Amalgam, Kombination, Kompositum und Verbindung sind Synonyme für Hybrid. Die Identifizierung von etwas durch eine Klassifizierung ist ein Weg, es zu verstehen, und verschiedene Klassifizierungen von Kunst oder Film verkörpern bestimmte, allgemein akzeptierte Merkmale und Traditionen. Ein Hybrid lässt sich in keine Klassifizierung einordnen, und die Dokumentarfilme, die früher als “hybrid” oder Avantgarde bezeichnet wurden, haben sich zu einer weit verbreiteten Kategorie entwickelt. Diese Filme können wesentliche Eigenschaften traditioneller Dokumentarfilme enthalten, aber sie stellen typischerweise viele Merkmale, die als grundlegende dokumentarische Eigenschaften gelten, in Frage oder erweitern sie und wagen sich auf unvorhersehbares – und immens fruchtbares – Neuland.
Alan Berliner ist ein in New York ansässiger unabhängiger Filmemacher, dessen zahlreiche Filme auf großen Festivals und in Museen gezeigt und weltweit ausgestrahlt wurden. Berliner erhielt Stipendien der Rockefeller- und der Guggenheim-Stiftung sowie zahlreiche Auszeichnungen (darunter 1993 den IDA Distinguished Achievement Award für Intimate Stranger) und ist Mitglied des Lehrkörpers der New School for Social Research. Er ist auch für seine Foto-, Audio- und Videoinstallationen bekannt, die in Galerien und Museen ausgestellt werden.
“Meine Arbeit gilt als dokumentarisch, weil sie in der realen Welt angesiedelt ist – in realen Beziehungen zu realen Menschen, deren Leben durch den Prozess der Filmherstellung beeinflusst werden kann und oft auch wird, ganz zu schweigen von den Auswirkungen des Endprodukts”, bemerkt Berliner. “Ich arbeite auch mit realen Elementen: historische Dokumente, Bild- und Tonmaterial aus Archiven, anthropologische und kulturelle Recherchen, Biografien und die Annahme einer gemeinsamen Erfahrung mit meinem Publikum. Ich habe eigentlich nie das Wort “D” benutzt, um zu beschreiben, was ich mache. Ich bin in erster Linie ein Geschichtenerzähler, der aus meiner eigenen Erfahrung heraus arbeitet, um private Aspekte meines Lebens zu erforschen und zu erkunden.”
Nobody’s Business (1996), über Berliners Vater Oscar, ist sowohl eine Erkundung der Identität seines Vaters als auch eine Konfrontation zwischen Sohn und Eltern über seine eigene Suche als Filmemacher. Berliner mischt Found Footage, Familienschnappschüsse und Home Movies mit Interviews vor der Kamera und unterstreicht die Erzählung mit einer ergreifenden Filmmusik.
“Die besten Beispiele des traditionellen Dokumentarfilms schaffen es, Fenster zur Welt zu öffnen”, sagt er. “Sie bringen uns an Orte, die zu weit weg sind, um sie selbst zu besuchen; sie stellen uns Charaktere und Geschichten vor, denen wir selbst nie begegnen würden; sie setzen uns Ideen, Themen, Systemen, Prozessen und Zwangslagen aus, denen die meisten von uns noch nie persönlich begegnet sind – viele davon sind zu kompliziert, um sie ohne eine Form von Hilfe und Vermittlung zu verstehen.”
“Gleichzeitig”, fährt Berliner fort, “kann ein guter Dokumentarfilm auch ein Spiegel sein, der es uns ermöglicht, viele der einfachen, sogar offensichtlichen Dinge in unserem Leben zu sehen – Familie, Gemeinschaft und andere Arten von zwischenmenschlichen Beziehungen zum Beispiel -, die uns oft so nahe sind, dass wir sie ohne den Abstand der Perspektive und den Nutzen der Reflexion niemals klar sehen könnten.”
Jay Rosenblatt, der zahlreiche Stipendien erhalten hat, darunter Guggenheim- und Rockefeller-Stipendien, lebt und lehrt in der San Francisco Bay Area. Seit 1980 hat er 15 Filme gedreht, die in der Regel kurz (30 Minuten oder kürzer) sind, mit Archivmaterial arbeiten und auf zahlreichen Festivals gezeigt werden. Human Remains (1998) gewann 27 Preise, darunter den IDA Distinguished Documentary Award (1998) in der Kategorie Kurzdokumentarfilm. Die Erzählung webt eine psychologische Landschaft durch eine schräge Annäherung an seine Themen und ist abwechselnd fesselnd und voller Langeweile.
Human Remains verwendet Voiceover von privaten und persönlichen Details über Hitler, Stalin, Mussolini und Franco, die in einer abschreckenden Art und Weise in Bezug auf ihre Taten der Grausamkeit verdreht werden.
“Ich komme von einem Therapeuten Hintergrund mit einem starken Wunsch, in den Heilungsprozess zu unterstützen”, bemerkt Rosenblatt. “Bestimmte Qualitäten des Dokumentarfilms – der Wunsch, eine Art Wahrheit darzustellen, echte Menschen in echten Situationen zu zeigen, den Betrachter aufzuklären und einen Katalysator für positive Veränderungen in der Welt zu schaffen – passen also sehr gut zu meinem Hintergrund.”
Jesse Lerner, derzeit MacArthur-Assistenzprofessor für Medienwissenschaften am Claremont Colleges, hat seine Filme international in Museen und auf Filmfestivals gezeigt. Seine kritischen Essays über Film, Fotografie und Video sind in zahlreichen Medienkunstzeitschriften erschienen, und er hat einen Hintergrund in visueller Anthropologie. Lerner erforscht die kulturell, materiell, politisch, künstlerisch und wirtschaftlich verschwommenen Grenzen, Überschneidungen und den Austausch, die die Beziehungen zwischen den Vereinigten Staaten und Mexiko ausmachen.
Ruins (1999), der als “Fake-Dokumentarfilm” bezeichnet wird, spielt mit den Tropen des Mediums, nicht auf oberflächliche Weise, sondern um tiefgreifende kulturelle Fragen zu provozieren. Archivmaterial wird mit nahezu ununterscheidbarem, verstörtem Material vermischt, während Lerner westliche (eurozentrische) Interpretationen und Verpackungen indigener (so genannter “primitiver”) Kulturen untersucht – und wie sie in Kitsch verwandelt werden.
“Das Wichtigste, was wir vom Dokumentarfilm, wie er traditionell konzipiert und praktiziert wird, lernen können, ist die Bedeutung der Recherche, eine neugierige Annäherung an die Welt, die den Filmemacher dazu zwingt, hinauszugehen und zu recherchieren”, sagt Lerner. “Leider erstreckt sich diese Untersuchung allzu oft nicht auf Fragen der Filmform. Mit anderen Worten: Zu oft gehen Filmemacher davon aus, dass der dokumentarische Stil eine Selbstverständlichkeit ist, in die man jeden beliebigen Inhalt einfügen kann. Die Filme und Videos, die mich am meisten begeistern, nehmen formale Strategien nicht als gegeben hin, sondern suchen nach denen, die für das jeweilige Projekt am besten geeignet sind.”
Caveh Zahedi, der in der Bay Area lebt und arbeitet, studierte Philosophie, bevor er 1991 begann, Filme zu machen. Seine tagebuchartigen Filme über sich selbst wurden auf amerikanischen und europäischen Filmfestivals gezeigt, wobei letztere mehr auf seinen Stil reagierten, der die Zuschauer polarisiert: Die einen finden sie zu selbstverliebt, die anderen erfrischend unberechenbar. In I Don’t Hate Las Vegas Anymore (1994) nimmt er seinen Vater und seinen Stiefbruder mit auf einen Roadtrip, um die familiären Beziehungen zu ihnen zu verbessern; in In the Bathtub of the World (2002) macht er sich auf den Weg, um aus den täglichen Aufzeichnungen seines Lebens einen Film zu machen.
Ob er nun auf Film oder digital dreht, Zahedi nutzt die Form, um das Gewöhnliche abwechselnd zu fokussieren, zu beleuchten, zu erhöhen und faszinierend zu machen. Indem er Regie führt, die Kamera in die Hand nimmt und sich selbst zum Thema macht, erforscht er persönliche Beziehungen, sinniert über philosophische Fragen und beobachtet einfache und manchmal verblüffend schöne, alltägliche Momente. Der Zuschauer wird in den selbstbewussten, fortlaufenden Prozess eingeweiht, der gelegentlich unangenehm ist, da Echtzeit und Performance ineinander übergehen und er seine eigenen Grenzen und die Struktur eines Films testet.
Der Filmemacher Carroll Parrott Blue ( Conversations with Roy DeCarava , 1984; Varnette’s World: A Study of a Young Artist , 1979), Produzentin, Kuratorin von Filmfestivals und Professorin an der San Diego State University, hat im Laufe ihrer Karriere zahlreiche Auszeichnungen erhalten. Blue schuf kürzlich The Dawn at My Back: Memoir of a Black Texas Upbringing – An Interactive Cultural History (Memoiren einer schwarzen texanischen Erziehung – eine interaktive Kulturgeschichte), der beim Sundance Online Film Festival 2004 mit dem Jury Award in New Forms ausgezeichnet wurde. Die DVD-ROM basiert auf den gleichnamigen Memoiren von Blue (University of Texas Press, 2003) und ermöglicht es dem Betrachter, Erzählungen und Geschichten zu erkunden, die sich aus Originalfotografien, Videoaufnahmen, mündlichen Erzählungen und Archivmaterial ergeben und sich um ein Quiltmuster gruppieren, das von Blues Urgroßmutter, einer Sklavin und Meisterin der Quiltfertigung, entworfen wurde. Die DVD-ROM wurde zusammen mit Kristy H. A. Kang im Rahmen des Labyrinth Project erstellt, einem Kunstkollektiv, das sich auf interaktive Erzählungen spezialisiert hat und 1997 unter der Leitung von Marsha Kinder am Annenberg Center for Communication der University of Southern California ins Leben gerufen wurde.
“Ich möchte dokumentieren, wie tief der Rassismus in unserem bürgerlichen, sozialen und persönlichen Leben und in unseren Beziehungen zueinander verankert ist”, so Blue. “Mit The Dawn at My Back schaffe ich eine Kombination aus Buch, DVD-ROM und Website, die den Leser des Buches einlädt, zum DVD-ROM-Benutzer und zum Mitautor der Website zu werden. Ich finde, dass die interaktive, multimediale, nicht-lineare und Internet-Welt dem Leser die Möglichkeit gibt, zum Autor zu werden. Die digitale Welt ermöglicht Beziehungen zwischen der analogen und der digitalen Welt, die in der analogen Welt begrenzt sind.”
Bildende Künstler haben sowohl Filme gemacht als auch sie als Projektionen in Installationen eingebaut, insbesondere seit dem Aufkommen von Video in den 1970er Jahren. Jeanne C. Finley und John Muse, die seit 1989 zusammenarbeiten, aber erst seit 1997 vollständig kooperieren, bewegen sich zwischen Installation und Filmemachen hin und her. Finley, Professorin für Medienwissenschaften am California College of Arts and Crafts, arbeitet seit über 20 Jahren im Bereich Film und Video (I Saw Jesus in a Tortilla, 1982) und erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter ein Guggenheim-Stipendium und den CalArts Alpert Award in the Arts. Muse ist Künstlerin und Autorin und promoviert an der Fakultät für Rhetorik der University of California in Berkeley. Sie haben ihre experimentellen Dokumentarfilme und Mehrkanal-Videoinstallationen in Galerien und auf Festivals in den Vereinigten Staaten und Europa ausgestellt und waren von 1995 bis 1996 Artists in Residence im Xerox Palo Alto Research Center.
Finleys frühere Arbeiten waren eher traditionell, begannen sich aber zu verändern, als sie dem Material erlaubte, die endgültige Form eines Stücks zu diktieren, und erkannte, wie sie bemerkt, “die Möglichkeit, dokumentarisches Material zu verwenden und ihm künstlerische Autorität zu verleihen.” Das Paar erklärt per E-Mail: “Wir finden das Erzählen durch Bild und Text am fesselndsten, wenn die Erwartungen an die Erzählung mit ihrer Form kollidieren, wenn die Erwartungen selbst zur kritischen Reflexion erscheinen.”
Loss Prevention (2000) basiert auf der Geschichte einer älteren Frau, die wegen Ladendiebstahls in einem Wal-Mart in Miami verurteilt wird, die zu einer Schule für ältere Bürger zur Verhinderung von Ladendiebstahl verurteilt wird und weiterhin stiehlt. Ursprünglich hatten die Filmemacher diese Geschichte als Beitrag für die öffentliche Radiosendung This American Life konzipiert, aber sie verwarfen den konventionellen Ansatz eines sprechenden Eröffnungsbildes und begannen, visuelle Allegorien mit Ideen des Enthüllens oder Versteckens zu schaffen, wobei sie auf Video und Super-8 drehten. “Als wir beschlossen, mit einer Palette von Ideen zu arbeiten und das visuelle Material zu bewegen und zu manipulieren, wurde der Film kraftvoller”, sagt Finley.
Die Mitglieder des in San Francisco ansässigen kollaborativen Trios, das als silt bekannt ist (Keith Evans, Christian Farrell, Jeff Warrin), arbeiten seit 1990 zusammen und haben mehr als ein Dutzend Filme produziert. Kennzeichnend für die bisherigen Arbeiten von silt ist die anhaltende Vorliebe für Super-8-Film und -Ausrüstung sowie der Wunsch, die Erfahrung und die Rolle des Betrachters zu erweitern oder zu verändern. Man sieht sich eine Arbeit von silt nicht einfach nur an, sondern nimmt oft physisch daran teil und wird Teil davon. Die Filmvorführungen sind eher Performances als Vorführungen im herkömmlichen Sinne und beinhalten eine Mischung aus physischen Objekten und Materialien, filmischer Ausrüstung, Ton und unvorhersehbaren Ereignissen.
Die Künstler von silt beschreiben sich selbst als “Paranaturalisten… die sich unter anderem von der Alchemie und den hermetischen Wissenschaften und der taoistischen Landschaftsmalerei sowie von Goethe, naturalistischen Beobachtungstechniken und den Phänomenologen ernähren. Wir verwenden ganzheitliche, integrale und rezeptive Ansätze zur wissenschaftlichen Untersuchung, die sich mit poetischen Fakten und Imaginationen überschneiden. Unsere Arbeit hat als Kern eine erweiterte Idee des Kinos; sie formt sich mit der Zeit und wird zu einer archaischen filmischen Erweiterung des Körpers und der Erde.”
Die Künstler arbeiten mit Projektionen, Sound, Spiegeln, Linsen, Flüssigkeiten, Leinwänden, Scrims und sogar ihren Körpern und bedienen ihre Ausrüstung und Filmprojektoren in einem Klang- und Lichtspektakel, das vergänglich, erfahrbar und praktisch unmöglich zu dokumentieren ist. Die Gruppe verwendet Film, der mit Schimmel biochemisch verändert und mit Insektenflügeln, Schlangenhaut und Flora bedruckt wurde, um ein Wahrnehmungsfeld zu schaffen, in dem die Grenzen zwischen Projektionen, Objekten, Schatten und Klängen verwischt werden. Im wahrsten Sinne des Wortes “dokumentarisch”, indem die grundlegende Natur des Films, der Ausrüstung und ihres Gegenstands archiviert wird, bietet der Schlick eine Gelegenheit zur Reflexion über die natürliche Welt, indem er ihr erlaubt, sich durch Wahrnehmungserfahrung zu entfalten. Hybride sind nur eine weitere Facette der neuen Formen des Dokumentarfilms. Ich habe mich immer dafür eingesetzt, Filme zu machen, die es mir ermöglichen, mich selbst neu zu erfinden, die Filmkunst in neue Richtungen zu treiben, neue Formen des Erzählens zu erfinden und die Konflikte und Widersprüche der Zeit, in der ich lebe, zu verkörpern. Meine Filme haben ihren Ursprung in der bildenden Kunst, wo ich versuche, meine Faszinationen mit meinen Bedürfnissen zu verbinden und in Einklang zu bringen, eine hingebungsvolle Ernsthaftigkeit mit dem Geist des Spiels und der tiefen ‘öffentlichen’ Verantwortung, die mit dem Schaffen eines Werks aus einer so zutiefst persönlichen Perspektive einhergeht.”
Hybride können auch spannende Perspektiven für die Zukunft bieten. “Der Dokumentarfilm wird in dem Maße wiederbelebt, in dem Filmemacher bereit sind, selektiv und intelligent aus dem Spielfilm, der Avantgarde, dem Musikvideo, der Werbung und anderen Genres zu stehlen, um neue, hybride Formen zu schaffen”, stellt Lerner fest. “Nur wenn der Dokumentarfilm die unkritische Verwendung der körperlosen, erdrückenden Stimme der Autorität und den Narzissmus des Ich-Kinos hinter sich lässt, wird er in der Lage sein, wirksame neue Strategien zu entwickeln und Anleihen bei einer Vielzahl von Filmsprachen zu machen.”