinen nur wenig im Radio gespielt, was vielleicht an ihrer Komplexität, dem üblichen Fehlen von Gesang und der häufigen Länge der Stücke liegt. Die europäischen Radios sind der Fusion-Musik gegenüber aufgeschlossener, und auch in Japan und Südamerika hat das Genre eine große Anhängerschaft. Eine Reihe von Internet-Radiosendern bieten Fusion-Musik an, darunter spezielle Kanäle bei Diensten wie AOL Radio, Pandora und Yahoo! Launchcast.