Par : Lauren Henry
Les comédies musicales sont la quintessence de l’art dramatique américain, combinant des dialogues parlés avec de la musique, des chansons et de la danse. Pour beaucoup, la comédie musicale permet de s’évader de la réalité, un voyage fantastique dans un monde de chats qui chantent et dansent et de nounous magiques qui se déplacent par parapluie volant.
Pour autant, les comédies musicales ont également cherché à faire revivre l’histoire sur scène, avec des degrés variables de licence créative. Voici les dix meilleures comédies musicales d’Origins basées sur des personnes et des événements réels qui ont façonné le théâtre.
1. Évangéline, ou La Belle d’Acadie (1874)
Le théâtre musical tel que nous le connaissons aujourd’hui est apparu aux États-Unis et au Royaume-Uni à la fin du XIXe siècle à partir de divers antécédents : music-halls, minstrel shows et vaudeville, ainsi qu’opéras et opérettes. Dans les premiers précurseurs du genre, souvent appelés burlesques ou extravagances, l’intrigue n’était qu’une réflexion après coup, un simple dispositif permettant d’enchaîner une succession de numéros musicaux pour divertir le public. La narration était reléguée au second plan par rapport au spectacle.
Bien que ces proto-musicaux traitent rarement de sujets historiques réels, certains adaptent des personnages historiques familiers issus du folklore. L’un des plus célèbres était Évangéline, ou La Belle d’Acadie, et était basé sur le poème épique de Henry Wadsworth Longfellow sur une jeune fille acadienne à la recherche de son amant après qu’ils aient été séparés pendant le déplacement forcé des Acadiens français du Canada britannique.
“In Love With the Man in the Moon,” extrait d’Evangeline, or The Belle of Acadia.
Le compositeur Edward E. Rice et le librettiste J. Cheever Goodwin ont conservé les amants maudits, mais ont substitué le spectacle à la tragédie, en envoyant Evangeline et Gabriel partout, de l’Ouest américain à l’Afrique, et en ajoutant une vache dansante pour faire bonne mesure. Les spectateurs ne semblaient pas se soucier de ce changement de tonalité – Évangéline était follement populaire, et était régulièrement jouée dans tout le pays au cours des décennies suivantes.
2. Le Roi et moi (1951) / La Mélodie du bonheur (1959)
Une photo promotionnelle de la production Broadway de 1951 du Roi et moi (à gauche) ; Une photo promotionnelle de la production Broadway de 1959 de La Mélodie du bonheur (à droite).
Au cours des décennies suivantes, le théâtre musical a progressivement évolué vers le format que nous reconnaissons aujourd’hui : des dialogues parlés, entrecoupés de chansons qui servent à explorer les motivations des personnages, à souligner les thèmes clés et à faire avancer l’intrigue. Mais ce n’est qu’au début des années 1940 que l’âge d’or des comédies musicales a commencé, en grande partie grâce à la collaboration du compositeur Richard Rodgers et du parolier Oscar Hammerstein II. Ensemble, Rodgers et Hammerstein ont créé certaines des comédies musicales les plus emblématiques de tous les temps.
Si plusieurs des comédies musicales de Rodgers et Hammerstein se déroulent dans le passé historique, seules deux de leurs comédies musicales sont basées sur des personnes réelles. The King and I raconte l’histoire d’une gouvernante anglaise auprès des enfants du roi de Siam (la Thaïlande d’aujourd’hui). La dernière collaboration du duo, The Sound of Music, a été créée à Broadway seulement neuf mois avant la mort de Hammerstein avec une intrigue similaire : une jeune gouvernante irrépressible chargée de s’occuper de sept enfants turbulents tombe amoureuse de leur père veuf, à la veille de l’annexion de l’Autriche par l’Allemagne nazie.
“Shall We Dance,” de l’adaptation cinématographique de 1956 de The King And I.
Dans les deux cas, l’essentiel des histoires était vrai, mais Rodgers et Hammerstein les ont librement embellies. Si la véritable Anna Leonowens a réellement enseigné aux enfants du roi Mongkut de 1860 à 1867, par exemple, l’idée d’une romance entre les deux est née dans Anna et le roi de Siam, le roman de 1944 que Rodgers et Hammerstein ont utilisé comme source pour la comédie musicale. Et alors que La Mélodie du bonheur se termine avec Maria, le capitaine von Trapp et les enfants qui partent héroïquement à pied pour la Suisse afin d’éviter l’embrigadement imminent du capitaine dans la marine allemande, un rapide coup d’œil à la carte révèle que “gravir toutes les montagnes” à partir de Salzbourg…. vous ferait atterrir en Allemagne. (Ils ont réellement pris le train.)
3. Fiorello ! (1959)
Le maire de la ville de New York, Fiorello H. LaGuardia, s’adresse aux habitants de New York lors de son émission de radio en 1940 (à gauche) ; une affiche de la New York City Housing Authority vers 1936-1938 portant le nom du maire LaGuardia (à droite)
Contrairement à Rodgers et Hammerstein, l’équipe créative derrière la comédie musicale Fiorello !, lauréate du prix Pulitzer en 1959, était beaucoup plus limitée dans sa capacité à prendre des licences créatives. Non seulement leur cadre – la ville de New York au début du 20e siècle – était familier de façon innée au public de Broadway d’une manière que Salzbourg ou Siam ne l’étaient pas, mais leur protagoniste titulaire, le maire de New York Fiorello H. LaGuardia, était l’une des personnalités publiques les plus célèbres de l’histoire de la ville.
Dans Fiorello ! les dramaturges Jerome Weidman et George Abbott, le parolier Sheldon Harnick et le compositeur Jerry Bock se concentrent sur la vie de LaGuardia avant de devenir maire : de son travail précoce en tant qu’avocat représentant les ouvriers du vêtement en grève, et son service militaire pendant la Première Guerre mondiale, jusqu’à son passage au Congrès et sa première course infructueuse à la mairie.
Surnommé “la petite fleur”, LaGuardia a effectué trois mandats, de 1934 à 1945, et reste l’un des maires les plus populaires de l’histoire de la ville de New York. Républicain progressiste et partisan du New Deal, LaGuardia a transformé la ville comme peu de maires l’avaient fait auparavant (ou l’ont fait depuis). Pendant son mandat, il s’est attaqué au pouvoir bien ancré de la tristement célèbre machine politique Tammany Hall de New York, a supervisé la création de la New York City Housing Authority pour créer de nouveaux logements abordables et a considérablement développé l’infrastructure de la ville avec de nouvelles routes, des parcs et des aéroports.
“Politique et poker”, extrait de l’enregistrement de la distribution originale de Broadway de Fiorello!
L’intérêt deFiorello ! pour ce que l’on pourrait considérer comme de la petite politique locale reflète la centralité de la ville de New York pour le théâtre musical. Pendant plus de cent cinquante ans, “Broadway” a été synonyme de théâtre professionnel, et des dizaines de comédies musicales ont eu pour cadre la ville. En fait, LaGuardia lui-même a contribué à cimenter la relation entre New York et le théâtre, lorsque son administration a fondé une école publique pour former les futurs acteurs, artistes et musiciens en 1936 – aujourd’hui la Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts.
4. 1776 (1969)
“La Déclaration d’indépendance, 4 juillet 1776”, par John Trumbull.
Compte tenu des schismes politiques et culturels qui divisaient l’Amérique en 1969, il est d’autant plus choquant que 1776 ait été un succès auprès des publics de toutes tendances. Pourtant, l’émouvante dramatisation de la signature de la Déclaration d’indépendance par Sherman Edwards et Peter Stone a fait sensation, donnant lieu à 1 217 représentations à Broadway et suscitant une adaptation cinématographique en 1972.
1776 dépeint les Pères fondateurs comme des hommes complexes et imparfaits dont les personnalités s’affrontaient presque aussi souvent que leurs idéaux. John Adams, brillant, doté de principes, “odieux et détestable” à parts égales, harangue, cajole et amadoue ses collègues délégués pour qu’ils soutiennent l’indépendance américaine. Il est secondé par le sournois et jovial Benjamin Franklin et par un Thomas Jefferson talentueux mais en mal d’amour. Présenté comme une œuvre de réalisme dramatique, avec de nombreuses répliques tirées directement des écrits réels des personnages, 1776 a séduit les républicains et les démocrates, chaque camp revendiquant le message de la comédie musicale pour le sien.
“Cool, Cool, Considerate Men,” de la bande originale de l’adaptation cinématographique de 1776 en 1972. Bien que la chanson ait été enregistrée et filmée, elle a été coupée du film après que le président Nixon se soit opposé à sa représentation des conservateurs.
Mais même 1776 ne pouvait pas échapper entièrement indemne à la politique partisane de l’époque. Lorsque le président Richard Nixon a invité la troupe à jouer le spectacle à la Maison Blanche en l’honneur de l’anniversaire de George Washington en 1970, son bureau leur a demandé d’exciser trois des numéros les plus ouvertement politiques du spectacle : “Cool, Cool, Considerate Men”, un menuet satirique interprété par les membres conservateurs du Congrès constitutionnel ; “Molasses to Rum to Slaves”, une critique de l’hypocrisie du Nord sur l’esclavage de la part du représentant de la Caroline du Sud John Rutledge ; et “Momma, Look Sharp”, qui décrit la bataille de Lexington du point de vue d’un soldat mourant.
La troupe et les producteurs ont repoussé, insistant sur le fait qu’ils joueraient le spectacle dans son intégralité ou pas du tout, et finalement la Maison Blanche a fait marche arrière. Deux ans plus tard, cependant, Nixon a réussi à faire pression sur le producteur du film, un éminent républicain, pour que “Cool, Cool, Considerate Men” soit retiré de la version cinématographique.
5. Evita (1979)
La vraie Eva Perón, prononçant un discours en 1951.
Depuis sa mort prématurée en 1952, Eva Perón, ancienne première dame d’Argentine, a été représentée dans tout, des bandes dessinées à la conception d’un quartier entier, façonné à son profil. Aucune, cependant, n’a eu autant d’influence que la comédie musicale Evita du compositeur Andrew Lloyd Webber et du parolier Tim Rice, qui a débuté à Broadway en 1979 après ses débuts dans le West End un an plus tôt.
L’intrigue suit l’ascension d’Evita de la pauvreté pour devenir une actrice célèbre à Buenos Aires, où elle rencontre et épouse plus tard le futur président Juan Perón. Evita était follement populaire parmi les pauvres, qui voyaient en elle un défenseur principal de l’administration de son mari. La comédie musicale a été écrite dans le sillage du coup d’État de droite qui a renversé Isabel, la troisième épouse de Juan Perón, et a souvent été accusée de promouvoir un programme anti-péroniste à travers le personnage de Che, un homme ordinaire fictif qui représente la voix du peuple. L’impact des critiques acerbes du Che sur l’ambition et l’extravagance d’Evita a cependant été atténué par le passage du temps et par la popularité pérenne de “Don’t Cry For Me, Argentina”
“Don’t Cry for Me Argentina,” tiré de l’adaptation cinématographique d’Evita en 1996.
Si la politique d’Evita reste difficile à évaluer, sa place dans l’histoire du théâtre musical est sans ambiguïté. Première comédie musicale britannique à remporter le Tony Award de la meilleure comédie musicale, elle a signalé l’arrivée d’une nouvelle ère transatlantique à Broadway, avec l’importation de plusieurs productions à succès du West End. La portée grandiose de ces “méga-musicales” impliquait souvent des décors historiques élaborés : du Fantôme de l’Opéra de Weber (Paris Belle Époque), à Miss Saigon (Vietnam du Sud des années 1970) et Les Misérables (Paris des années 1830), et nécessitait des effets techniques de plus en plus élaborés.
6. Assassins (1990)
Trois des quatre assassins présidentiels réussis de l’histoire américaine : John Wilkes Booth, qui a assassiné le président Abraham Lincoln (à gauche) ; Charles Guiteau, qui a tué le président James Garfield (au centre) ; et Leon Czolgosz, qui a tué William McKinley (à droite).
Alors qu’Andrew Lloyd Webber et ses collègues impresarios de méga-musiques faisaient revivre l’histoire sur scène dans des spectacles de plus en plus élaborés, Stephen Sondheim a suivi une approche très différente. Son spectacle Off-Broadway de 1990, Assassins, rejette un récit linéaire ou une structure d’intrigue traditionnelle dans sa représentation des neuf hommes et femmes qui ont tenté de tuer un président américain (dont quatre ont réussi).
Au lieu de cela, la comédie musicale prend la forme d’un jeu de carnaval macabre, chacun de ses personnages hétéroclites prenant le devant de la scène pour expliquer ses motivations pour leurs terribles actes : John Wilkes Booth, qui a assassiné le président Abraham Lincoln ; Charles Guiteau, qui a assassiné James A. Garfield ; Leon Czolgosz, qui a tué William McKinley ; Giuseppe Zangara, qui a tiré sur le président élu Franklin D. Roosevelt ; Lee Harvey Oswald, qui a tué John F. Kennedy ; Samuel Byck, qui a tenté de tuer Richard M. Nixon ; Lynette (Squeaky) Fromme et Sara Jane Moore, qui ont toutes deux tenté de tuer Gerald Ford, et John Hinckley, qui a tiré sur Ronald Reagan.
“Everybody’s Got the Right to be Happy”, interprété par la distribution de la reprise d’Assassins à Broadway lors des Tony Awards 2004.
Le sujet non conventionnel d’Assassins reflétait une volonté croissante des créateurs de comédies musicales d’aborder des sujets difficiles et bouleversants qui seraient normalement du domaine des drames non musicaux. Les sujets historiques ont permis aux créateurs d’expérimenter de nouveaux styles musicaux, comme dans The Capeman, la comédie musicale doo wop de 1998 de Paul Simon et du lauréat du prix Nobel de littérature Derek Walcott sur un meurtre commis par un gang portoricain en 1959, ou The Scottsboro Boys, une comédie musicale de 2010 sur neuf Afro-Américains accusés à tort du viol de deux femmes blanches, qui a été stylisée comme un spectacle de ménestrel moderne.
7. Elisabeth (1992)
Un portrait de 1865 de l’impératrice Elisabeth d’Autriche, affichant deux de ses traits iconiques : ses cheveux bruns lustrés et sa taille étroite et étroitement corsetée.
Le théâtre musical s’est étendu bien au-delà des États-Unis et du Royaume-Uni. Aujourd’hui, non seulement les tournées internationales sont une source importante de revenus pour les spectacles de Broadway et du West End, mais des comédies musicales originales sont également produites dans le monde entier. Elisabeth, la comédie musicale en langue allemande la plus populaire de tous les temps, a été initialement produite à Vienne, mais elle a été traduite en sept langues et jouée devant des millions de spectateurs.
Elisabeth raconte l’histoire de l’impératrice Elisabeth d’Autriche, épouse de l’empereur François-Joseph. Belle et troublée, Elisabeth était mal à l’aise dans ses fonctions publiques de monarque. La plupart des observateurs historiques s’accordent à dire qu’elle souffrait probablement de dépression et de graves troubles alimentaires.
Malgré (ou peut-être à cause) de son existence profondément malheureuse, “Sisi” (pour reprendre son surnom d’enfance) fait l’objet d’une vaste entreprise culturelle. Elisabeth la comédie musicale rejoint les rangs d’innombrables romans, d’une trilogie cinématographique autrichienne follement populaire et de toute une industrie artisanale de souvenirs à travers Vienne. L’Elisabeth du librettiste Michael Kunze et du compositeur Sylvester Levay est un mélodrame qui embrasse de front notre fascination morbide pour Sisi.
“Elisabeth, ouvre mon ange”, extrait d’une production d’Elisabeth de 2002, avec sous-titres anglais.
La romance centrale d’Elisabeth est en fait un triangle amoureux : entre Elisabeth, son mari, et la Mort elle-même, sous la forme d’un beau jeune homme. Les tragédies qui ont façonné la vie d’Elisabeth – la perte d’une de ses filles dans l’enfance, et la mort de son fils unique par un apparent pacte de suicide avec sa maîtresse – deviennent une partie de la séduction d’Elisabeth par la Mort pendant des décennies. Le spectacle se termine, tout comme la vraie vie d’Elisabeth, par son assassinat aux mains d’un anarchiste italien…. et par la Mort, embrassant Elisabeth comme une amante.
8. Leonardo the Musical : A Portrait of Love (1993)
La “Mona Lisa” de Léonard de Vinci (à gauche) ; une photographie aérienne de la nation de Nauru dans le Pacifique (à droite).
Parfois, l’histoire derrière une production musicale éclipse l’histoire qui prend vie sur scène. C’était certainement le cas avec Leonardo the Musical : A Portrait of Love, une relecture hautement fictive de la vie de Léonard de Vinci qui imaginait la Joconde comme le produit d’une relation amoureuse torride entre le grand artiste et polymathe de la Renaissance et le sujet du tableau. Plébiscité par la critique et le public, le spectacle a fermé ses portes après seulement quelques semaines dans le West End de Londres en 1993, laissant peu de traces sur la scène britannique.
Pourtant, il a laissé un impact durable à quelque neuf mille kilomètres de là, sur la minuscule île de Nauru, dans le Pacifique. Pendant des décennies, la plus grande industrie de Nauru a été l’exploitation des phosphates, d’abord sous ses gouvernants coloniaux allemands et australiens, puis en tant que nation indépendante. Bien que l’exploitation du phosphate ait généré une richesse phénoménale, elle a causé des dommages environnementaux intenses sur l’île, et lorsque les mines ont commencé à s’épuiser, les responsables gouvernementaux se sont tournés vers des projets de plus en plus farfelus pour diversifier le portefeuille de l’île.
“Let me Be a Part of Your Life,” extrait de Leonardo the Musical : A Portrait of Love.
Leonardo the Musical était l’idée de Duke Minks, un ancien roadie pour un groupe pop britannique des années 1960 qui s’était réinventé comme l’un des conseillers financiers de Nauru. Le gouvernement de Nauru a investi 4 millions de dollars dans la production de Leonardo the Musical et a tout perdu. Aujourd’hui, Nauru dépend presque entièrement de l’aide étrangère, une grande partie de l’île étant inhabitable en raison des effets de l’exploitation des phosphates.
9. Bloody Bloody Andrew Jackson (2010) / Hamilton (2015)
Alexander Hamilton (à gauche) ; Andrew Jackson (à droite), tous deux dépeints de manière assez différente dans les récentes comédies musicales portant leurs noms.
Dans la comédie musicale à succès Hamilton, le créateur Lin-Manuel Miranda a dépeint le père fondateur et auteur des Federalist Papers, Alexander Hamilton, comme un immigrant gréviste, un “bâtard, fils orphelin d’une putain et d’un Écossais” dont la soif de grandeur a laissé une profonde influence sur les États-Unis avant de mourir dans un duel avec Aaron Burr en 1804. Avec une distribution composée presque entièrement d’acteurs de couleur et une partition qui incorporait du hip-hop et de la musique R&B aux côtés des airs de spectacle traditionnels, Hamilton semblait être la quintessence de la production culturelle de l’ère Obama – d’autant plus que Miranda a d’abord interprété une sélection du spectacle lors du White House Poetry Jam de 2009.
Alors qu’Hamilton incarne l’optimisme juvénile et la diversité du projet politique d’Obama, Bloody Bloody Andrew Jackson de 2010 fournit la bande-son musicale de la poussée mondiale du populisme nativiste de la dernière décennie. Avec un livre d’Alex Timbers et une musique et des paroles de Michael Friedman, Bloody Bloody Andrew Jackson est un récit irrévérencieux de l’ascension du septième président américain, un outsider effronté qui a bouleversé l’establishment politique de l’époque en promettant de “reprendre le pays” et de “prendre position contre les élites”.”
“Populisme, Yea, Yea !” de la distribution originale de Broadway de Bloody Bloody Andrew Jackson.
Bien que le spectacle dépeigne Jackson comme une rock star vibrante et charismatique, il est loin d’être une hagiographie, et ne recule pas devant les aspects les plus controversés du bilan de Jackson. En effet, en faisant de Jackson une figure fascinante, le spectacle met en lumière le fait troublant que la plupart des Américains blancs étaient complices (ou du moins approuvaient largement) l’expulsion des Amérindiens par l’administration Jackson.
10. Newsies (2012)
De jeunes enfants ramassant leurs journaux pour les vendre dans les rues de New York en 1910.
Traditionnellement, Broadway a servi de source fertile de comédies musicales à traduire au grand écran. Si les adaptations cinématographiques à gros budget existent toujours, le déclin de la comédie musicale a coïncidé avec une augmentation des productions théâtrales adaptées de films.
Newsies est l’un de ces hybrides Hollywood-Broadway. Ce récit exaltant de la vie réelle d’enfants vendeurs de journaux qui se sont mis en grève en 1899 pour obtenir de meilleurs salaires a commencé sa vie en 1992 sous la forme d’un film d’action avec Christian Bale. Un flop au box-office, il a acquis un culte parmi les jeunes amateurs de théâtre, et deux décennies plus tard, il a fait son chemin sur la scène pour la première fois, avec le dramaturge Harvey Fierstein écrivant une nouvelle histoire pour accompagner la musique et les paroles originales d’Alan Menken et Jack Feldman.
“The World Will Know,” de la version cinématographique de 1992 de Newsies.
Dans les deux versions de Newsies, la plupart des personnages de newsboy sont inventés, mais leur antagoniste était réel : Joseph Pulitzer, l’éditeur du New York World, qui cherchait à maintenir ses marges bénéficiaires en augmentant les prix pour ses jeunes distributeurs. La grève fictive se termine par une intervention opportune de Theodore Roosevelt, qui convainc l’éditeur de faire marche arrière. Dans la réalité, cependant, les newsboys ont réussi à obtenir des concessions qui ont augmenté leur salaire net sans qu’il y ait de deus ex machina dans le troisième acte. À une époque où l’activisme des jeunes sur des questions comme le contrôle des armes à feu et le changement climatique trahit un refus d’attendre que les générations plus âgées rattrapent leur retard, la spontanéité radicale des jeunes héros de Newsies semble plus pertinente que jamais.
–Posé le 9 juin 2019
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