By: Lauren Henry
A musicalek az amerikai drámai művészet kvintesszenciája, amely a szóbeli párbeszédet zenével, énekkel és tánccal kombinálja. Sokak számára a zenés színház menekülést jelent a valóság elől, egy fantasztikus utazást az éneklő és táncoló macskák és a repülő esernyőn utazó varázslatos dadusok világába.
Mindemellett a musicalek a történelmet is igyekeztek életre kelteni a színpadon, a kreatív szabadság különböző fokozataival. Íme az Origins tíz legjobb musicalje, amelyek a színházat alakító valós személyeken és eseményeken alapulnak.
1. Evangeline, avagy Akadia szépsége (1874)
A zenés színház, ahogyan ma ismerjük, a XIX. század végén alakult ki az Egyesült Államokban és az Egyesült Királyságban különböző előzményekből: music hallokból, minstrel show-kból és vaudeville-ből, valamint operákból és operettekből. A műfaj korai előfutáraiban, amelyeket gyakran burleszknek vagy extravaganciának neveztek, a cselekmény utólagos gondolatként szolgált, pusztán eszközként, hogy a közönség szórakoztatására zenei számok sorát fűzzék egymás után. Az elbeszélés háttérbe szorult a látványosság mögött.
Bár ezek a proto-musicalek ritkán foglalkoztak tényleges történelmi témákkal, némelyikük a folklórból ismert történelmi szereplőket dolgozott fel. Az egyik leghíresebb az Evangeline, vagy The Belle of Acadia volt, és Henry Wadsworth Longfellow epikus költeményén alapult, amely egy akadiai lányról szólt, aki a szerelmét keresi, miután a francia akadiaiak brit Kanadából való erőszakos kitelepítése során elválasztották őket.
“In Love With the Man in the Moon”, az Evangeline, or The Belle of Acadia című darabból.
A zeneszerző Edward E. Rice és a librettista J. Cheever Goodwin megtartották a szerelmesek csillagkeresztjét, de a tragédiát látványossággal helyettesítették, Evangeline-t és Gabrielt az amerikai nyugattól Afrikáig mindenhová elküldték, és a biztonság kedvéért egy táncoló tehenet is beiktattak. Úgy tűnik, a közönséget nem zavarta a hangvételbeli eltérés – az Evangeline rendkívül népszerű volt, és a következő évtizedekben rendszeresen játszották országszerte.
2. A király és én (1951) / A muzsika hangja (1959)
Egy promóciós kép A király és én 1951-es Broadway-produkciójából (balra); Egy promóciós kép A muzsika hangja 1959-es Broadway-produkciójából (jobbra).
A következő évtizedekben a zenés színház fokozatosan alakult át a ma ismert formává: a beszélt párbeszédek dalokkal váltakoznak, amelyek a karakterek motivációinak feltárására, a kulcsfontosságú témák kiemelésére és a cselekmény előrehaladására szolgálnak. De csak az 1940-es évek elején kezdődött a musicalek aranykora, amely nagyrészt Richard Rodgers zeneszerző és Oscar Hammerstein II. szövegíró együttműködésének köszönhető. Rodgers és Hammerstein együtt alkották meg minden idők legikonikusabb musicaljeit.
Míg Rodgers és Hammerstein számos musicalje a történelmi múltban játszódott, csak két musicaljük alapjául szolgáltak valós személyek. A The King and I egy angol nevelőnő történetét meséli el a sziámi király (a mai Thaiföld) gyermekeinek. A duó utolsó közös munkája, A muzsika hangja (The Sound of Music) mindössze kilenc hónappal Hammerstein halála előtt került bemutatásra a Broadwayn, hasonló cselekménnyel: egy fiatal, fékezhetetlen nevelőnő, akinek feladata hét zabolátlan gyermek gondozása, beleszeret özvegy apjukba, Ausztria náci német annektálásának előestéjén.
“Shall We Dance”, A király és én 1956-os filmadaptációjából.
Mindkét esetben a történetek puszta alapjai igazak voltak, Rodgers és Hammerstein azonban szabadon szépítette őket. Míg például a valós Anna Leonowens valóban tanította Mongkut király gyermekeit 1860 és 1867 között, addig a kettejük közötti románc felvetése az Anna and the King of Siam című 1944-es regényből származik, amelyet Rodgers és Hammerstein a musical forrásaként használt. És bár A muzsika hangja azzal végződik, hogy Maria, von Trapp kapitány és a gyerekek hősiesen gyalogosan Svájcba indulnak, hogy elkerüljék a kapitányt a német haditengerészethez való közelgő bevonulását, egy gyors pillantás a térképre elárulja, hogy Salzburgból…. “minden hegyet megmászva” Németországban kötnénk ki. (Valójában vonattal mentek.)
3. Fiorello! (1959)
New York polgármestere, Fiorello H. LaGuardia 1940-ben rádióműsorában a New York-iakhoz beszél (balra); egy 1936-1938 körüli New York City Housing Authority plakát LaGuardia polgármester nevével (jobbra)
A Rodgers és Hammersteinnel ellentétben az 1959-es Pulitzer-díjas Fiorello! című musical alkotói csapata sokkal korlátozottabban élhetett a kreatív szabadsággal. Nemcsak a helyszín – New York City a 20. század elején – volt ismerős a Broadway közönségének oly módon, mint Salzburg vagy Sziám, de a címszereplő, New York polgármestere, Fiorello H. LaGuardia a város történetének egyik leghíresebb közéleti személyisége volt.
A Fiorello! Jerome Weidman és George Abbott drámaírók, Sheldon Harnick szövegíró és Jerry Bock zeneszerző LaGuardia polgármesterré válása előtti életére koncentrálnak: a sztrájkoló ruhaipari munkásokat képviselő ügyvédként végzett korai munkájától és az első világháborús katonai szolgálatán át a kongresszusi mandátumáig és első, sikertelen polgármesterjelöltségéig.
A “Kis Virág” néven ismert LaGuardia három cikluson át, 1934 és 1945 között volt hivatalban, és a mai napig New York város történetének egyik legnépszerűbb polgármestere. A New Deal-t támogató progresszív republikánus La Guardia úgy alakította át a várost, ahogyan azt kevés polgármester tette előtte (vagy tette azóta). Hivatali ideje alatt szembeszállt a hírhedt New York-i Tammany Hall politikai gépezet megrögzött hatalmával, felügyelte a New York City Housing Authority létrehozását, hogy új, megfizethető lakásokat hozzon létre, és jelentősen bővítette a város infrastruktúráját új utakkal, parkokkal és repülőterekkel.
“Politics and Poker”, a Fiorello!
A Fiorello! érdeklődése a kisstílűnek mondható helyi politika iránt tükrözi New York City központi szerepét a zenés színházban. Több mint százötven éve a “Broadway” egyet jelent a hivatásos színházzal, és musicalek tucatjai játszódtak a városban. Valójában maga LaGuardia segített megszilárdítani a New York és a színház közötti kapcsolatot, amikor 1936-ban az ő kormányzása alapított egy állami iskolát a jövő színészeinek, művészeinek és zenészeinek képzésére – ma a Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts.
4. 1776 (1969)
“A függetlenségi nyilatkozat, 1776. július 4.”, John Trumbull.
Az 1969-ben Amerikát megosztó politikai és kulturális széthúzás miatt annál megdöbbentőbb, hogy az 1776 mindenféle meggyőződésű közönség körében sikert aratott. Sherman Edwards és Peter Stone felkavaró drámája a Függetlenségi Nyilatkozat aláírásáról mégis igazi szenzáció volt, 1217 Broadway-előadást tartott, és 1972-ben filmadaptációt indított el.
1776 az alapító atyákat összetett, hibás embereknek mutatja be, akiknek személyisége majdnem olyan gyakran ütközött egymással, mint az eszméik. John Adams, a zseniális, elvhű és “ellenszenves és ellenszenves” egyformán, szónokol, hízeleg és rábeszéli küldött társait, hogy támogassák az amerikai függetlenséget. Segítségére van a ravasz, joviális Benjamin Franklin és a tehetséges, de szerelmes Thomas Jefferson. A drámai realizmus műveként bemutatott 1776, amelynek számos sora közvetlenül a szereplők valós írásaiból származik, a republikánusok és a demokraták számára egyaránt vonzó volt, és mindkét oldal a sajátjává tette a musical üzenetét.
“Cool, Cool, Considerate Men”, az 1972-es 1776-os filmadaptáció filmzenéjéből. Bár a dalt felvették és leforgatták, kivágták a filmből, miután Nixon elnök kifogásolta a konzervatívok ábrázolását.
De még az 1776 sem úszta meg teljesen sértetlenül a korszak pártos politikáját. Amikor Richard Nixon elnök 1970-ben meghívta a színészeket, hogy George Washington születésnapja tiszteletére adják elő a darabot a Fehér Házban, a hivatala azt kérte, hogy a darab három nyíltan politikai számából vegyék ki a darabot: “Cool, Cool, Considerate Men”, egy szatirikus menüett, amelyet az alkotmányozó kongresszus konzervatív tagjai adtak elő; “Molasses to Rum to Slaves”, az északiak képmutatásának kritikája a rabszolgasággal kapcsolatban John Rutledge dél-karolinai képviselőtől; és a “Momma, Look Sharp”, amely a lexingtoni csatát írja le egy haldokló katona szemszögéből.
A szereplők és a producerek ellenálltak, ragaszkodtak ahhoz, hogy vagy teljes egészében előadják a műsort, vagy egyáltalán nem, és végül a Fehér Ház meghátrált. Két évvel később azonban Nixon sikeresen lobbizott a film producerénél, egy prominens republikánusnál, hogy a “Cool, Cool, Considerate Men”-t vegyék ki a filmváltozatból.
5. Evita (1979)
A valódi Eva Perón, amint 1951-ben beszédet mond.
Az 1952-ben bekövetkezett korai halála óta Eva Perónt, Argentína egykori first ladyjét a képregényektől kezdve egy egész városrész profilját megformázva ábrázolják. Egyiknek sem volt azonban akkora hatása, mint Andrew Lloyd Webber zeneszerző és Tim Rice szövegíró Evita című musicaljének, amely az egy évvel korábbi West End-bemutató után 1979-ben debütált a Broadwayn.
A cselekmény nyomon követi Evita felemelkedését a szegénységből Buenos Aires ünnepelt színésznőjévé, ahol találkozik és később feleségül megy a későbbi elnökhöz, Juan Perónhoz. Evita rendkívül népszerű volt a szegények körében, akik a férje kormányának legfőbb szószólóját látták benne. A musical a Juan Perón utódját (és harmadik feleségét), Isabelt megbuktató jobboldali puccsot követően íródott, és gyakran vádolták azzal, hogy a nép hangját képviselő, kitalált ember, Che figuráján keresztül Perón-ellenes programot képvisel. Az idő múlása és a “Don’t Cry For Me, Argentina” örökös népszerűsége azonban tompította az Evita ambícióit és extravaganciáját élesen bíráló Che hatását.
“Don’t Cry For Me Argentina”, az Evita 1996-os filmadaptációjából.
Míg az Evita politikáját továbbra is nehéz megítélni, helye a zenés színház történetében egyértelmű. Az első brit musical, amely elnyerte a legjobb musicalnek járó Tony-díjat, és egy új transzatlanti korszak kezdetét jelezte a Broadwayn, számos sikeres West End-produkció importjával. Ezeknek a “megamusicaleknek” a grandiózus terjedelme gyakran bonyolult történelmi díszletekhez kapcsolódott: Weber Az operaház fantomjától (Belle Epoque Párizs) a Miss Saigonig (1970-es évek Dél-Vietnam) és a Les Misérables-ig (1830-as évek Párizs), és egyre bonyolultabb technikai effekteket igényelt.
6. Merénylők (1990)
Az amerikai történelem négy sikeres elnökgyilkosa közül három: John Wilkes Booth, aki meggyilkolta Abraham Lincoln elnököt (balra); Charles Guiteau, aki megölte James Garfield elnököt (középen); és Leon Czolgosz, aki megölte William McKinley-t (jobbra).
Míg Andrew Lloyd Webber és megamusical-impresszárió társai egyre bonyolultabb látványosságokban keltették életre a történelmet a színpadon, Stephen Sondheim egészen más megközelítést követett. A Merénylők című 1990-es Off-Broadway show-ja elutasítja a lineáris narratívát vagy a hagyományos cselekményszerkezetet annak a kilenc férfinak és nőnek az ábrázolásában, akik megpróbáltak megölni egy amerikai elnököt (akik közül négynek sikerült).
Ehelyett a musical egy hátborzongató karneváli játék formáját ölti, ahol a vegyes szereplőgárda minden egyes szereplője a középpontba kerül, hogy elmagyarázza szörnyű tetteinek motivációit: John Wilkes Booth, aki meggyilkolta Abraham Lincoln elnököt; Charles Guiteau, aki meggyilkolta James A. Garfieldet; Leon Czolgosz, aki megölte William McKinley-t; Giuseppe Zangara, aki rálőtt a megválasztott Franklin D. Rooseveltre; Lee Harvey Oswaldra, aki megölte John F. Kennedyt; Samuel Byckra, aki megpróbálta megölni Richard M. Nixont; Lynette (Squeaky) Fromme-ra és Sara Jane Moore-ra, akik mindketten megpróbálták megölni Gerald Fordot, és John Hinckley-re, aki lelőtte Ronald Reagant.
“Everybody’s Got the Right to be Happy”, amelyet a 2004-es Tony-díjátadón a Merénylők Broadway-felújított szereposztása adott elő.
A Merénylők szokatlan témája a musicalalkotók növekvő hajlandóságát tükrözte, hogy olyan nehéz, felkavaró témákkal foglalkozzanak, amelyek általában a nem zenés drámák birodalmába tartoznak. A történelmi témák lehetővé tették az alkotók számára, hogy új zenei stílusokkal kísérletezzenek, mint például a The Capeman, Paul Simon és az irodalmi Nobel-díjas Derek Walcott 1998-as doo wop musicalje egy 1959-es Puerto Ricó-i bandagyilkosságról, vagy a The Scottsboro Boys, a 2010-es musical kilenc afroamerikairól, akiket hamisan vádoltak meg két fehér nő megerőszakolásával, és amelyet egy modern minstrel show-hoz hasonlítottak.
7. Elisabeth (1992)
El Elisabeth osztrák császárnőről készült 1865-ös portré, amelyen két ikonikus vonása látható: csillogó barna haja és keskeny, szorosan fűzős dereka.
A zenés színház messze túlterjedt az Egyesült Államokon és az Egyesült Királyságon. Ma már nemcsak a nemzetközi turnék jelentik a Broadway és a West End előadásainak fő bevételi forrását, hanem világszerte eredeti musicaleket is készítenek. Az Elisabeth, minden idők legnépszerűbb német nyelvű musicalje eredetileg Bécsben készült, de hét nyelvre fordították le, és nézők millióinak adták elő.
Az Elisabeth Erzsébet osztrák császárné, Ferenc József császár feleségének történetét meséli el. A gyönyörű és zaklatott Erzsébet nehezen viselte uralkodói közfeladatait. A legtöbb történelmi megfigyelő egyetért abban, hogy valószínűleg depresszióban és súlyos étkezési zavarban szenvedett.
Mélységesen boldogtalan élete ellenére (vagy talán éppen azért) “Sisi” (hogy gyermekkori becenevét használjam) hatalmas kulturális vállalkozás tárgya. Az Elisabeth musical számtalan regény, egy rendkívül népszerű osztrák filmtrilógia és egy egész háziiparnyi szuvenír Bécs-szerte csatlakozik. Michael Kunze librettista és Sylvester Levay zeneszerző Elisabeth című műve egy melodráma, amely nyíltan vállalja a Sisi iránti morbid rajongásunkat.
“Elisabeth, nyisd ki angyalom”, az Elisabeth 2002-es előadásából, angol felirattal.
Az Elisabeth központi románca valójában egy szerelmi háromszög: Elisabeth, a férje és maga a halál között, egy jóképű fiatalember formájában. Az Elisabeth életét meghatározó tragédiák – egyik lányának gyermekkori elvesztése, valamint egyetlen fiának halála, akinek a szeretőjével kötött öngyilkossági paktuma nyilvánvalóan öngyilkosság volt – a Halál évtizedeken át tartó csábításának részévé válnak. Az előadás Elisabeth valódi életéhez hasonlóan azzal ér véget, hogy egy olasz anarchista meggyilkolja őt…., és a Halál szerelmesként öleli magához Elisabethet.
8. Leonardo the Musical: A szerelem portréja (1993)
Leonardo da Vinci “Mona Lisa”-ja (balra); Egy légi felvétel a csendes-óceáni Nauru államról (jobbra).
Néha egy zenés produkció története háttérbe szorítja a színpadon megelevenedő történetet. Minden bizonnyal ez volt a helyzet a Leonardo the Musical esetében: A Portrait of Love, Leonardo Da Vinci életének erősen kitalált elbeszélése, amely a Mona Lisát a nagy reneszánsz művész és polihisztor és a festmény alanya közötti szenvedélyes szerelmi viszony termékeként képzelte el. A kritikusok és a közönség által egyaránt elítélt előadás 1993-ban, mindössze néhány hét után bezárt a londoni West Enden, és nem sok nyomot hagyott a brit színpadon.
Mégis maradandó hatást gyakorolt mintegy kilencezer mérfölddel arrébb, a csendes-óceáni Nauru aprócska szigetén. Évtizedeken át Nauru legnagyobb iparága a foszfátbányászat volt, először német és ausztrál gyarmati uralkodói alatt, majd független nemzetként. Bár a foszfátbányászat fenomenális gazdagságot termelt, súlyos környezeti károkat okozott a szigetnek, és ahogy a bányák kezdtek kifogyni, a kormányzati tisztviselők egyre furcsább tervekhez folyamodtak, hogy diverzifikálják a sziget portfólióját.
“Let me Be a Part of Your Life”, a Leonardo the Musicalből: A Portrait of Love.
Leonardo the Musical Duke Minks ötlete volt, egy 1960-as évekbeli brit popzenekar egykori roadie-ja, aki Nauru egyik pénzügyi tanácsadójaként találta fel magát. A naurui kormány 4 millió dollárt fektetett be a Leonardo the Musical produkciójába, és az egészet elvesztette. Ma Nauru szinte teljesen a külföldi segélyektől függ, és a sziget nagy része lakhatatlan a foszfátbányászat miatt.
9. Bloody Bloody Andrew Jackson (2010) / Hamilton (2015)
Alexander Hamilton (balra); Andrew Jackson (jobbra), mindkettőjüket egészen másképp ábrázolják a nevüket viselő legújabb musicalekben.
A Hamilton című kasszasiker-musicalben az alkotó Lin-Manuel Miranda az alapító atyát és a Federalist Papers szerzőjét, Alexander Hamiltont bevándorló rétornak, “egy kurva és egy skót fattyának, árva fiának” ábrázolta, akinek a nagyságra való éhsége mély hatást gyakorolt az Egyesült Államokra, mielőtt 1804-ben Aaron Burrrel vívott párbajban meghalt. A szinte teljes egészében színes bőrű színészekből álló szereposztással és a hagyományos show-dallamok mellett hip-hop és R&B zenét is tartalmazó zenével a Hamilton az Obama-korszak kulturális produkciójának kvintesszenciájának tűnt – különösen annak fényében, hogy Miranda először a 2009-es White House Poetry Jam-en adott elő egy részletet a darabból.
Míg a Hamilton az Obama-politikai projekt fiatalos optimizmusát és sokszínűségét testesíti meg, addig a 2010-es Bloody Bloody Andrew Jackson az elmúlt évtizedben világszerte fellendülő nativista populizmus zenei soundtrackjét adja. Alex Timbers könyvével, valamint Michael Friedman zenéjével és dalszövegeivel a Bloody Bloody Andrew Jackson tiszteletlen beszámoló Amerika hetedik elnökének, egy pimasz kívülállónak a felemelkedéséről, aki “az ország visszavételének” és “az elit elleni kiállás” ígéretével felforgatta a korabeli politikai berendezkedést.”
“Populizmus, igen, igen!” a Bloody Bloody Andrew Jackson eredeti Broadway szereposztásából.
Noha a show Jacksont vibráló, karizmatikus rocksztárként ábrázolja, messze nem egy hagiográfia, és nem zárkózik el Jackson életútjának ellentmondásosabb aspektusaitól sem. Sőt, azáltal, hogy Jackson meggyőző figurává válik, a műsor rávilágít arra a nyugtalanító tényre, hogy a legtöbb fehér amerikai bűnrészes volt (vagy legalábbis nagyjából helyeselte) a Jackson-kormányzat által az őslakos amerikaiak kiűzésében.
10. Newsies (2012)
Fiatal gyerekek szedik az újságokat, hogy eladják őket New York utcáin 1910-ben.
A Broadway hagyományosan termékeny forrásként szolgált a filmvászonra átültethető musicalek számára. Bár nagy költségvetésű filmadaptációk még mindig előfordulnak, a filmmusicalek hanyatlása egybeesett a filmekből adaptált színházi produkciók számának növekedésével.
A Newsies egy ilyen Hollywood-Broadway hibrid. Az 1899-ben jobb fizetésért sztrájkoló gyermek újságárusok lelkesítő, valós története 1992-ben Christian Bale főszereplésével élőszereplős filmként látott napvilágot. A kasszasikert követően a fiatal színházrajongók körében kultuszra tett szert, és két évtizeddel később először került színpadra, ahol Harvey Fierstein drámaíró új történetet írt az Alan Menken és Jack Feldman által írt eredeti zenéhez és szöveghez.
“The World Will Know”, a Newsies 1992-es filmváltozatából.
A Newsies mindkét változatában az újságárusok legtöbb szereplője kitalált, de az ellenfél valódi volt: Joseph Pulitzer, a New York World kiadója, aki fiatal terjesztői árának emelésével igyekezett fenntartani a haszonkulcsot. A kitalált sztrájk Theodore Roosevelt időben történő beavatkozásával ér véget, aki meggyőzi a kiadót, hogy engedjen. A valóságban azonban a hírlapíróknak sikerült olyan engedményeket kicsikarniuk, amelyek növelik az otthoni fizetésüket, mindenféle kényelmes harmadik felvonás deus ex machina nélkül. Egy olyan korban, amikor a fiatalok aktivizmusa olyan kérdésekben, mint a fegyvertartás és az éghajlatváltozás, elárulja, hogy nem hajlandóak megvárni, amíg az idősebb generációk felzárkóznak, a Newsies fiatal hőseinek radikális spontaneitása aktuálisabbnak tűnik, mint valaha.
–Posted June 9, 2019