Novembre 15, 2013

Lorsque Don Bluth et Gary Goldman ont quitté Disney en 1979 pour créer leur propre studio d’animation, l’objectif était simple : ” restaurer l’animation pour en faire quelque chose de mieux qu’elle n’était ” et défendre les valeurs de l’âge d’or de l’animation, qui, selon eux, était en train de mourir sous le régime d’exploitation de Disney dans les années 1970. La qualité établie sous le règne de Walt commençait à s’essouffler ; avec l’augmentation des coûts de production de l’animation, le studio a réagi en réduisant les effectifs et en se concentrant sur des techniques moins exigeantes en main-d’œuvre. Cela a préparé le terrain pour que Don et Gary, ainsi que quatorze autres animateurs, quittent Disney pour former leur propre studio qui allait produire des œuvres formidables dans l’histoire de l’animation comme Le secret de N.I.M.H (1982) et Une queue américaine (1986).

Le partenariat entre Don et Gary a commencé chez Walt Disney Productions lorsque les deux se sont rencontrés pour la première fois en 1972. Gary était récemment diplômé d’une école d’art et faisait partie du programme de formation en animation chez Disney. Pendant ce temps, Don avait de nombreuses années d’expérience au studio, y ayant travaillé en 1955 directement à la sortie du lycée en tant qu’inbetweener (l’artiste qui dessine les images entre les images clés d’un animateur principal, créant une évolution fluide pour les mouvements/poses) sur La Belle au bois dormant (1959). Même si Don poursuit ses études et part en Argentine pour sa mission (dans le cadre de sa foi mormone), il passe ses étés à travailler chez Disney jusqu’en 1962. Il est revenu chez Disney en tant qu’animateur à plein temps en 1971. Suite à la présentation de Don et Gary, les deux ont commencé à travailler ensemble non seulement chez Disney, mais aussi pendant leur temps libre, créant un court métrage d’animation dans le garage de Don.

Les propriétés d’animation de Disney avaient connu un lent déclin depuis La Belle au bois dormant. L’année précédant sa sortie, le studio avait réduit son personnel de 500 à 125 personnes, la réduction des effectifs s’est poursuivie jusqu’au milieu des années 70. Entre 1970 et 1977, Disney n’a embauché que 21 personnes. Avec le peu d’animateurs originaux restants, souvent appelés les “neuf vieux”, la société a étendu son programme de formation à ce qui est devenu le California Institute of the Arts (Cal Arts). Pourtant, cela ne changea pas grand-chose à la culture de production de l’entreprise, d’autant plus que Disney devint encore plus conscient des coûts.

Ayant payé leur cotisation, Don et sa coterie eurent bientôt leur chance au studio. Tout en terminant The Rescuers (1977), Don a été affecté à la direction de l’animation de Pete’s Dragon (1977), puis comme producteur/réalisateur de The Small One (1978), ce qui aurait dû marquer un tournant, permettant aux nouveaux animateurs, plus jeunes, d’avoir une chance de revigorer le studio, influencés par la qualité de production et d’animation que Walt avait établie bien avant. Cependant, lorsque Don a essayé d’inclure des valeurs de production plus coûteuses rappelant les premiers films Disney (effets spéciaux et plus de couleurs), il a été refusé. Don, tellement désenchanté par le régime en place et son accent sur la réduction des coûts, demanda à quitter son poste de producteur/réalisateur pour se concentrer uniquement sur l’animation.

Puis, en 1979, Jim Stewart, un ancien cadre de Disney, apprenant que Bluth et Goldman étaient malheureux chez Disney, leur tendit la main pour savoir s’ils seraient prêts à partir pour créer leur propre société, et quel film ils voudraient pour commencer. Don s’est souvenu du roman pour la jeunesse “Mrs. Frisby and the Rats of N.I.M.H”, récompensé par un Newberry Award, un film proposé à Disney mais refusé parce que le studio avait “déjà fait un film de souris”, à savoir The Rescuers. Don et Gary ont finalement informé leurs collègues animateurs de leur projet et les ont invités à se joindre à eux pour former un nouveau studio. Au total, quatorze animateurs ont quitté Disney pour rejoindre Don et Gary sous Don Bluth Productions, avec un financement de Jim à Aurora Productions.

Le secret de N.I.M.H

Les studios Aurora ont acquis les droits cinématographiques du roman “Mrs. Frisby and the Rats of NIMH”, et ont offert un budget de 5,7 millions de dollars et une fenêtre de 30 mois pour produire le film, moins d’argent et moins de temps que la plupart des longs métrages Disney à l’époque. Mais, sous leur propre responsabilité, le studio s’est fixé pour objectif d’élever l’animation à ses sommets antérieurs. Cela signifiait notamment que de nombreuses techniques d’animation étaient laissées de côté en faveur de la réduction des coûts.

En regardant Le Secret de N.I.M.H, il est plus que clair que de nombreuses techniques plus anciennes et plus coûteuses ont été mises à profit dans le film : Le rotoscopage, où les animateurs prennent des images en direct et les retracent (le bateau dans le manège souterrain, le gréement construit pour soulever la maison de Brisby et la cage à oiseaux dans laquelle elle est piégée ont tous été photographiés en direct) ; l’animation rétroéclairée, qui utilise des mattes animées filmées avec de la lumière qui brille à travers des gels de couleur pour produire des lueurs afin de recréer un éclairage artificiel ou des effets de feu ; et les palettes de couleurs multiples, afin de refléter les différences entre les personnages en raison des différentes situations d’éclairage (y compris sous l’eau ; le personnage mineur Mr. Ages avait 26 palettes à lui seul). L’expérience du visionnage de N.I.M.H. est indéniablement liée à l’utilisation de ces techniques, qui permettent de définir l’ambiance et le ton, étant donné qu’une grande partie du film se déroule sous terre, et aux éléments de science-fiction/mystique qui animent l’histoire. Mais la réalisation de ces techniques, avec un budget et des délais plus serrés que ceux auxquels ces animateurs étaient habitués, a nécessité des heures et des heures d’engagement de la part du nouveau studio. Gary se souvient d’avoir travaillé sept jours par semaine, avec des journées de 12 à 16 heures, surtout au cours des derniers mois de la production, sans compter les heures supplémentaires qui n’étaient pas rémunérées. En conséquence, de nombreux petits rôles vocaux ont été remplis par le personnel en interne. Le budget final du film a fini par s’élever à un peu moins de 6,4 millions de dollars, Don, Gary et quelques autres producteurs ayant hypothéqué leurs maisons pour 700 000 dollars supplémentaires afin de terminer le film.

Le film est sorti le week-end du 4 juillet 1982, une année très chargée avec d’énormes succès commerciaux comme E.T., Tron et La Colère de Kahn. En raison à la fois de l’encombrement du marché et d’une stratégie de déploiement lent avec un marketing minimal du distributeur MGM/UA, qui a fait ouvrir le film sur seulement 88 écrans son 1er week-end, N.I.M.H n’a rapporté que 386 000 dollars le week-end d’ouverture. Il n’a jamais dépassé les 700 écrans au cours de son exploitation, et au 1er août, il n’avait rapporté que 7 millions de dollars ; son box-office à vie s’élève à un peu moins de 15 millions de dollars. Si le film n’a pas connu de succès commercial à sa sortie, il a été largement acclamé par la critique. Et, au fil du temps, le film a connu un succès financier grâce à la distribution vidéo à domicile (la première sortie VHS avait un prix d’achat de 79 $), ainsi que sur le câble, et il a accumulé de l’influence en tant que film d’animation de premier ordre et favori du culte.

Malheureusement, les échecs commerciaux du premier film du studio allaient mettre en doute la viabilité de Don Bluth Productions à l’avenir. En plus de cela, 1982 a vu une grève du travail entre les animateurs et les studios, en raison de la quantité de travail envoyé à l’étranger pour l’animation télévisée. Alors qu’elle entame sa deuxième production, East of the Sun, West of the Moon, la société ne parvient pas à obtenir des contrats approuvés par le syndicat et le financement du film échoue. Le film n’a jamais été réalisé et cette incarnation de Bluth Productions cessera d’exister.

“Nous gagnerons le droit de rester en affaires. Si nous ne le faisons pas correctement, alors nous ne pourrons pas prétendre au droit de rester en activité. Si LE SECRET DE NIMH réussit, il y aura un autre film. Mais même si nous échouons, cela ne nous empêchera pas de réessayer ou d’aimer ce que nous faisons. L’animation est une belle forme d’art qui est en danger de disparition… Chaque fois que quelqu’un produit un long métrage d’animation qui échoue, c’est toute l’industrie de l’animation qui meurt un peu plus.”

Une queue américaine, la valeur Spielberg

Après quelques années à essayer de maintenir leur studio d’animation à flot, se ramifiant dans les publicités et les jeux vidéo, les coûts croissants de l’animation pour un studio nouvellement créé se sont avérés trop coûteux pour financer des longs métrages supplémentaires, malgré le succès modéré de leur unité de jeux vidéo. Dans un premier temps, Bluth s’est associé à l’homme d’affaires Morris Sullivan, qui a commencé à chercher des moyens de faire de la nouvelle entreprise, Sullivan Bluth Studios, une société rentable.

Entrez Steven Spielberg. Le réalisateur avait été présenté à Don par l’intermédiaire de Jerry Goldsmith, le compositeur de N.I.M.H. Ayant été un fan de Disney et impressionné par le film que Don avait réalisé après avoir quitté le studio, Spielberg promit de garder l’œil ouvert pour une propriété sur laquelle les deux pourraient travailler ensemble, c’est alors qu’un projet de David Kirschner, sur une famille de souris immigrant aux États-Unis pendant la construction de la Statue de la Liberté, vit le jour. Cependant, une fois de plus, ils allaient devoir défier les probabilités avec An American Tail, car le budget du film était d’environ 6,5 millions de dollars, sans compter que l’argent des bénéfices ne viendrait que si le film faisait plus de 100 millions de dollars. À l’époque, le film d’animation le plus rentable était The Rescuers de Disney, avec seulement 40 millions de dollars. En conséquence, le studio ne pouvait plus être membre du syndicat, car les tarifs syndicaux étaient trop élevés pour être payés tout en produisant le film avec le budget limité.

Contrairement à N.I.M.H, Tail a ouvert dans plus de 1200 salles, avec des liens marketing importants de Sears et McDonalds. Les critiques étaient mitigées, de nombreux critiques louant l’animation mais exprimant leur déception quant à l’histoire et au développement des personnages. Malgré tout, le film a ouvert avec 5,2 millions de dollars, avec un deuxième week-end de 7,4 millions de dollars ; après 18 semaines, le film a rapporté 44,6 millions de dollars, établissant à l’époque un nouveau record pour le film d’animation le plus rentable. Avec le box-office à l’étranger inclus, le film a gagné un peu plus de 84 millions de dollars.

Pour autant, avec le partenariat de Spielberg, l’équipe de Bluth est passée d’un studio de production d’animation indépendant à une centrale d’animation grâce à Amblin et Universal, et en partie grâce au gouvernement irlandais.

Gérer l’économie de l’animation

Avec la grève et les négociations syndicales, et les coûts toujours croissants de l’embauche du personnel nécessaire à la production de longs métrages d’animation, l’entreprise Bluth a trouvé une nouvelle voie pour contenir les coûts et stimuler une nouvelle génération d’animateurs. Comme beaucoup de productions cinématographiques de nos jours, l’entreprise Sullivan Bluth s’est installée en Irlande pour bénéficier d’avantages fiscaux. Le déménagement en Irlande a en fait eu lieu au beau milieu de la production d’An American Tail. Grâce à la plus importante subvention de l’histoire du pays et à une participation de 5 % du gouvernement dans le studio, ainsi qu’à des subventions de formation de 13 000 dollars par personne, la société a ouvert ses portes près de Dublin avec un effectif de 85 personnes, qui s’occupaient principalement de procédés d’encre et de peinture. Par la suite, l’effectif est passé à plus de 300 personnes (dont plus de 90 % d’Irlandais) pour couvrir l’ensemble du processus de production. Maintenant que le studio est relocalisé et que les problèmes de contrat sont derrière eux, la production a commencé sur le deuxième long métrage du studio, The Land Before Time (1988).

Time serait la dernière production sur laquelle Sullivan Bluth s’est associé à Steven Spielberg. Le film a eu une production quelque peu troublée, commençant en fait avant Tail avec un concept de Spielberg. Cependant, le film n’a guère évolué au-delà du concept avant le succès de Tail. Même après cela, au cours de la production du film, il y a eu pas mal de pressions entre le studio, les financiers et le distributeur, car Bluth & Co. penchait pour un film plus sombre et les autres poussaient pour une version plus agréable, moins intense. Le film est sorti avec des critiques généralement polies, mais l’histoire et les personnages ont été critiqués encore plus minutieusement que Tail. Comme le dit John Pomeroy, l’un des co-animateurs/producteurs de Bluth :

“Il n’a jamais répondu à toutes mes attentes, tout simplement parce que c’était une occasion parfaite de vraiment mettre en valeur cinq personnalités perturbées essayant de travailler vers un objectif mutuel. C’étaient des personnages riches, mais ils n’ont jamais vraiment eu l’occasion de projeter cette richesse.

Mais cela n’a pas empêché les enfants de s’approprier le film avec toute la ferveur des enfants spectateurs, y compris de multiples visionnages du film en une seule journée, la mémorisation des dialogues et le désir de produits dérivés pour le marketing. Le film a ouvert en première position dans près de 1400 cinémas, avec une recette de 7,5 millions de dollars, devenant ainsi le week-end d’ouverture le plus rentable pour un film d’animation. Le box-office final a dépassé de peu celui de Tail avec plus de 46 millions de dollars, et a égalé le chiffre d’affaires mondial avec 84 millions de dollars. Sullivan Bluth s’associera ensuite à Goldcrest International pour un contrat de trois films donnant à Don & Co. une autonomie totale

Tous les chiens vont au paradis

Pour déterminer leur prochain projet, la société s’est inspirée du fait que les trois premiers films d’animation de l’époque avaient pour thème les chiens : The Fox and the Hound (1981), 101 Dalmations (1961) et Lady and the Tramp (1955) de Disney. Le projet a été scénarisé et s’est déroulé à la Nouvelle-Orléans, le cadre ajoutant à l’atmosphère du film, comme le dit Goldman, “avec des connotations de Mardi Gras, de musique de jazz, du Mississippi et un sentiment de mondanité qui contrastait joliment avec le thème spirituel du film.” Le film visait à correspondre au style des chansons populaires de Tail et a donc fait appel à Charles Strouse (Bye Bye Birdie, Annie) comme compositeur ; la partition a été écrite par Ralph Burns (All That Jazz, Cabaret et A Chorus Line). De plus, au grand dam de Don, Dogs était le premier de leurs films à utiliser l’animation par ordinateur pour aider aux plans de perspective délicats, comme la voiture qui descend la jetée vers Charlie et la grue mécanique dans la casse.

Avant la sortie du film, il avait été prévendu dans presque tous les marchés étrangers pour 7 millions de dollars (environ la moitié du budget) et serait distribué au niveau national par United Artists. Le film est sorti le 17 novembre 1989, en tête à tête avec La Petite Sirène de Disney, le film qui allait marquer le début de la renaissance de Disney. Dogs a été salué par la critique, surtout en comparaison avec La Petite Sirène. Le film a rapporté un peu plus de 27 millions de dollars, loin des 90 millions de dollars de La Petite Sirène. Comme les films de Bluth qui l’ont précédé, cependant, Dogs a été un succès en vidéo domestique, restant à la première place pendant plusieurs semaines et générant des revenus initiaux de près de 75 millions de dollars pour plus de 3 millions de copies.

Avec le soutien de Goldcrest, la société Sullivan Bluth allait créer Rock-A-Doodle (1991) et Thumbelina (1994) dans le cadre de son accord pour trois films. Pendant ce temps, les films précédents de Bluth ont fait l’objet d’une licence pour d’interminables pré et suites directes en vidéo auxquelles la société actuelle n’a pas participé, ce qui a certainement sapé la crédibilité de leurs produits. Ils ont été réalisés à bas prix, avec une animation limitée. En ce qui concerne la marque Bluth, le triomphe de l’animation traditionnelle a été gâché par le triomphe des licences et des franchises d’entreprise.

La Renaissance Disney &la montée de Pixar

Avec La Petite Sirène, Disney a marqué un tournant dans sa viabilité commerciale et a indiqué que la qualité et l’amour de l’animation et de l’histoire étaient redevenus un centre d’intérêt en interne. Alors que la sortie suivante, The Rescuers Down Under (1990) a connu des difficultés au box-office, 1991 a vu la sortie de La Belle et la Bête, le premier film d’animation nommé pour le meilleur film. Aladdin (1992) a suivi et a établi la nouvelle norme en matière d’animation : la voix d’un acteur célèbre. Deux ans plus tard, c’est au tour du Roi Lion de placer la barre plus haut pour les films d’animation. Cependant, après le Roi Lion, les films d’animation de Disney commencent à s’essouffler et à manquer d’inspiration. De nombreux films sortis après le Roi Lion ne sont que des reprises de formules, s’appuyant sur des chansons, des acolytes et des gags de la culture pop, ce qui a donné naissance au terme de “disneyfication”. Avec la concurrence d’autres studios (DreamWorks et BlueSky Studios de la Fox), les salaires des animateurs sont en hausse, les coûts de marketing augmentent et les revenus et la qualité de Disney sont en déclin. La renaissance éphémère était terminée presque aussi vite qu’elle avait commencé.

En 1995, le monde de l’animation a connu son défi le plus dramatique à ce jour, avec la distribution par Disney du film Pixar, Une histoire de jouets, qui allait changer à jamais la nature du long métrage d’animation. En 2003, Disney a transformé ses studios Walt Disney Feature Animation en un studio CGI, licenciant la majorité du personnel d’animation traditionnelle et vendant le matériel. Leur studio de Paris a également été fermé, et celui d’Orlando a été fermé l’année suivante, uniquement pour être transformé en attraction.

Avec l’essor de Pixar, il semble que le coup de grâce ait été porté à l’animation traditionnelle. Grâce à l’animation CGI, Pixar avait même pris le manteau de l’innovation et des effets, s’attaquant à des choses comme la fourrure, l’eau et les corps humains, comme Bluth Productions s’était autrefois attaqué au rotoscoping, à l’animation en contre-jour et aux palettes de couleurs complètes. L’innovation était bien vivante et profitait au public, mais au détriment de l’animation traditionnelle dessinée à la main. Les films de Pixar ont obtenu les mêmes résultats au box-office et la même reconnaissance critique que les films de la renaissance de Disney, ce qui a finalement conduit à l’achat par Disney des studios Pixar pour la somme astronomique de 7,4 milliards de dollars en 2006. Dans le cadre de ce rachat, le directeur de Pixar, John Lasseter (un animateur de Disney dont le nom remonte au film Le Renard et le Chien et qui y a travaillé à la suite de la défection de Don Bluth) a été promu pour superviser l’ensemble de l’animation. Bien que Lasseter conserve manifestement un amour et une appréciation profonds pour l’animation traditionnelle, promettant même de la faire revivre au sein du studio, les années qui ont suivi l’intégration de la culture Pixar au sein de Disney ont produit peu de longs métrages d’animation traditionnels, et aucun de qualité notable (Home on the Range, 2004, et La Princesse et la Grenouille, 2009). Le fait est que, même si chaque image reste un travail d’amour pour les animateurs, l’animation CGI nécessite moins de personnel et est finalement moins chère à produire. Pour l’équipe de Pixar, la liberté de la tridimensionnalité et de la technologie est simplement une évolution du médium.

Pour autant, l’héritage de Don Bluth et des transfuges de Disney persiste à bien des égards, même dans la culture de production dominée par les CGI d’aujourd’hui ; à savoir, produire une animation qui soit la meilleure possible, tant au niveau de l’histoire et des personnages que de la production technique. Les studios font continuellement des progrès en matière d’innovation qui repoussent les limites de la créativité et de la qualité de l’animation, même si tout se fait sur ordinateur. Mais l’influence des films de Bluth, qui ont atteint leur nadir alors que Disney touchait le fond, persiste encore aujourd’hui. Il y a toujours quelque chose de magique dans l’esprit anti-Disney, la qualité de l’animation et les merveilleuses histoires racontées dans des films comme Le secret de N.I.M.H, Une queue américaine, Le pays avant le temps et Tous les chiens vont au paradis.

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