Novembre 15, 2013

Quando Don Bluth e Gary Goldman lasciarono la Disney nel 1979 per formare il loro studio di animazione, l’obiettivo era semplice, “riportare l’animazione a qualcosa di meglio di quello che era” e sostenere i valori dell’età dell’oro dell’animazione, che credevano stesse morendo sotto il regime operativo della Disney negli anni ’70. La qualità stabilita sotto il regno di Walt stava cominciando a fermarsi; con l’aumento dei costi di produzione dell’animazione, lo studio rispose tagliando la forza lavoro e concentrandosi su tecniche che richiedevano meno lavoro. Questo preparò il terreno per Don e Gary, e altri quattordici animatori, per lasciare la Disney e formare il proprio studio che avrebbe prodotto opere formidabili nella storia dell’animazione come The Secret of N.I.M.H (1982) e An American Tail (1986).

La collaborazione tra Don e Gary iniziò alla Walt Disney Productions quando i due si incontrarono per la prima volta nel 1972. Gary era un neolaureato della scuola d’arte e faceva parte del programma di formazione per l’animazione alla Disney. Nel frattempo, Don aveva molti anni di esperienza nello studio, avendo lavorato nel 1955 direttamente dopo la scuola superiore come inbetweener (l’artista che disegna i fotogrammi tra i keyframes di un animatore principale, creando un’evoluzione fluida per i movimenti/posizioni) su La bella addormentata (1959). Anche se Don andò al college e in Argentina per la sua missione (come parte della sua fede mormone) passò le sue estati a lavorare alla Disney fino al 1962. Tornò alla Disney come animatore a tempo pieno nel 1971. Dopo la presentazione di Don e Gary, i due iniziarono a lavorare insieme non solo alla Disney, ma anche nel loro tempo libero, creando un cortometraggio animato nel garage di Don.

Le proprietà di animazione della Disney erano state in un lento declino dopo La bella addormentata. L’anno prima della sua uscita lo studio aveva ridimensionato il suo staff da 500 a 125 persone, la dimensione ridotta dello staff continuò fino alla metà degli anni ’70. Dal ’70 al ’77 Disney assunse solo 21 persone. Con pochi animatori originali rimasti, spesso chiamati “Nine Old Men”, la compagnia estese il suo programma di formazione con quello che divenne noto come il California Institute of the Arts (Cal Arts). Tuttavia, questo ha fatto poco per cambiare la cultura di produzione della società, soprattutto come Disney è diventato ancora più attento ai costi.

Avendo pagato i loro debiti, Don e la sua cricca presto avuto la loro occasione allo studio. Mentre completava The Rescuers (1977), Don fu assegnato a dirigere l’animazione per Pete’s Dragon (1977) e poi come produttore/regista per The Small One (1978), che avrebbe dovuto segnare un punto di svolta, permettendo ai nuovi, più giovani animatori di rinvigorire lo studio, influenzati dalla qualità di produzione e animazione che Walt aveva stabilito molto tempo prima. Tuttavia, quando Don cercò di includere valori di produzione più costosi che ricordavano i primi film Disney (effetti speciali e più colore) gli fu negato. Don, così disincantato con il regime corrente e la sua attenzione sulla riduzione dei costi, chiese di dimettersi da produttore/regista per concentrarsi solo sull’animazione.

Poi, nel 1979, Jim Stewart, un ex dirigente Disney, sentendo che Bluth e Goldman erano infelici alla Disney, contattò i due per vedere se sarebbero stati disposti a lasciare per iniziare la propria azienda, e con quale film avrebbero voluto iniziare. Don ricordò il romanzo giovanile vincitore del Newberry Award, “Mrs. Frisby and the Rats of N.I.M.H.”, un film proposto alla Disney ma rifiutato perché lo studio aveva “già fatto un film sui topi”, ovvero The Rescuers. Don e Gary alla fine informato i loro colleghi animatori del piano e li ha invitati a unirsi a formare un nuovo studio. Complessivamente, quattordici animatori lasciarono la Disney per unirsi a Don e Gary sotto la Don Bluth Productions, con il finanziamento di Jim alla Aurora Productions.

The Secret of N.I.M.H

Aurora Studios acquistò i diritti cinematografici del romanzo “Mrs. Frisby and the Rats of NIMH” e offrì un budget di 5,7 milioni di dollari e una finestra di 30 mesi per produrre il film, meno soldi e meno tempo della maggior parte dei film Disney dell’epoca. Ma, sotto la propria responsabilità, lo studio si prefiggeva di raggiungere l’obiettivo di elevare l’animazione ai suoi livelli precedenti. Questo significava includere molte tecniche di animazione abbandonate in favore della riduzione dei costi.

Guardando The Secret of N.I.M.H, è più che chiaro come molte delle tecniche più vecchie e costose siano state utilizzate nel film: Rotoscoping, in cui gli animatori prendono fotogrammi live-action e tracciano sopra il filmato (la barca nel giro in barca sotterraneo, il sartiame costruito per sollevare la casa di Brisby, e la gabbia per uccelli in cui rimane intrappolata sono stati tutti fotografati live action); Backlit Animation, usando opachi animati girati con luce che brilla attraverso gel colorati per produrre bagliore per ricreare effetti di luce artificiale o fuoco; e Multiple Color Palettes, per riflettere le differenze nei personaggi dovute a diverse situazioni di luce (anche sott’acqua; il personaggio minore Mr. Ages aveva 26 palette da solo). L’esperienza di guardare N.I.M.H. è indiscutibilmente legata all’uso di queste tecniche, per creare atmosfera e tono, con gran parte del film che si svolge sottoterra, e gli elementi fantascientifici/mistici che guidano la storia. Ma realizzare queste tecniche, con un budget più piccolo e tempi più stretti di quelli a cui erano abituati questi animatori, ha richiesto ore e ore di impegno da parte del nuovo studio. Gary ricordava di aver lavorato sette giorni a settimana, con giornate di 12-16 ore, soprattutto negli ultimi mesi di produzione, per non parlare di tutti gli straordinari fatti senza una paga aggiuntiva. Di conseguenza, molti ruoli vocali minori furono riempiti dallo staff interno. Il budget finale del film finì a poco meno di 6,4 milioni di dollari, dato che Don, Gary e alcuni altri produttori ipotecarono le loro case per altri 700.000 dollari per completare il film.

Il film uscì nel weekend del 4 luglio 1982, un anno molto intenso con grandi successi commerciali come E.T., Tron e L’ira di Kahn. A causa sia dell’affollamento del mercato che di una lenta strategia di lancio con un marketing minimo da parte del distributore MGM/UA, che fece aprire il film in soli 88 schermi nel primo weekend, N.I.M.H incassò solo 386.000 dollari nel weekend di apertura. Non ha mai superato i 700 schermi durante la sua corsa, e al 1° agosto aveva incassato solo 7 milioni di dollari; il suo box office a vita è di poco inferiore ai 15 milioni di dollari. Mentre il film ha debuttato senza successo commerciale, è stato ampiamente acclamato dalla critica. E, nel tempo, il film ha avuto successo finanziario attraverso la distribuzione home video (la prima uscita in VHS aveva un prezzo d’acquisto di 79 dollari), così come via cavo, e ha accumulato forza come un film d’animazione di alto livello e un cult preferito.

Purtroppo, gli insuccessi commerciali del primo film dello studio avrebbero messo in dubbio la vitalità della Don Bluth Productions andando avanti. Come se non bastasse, il 1982 vide uno sciopero dei lavoratori tra gli animatori e gli studios, a causa della quantità di lavoro inviato oltreoceano per l’animazione televisiva. Mentre iniziavano la loro seconda produzione, East of the Sun, West of the Moon, la compagnia non fu in grado di assicurare i contratti approvati dal sindacato e il finanziamento del film cadde. Il film non fu mai realizzato e questa incarnazione della Bluth Productions cessò di esistere.

“Ci guadagneremo il diritto di rimanere in affari. Se non lo facciamo bene, allora non possiamo rivendicare il diritto di rimanere in affari. Se THE SECRET OF NIMH avrà successo, ci sarà un altro film. Ma anche se falliamo, questo non ci impedirà di riprovare o di amare ciò che facciamo. L’animazione è una bellissima forma d’arte che rischia di estinguersi… Ogni volta che qualcuno produce un film d’animazione che fallisce, l’intera industria dell’animazione muore un po’ di più.”

An American Tail, the Spielberg value

Dopo un paio d’anni passati a cercare di tenere a galla il loro studio d’animazione, espandendosi nella pubblicità e nei videogiochi, i costi crescenti dell’animazione per uno studio appena nato si rivelarono troppo elevati per finanziare ulteriori film, nonostante il moderato successo della loro unità videogiochi. In un primo momento, Bluth ha collaborato con l’uomo d’affari Morris Sullivan, che ha iniziato a cercare modi per rendere la nuova impresa, Sullivan Bluth Studios, una società redditizia.

Entra Steven Spielberg. Il regista era stato presentato a Don attraverso Jerry Goldsmith, il compositore di N.I.M.H. Essendo stato un fan della Disney e impressionato dal film che Don aveva fatto dopo aver lasciato lo studio, Spielberg promise di tenere gli occhi aperti per una proprietà su cui i due avrebbero potuto lavorare insieme, fu così che nacque un progetto di David Kirschner, su una famiglia di topi che emigrava negli Stati Uniti durante la costruzione della Statua della Libertà. Tuttavia, ancora una volta, avrebbero dovuto sfidare le probabilità con An American Tail, dato che il film aveva un budget di circa 6,5 milioni di dollari, e i soldi dei profitti sarebbero arrivati solo se il film avesse superato i 100 milioni di dollari. All’epoca, il film d’animazione che incassava di più era The Rescuers della Disney, con soli 40 milioni di dollari. Di conseguenza, lo studio non poteva più essere membro del sindacato, dato che le tariffe sindacali erano troppo alte da pagare mentre si produceva il film con un budget limitato.

A differenza di N.I.M.H, Tail aprì in più di 1200 sale, con grandi legami di marketing da Sears e McDonalds. Le recensioni sono state miste, con molti critici che hanno lodato l’animazione ma hanno espresso delusione per la storia e lo sviluppo dei personaggi. Tuttavia, il film ha aperto con 5,2 milioni di dollari, con un secondo fine settimana di 7,4 milioni di dollari; dopo 18 settimane il film ha incassato 44,6 milioni di dollari, stabilendo all’epoca un nuovo record per il miglior incasso dei film d’animazione. Includendo gli incassi all’estero, il film guadagnò poco più di 84 milioni di dollari.

Tuttavia, con la collaborazione di Spielberg, la troupe Bluth passò da studio di produzione d’animazione indipendente a potenza dell’animazione attraverso Amblin e Universal, e in parte grazie al governo irlandese.

Gestire l’economia dell’animazione

Con lo sciopero e le trattative sindacali, e i costi sempre crescenti di assunzione del personale necessario per produrre film d’animazione, l’impresa Bluth trovò una nuova strada per contenere i costi e stimolare un nuovo gruppo di animatori. Come molte produzioni cinematografiche fanno in questi giorni, l’impresa Sullivan Bluth si trasferì in Irlanda per approfittare degli incentivi fiscali. Il trasferimento in Irlanda avvenne in realtà nel bel mezzo della produzione di An American Tail, con la più grande sovvenzione nella storia del paese e un 5% di proprietà del governo dello studio, oltre a 13.000 dollari a persona di sovvenzioni per la formazione, la società ha aperto vicino a Dublino con uno staff di 85 persone, gestendo principalmente processi di inchiostro e pittura. Alla fine, lo staff si espanse fino a oltre 300 persone (di cui oltre il 90% irlandesi) per coprire l’intero processo di produzione. Ora che lo studio si è trasferito e i problemi contrattuali sono alle spalle, la produzione del secondo film dello studio, The Land Before Time (1988).

Time sarebbe stata l’ultima produzione di Sullivan Bluth in collaborazione con Steven Spielberg. Il film ha avuto una produzione un po’ travagliata, iniziando in realtà prima di Tail con un concetto di Spielberg. Tuttavia, il film si è evoluto poco oltre il concetto fino a dopo il successo di Tail. Anche dopo questo punto, durante la produzione del film, c’è stato un po’ di tira e molla tra lo studio, i finanziatori e il distributore, poiché la Bluth & Co. propendeva per un film più scuro e l’altra spingeva per una versione più amabile e meno intensa. Il film uscì con recensioni generalmente cortesi, ma la storia e i personaggi furono criticati ancora più a fondo di Tail. Come dice John Pomeroy, uno dei co-animatori/produttori di Bluth:

“Non è mai stato all’altezza delle mie aspettative, semplicemente perché era un’occasione perfetta per mostrare davvero cinque personalità disturbate che cercavano di lavorare per un obiettivo comune. Erano personaggi ricchi, ma non hanno mai avuto la possibilità di proiettare questa ricchezza.

Ma questo non ha impedito ai bambini di prendere il film con tutto il fervore che hanno gli spettatori bambini, comprese le visioni multiple del film in un solo giorno, la memorizzazione dei dialoghi e il desiderio di prodotti di marketing. Il film ha aperto al primo posto in quasi 1400 sale, con un incasso di 7,5 milioni di dollari, diventando il miglior incasso del weekend di apertura per un film d’animazione. Il box office finale superò di poco Tail con oltre 46 milioni di dollari, ed eguagliò l’incasso mondiale con 84 milioni di dollari. Sullivan Bluth avrebbe continuato a collaborare con la Goldcrest International per un accordo di tre film dando alla Don & Co. totale autonomia

All Dogs Go to Heaven

Nel determinare il loro prossimo progetto, la compagnia fu ispirata dal fatto che i tre migliori film d’animazione dell’epoca erano sui cani: Disney La volpe e il cane (1981), 101 Dalmations (1961) e Lady and the Tramp (1955). Il progetto è stato sceneggiato e ambientato a New Orleans, l’ambientazione ha contribuito all’atmosfera del film, come ha detto Goldman, “con sfumature di Mardi Gras, musica jazz, il Mississippi e una sensazione di mondanità che contrastava bene con il tema spirituale del film”. Il film mirava ad abbinare lo stile delle canzoni popolari di Tail e quindi arruolò Charles Strouse (Bye Bye Birdie, Annie) come compositore; la colonna sonora fu scritta da Ralph Burns (All That Jazz, Cabaret e A Chorus Line). Inoltre, con grande dispiacere di Don, Dogs fu il primo dei loro film ad utilizzare l’animazione computerizzata per aiutare nelle difficili inquadrature prospettiche, come la macchina che corre lungo il molo verso Charlie e la gru meccanica nello sfasciacarrozze.

Prima dell’uscita del film era stato prevenduto in quasi tutti i mercati esteri per 7 milioni di dollari (circa metà del budget) e sarebbe stato distribuito in patria dalla United Artists. Il film uscì il 17 novembre 1989, andando testa a testa con La Sirenetta della Disney, il film che avrebbe segnato l’inizio della rinascita della Disney. Dogs fu stroncato dalla critica, soprattutto in confronto alla Sirenetta. Il film guadagnò poco più di 27 milioni di dollari, ben lontano dai 90 milioni di dollari della Sirenetta. Come i film di Bluth prima di esso, però, Dogs fu un successo in home video, rimanendo al numero uno per diverse settimane e generando un fatturato iniziale di quasi 75 milioni di dollari da oltre 3 milioni di copie.

Con il sostegno di Goldcrest, la società Sullivan Bluth avrebbe continuato a creare Rock-A-Doodle (1991) e Thumbelina (1994) come parte del suo accordo di tre film. Nel frattempo, i precedenti film di Bluth venivano concessi in licenza per un’infinità di prequel e sequel direct-to-video a cui l’attuale compagnia non aveva partecipato, il che certamente minava la credibilità dei loro prodotti. Erano realizzati a basso costo, con un’animazione limitata. Per quanto riguarda il marchio Bluth, il trionfo dell’animazione tradizionale era stato sprecato dal trionfo delle licenze aziendali e del franchising.

Il Rinascimento Disney &l’Ascesa della Pixar

Con La Sirenetta la Disney segnò una svolta nella sua vitalità commerciale e indicò che la qualità e l’amore per l’animazione e la storia erano diventati di nuovo un obiettivo interno. Mentre l’uscita successiva, The Rescuers Down Under (1990) ha faticato al botteghino, il 1991 ha visto l’uscita de La Bella e la Bestia, il primo film d’animazione nominato per il Miglior Film. Aladdin (1992) seguì e stabilì il nuovo standard per l’animazione: il doppiatore famoso. Il Re Leone arrivò due anni dopo e avrebbe nuovamente alzato il livello dei film d’animazione. Tuttavia, dopo Il Re Leone, le proprietà animate della Disney cominciarono a diventare ancora una volta stantie e prive di ispirazione, molti dei film usciti dopo il Leone erano semplicemente dei rimaneggiamenti formulaici, imperniati su canzoni, spalla e gag della cultura pop, per i quali fu coniato il termine Disneyfication. Con la concorrenza di altri studi (DreamWorks e BlueSky Studios della Fox) gli stipendi degli animatori erano in aumento, i costi di marketing stavano aumentando, e le entrate e la qualità della Disney erano entrambi in declino. Nel 1995 il mondo dell’animazione vide la sua sfida più drammatica, con la distribuzione da parte della Disney del film della Pixar, A Toy Story, che avrebbe cambiato per sempre la natura del film d’animazione. Nel 2003 la Disney ha convertito i suoi studi Walt Disney Feature Animation in uno studio CGI, licenziando la maggior parte del personale di animazione tradizionale e vendendo le attrezzature. Anche il loro studio di Parigi è stato chiuso, e quello di Orlando è stato chiuso l’anno successivo, solo per essere trasformato in un’attrazione.

Con l’ascesa della Pixar, sembra che il colpo di grazia sia stato dato all’animazione tradizionale. Attraverso l’animazione CGI, la Pixar aveva anche preso il mantello dell’innovazione e degli effetti, affrontando cose come la pelliccia, l’acqua e i corpi umani, come la Bluth Productions una volta aveva affrontato il rotoscoping, l’animazione retroilluminata e le palette di colori complete. L’innovazione era viva e stava dando risultati per il pubblico, tuttavia, era a scapito della tradizionale animazione disegnata a mano. I film della Pixar hanno ottenuto gli stessi risultati al botteghino e il plauso della critica che hanno avuto i film di rinascita della Disney, portando, infine, all’acquisto da parte della Disney dei Pixar Studios per un enorme 7,4 miliardi di dollari nel 2006. Come parte della Disney, il capo della Pixar John Lasseter (un animatore Disney che risale a La volpe e il mastino e che ha lavorato lì sulla scia della defezione di Don Bluth) è stato promosso per supervisionare tutta l’animazione. Mentre Lasseter mantiene chiaramente un profondo amore e apprezzamento per l’animazione tradizionale, promettendo persino di farla rivivere allo studio, gli anni da quando la cultura della Pixar è stata introdotta nella Disney hanno prodotto pochi film d’animazione tradizionale, e nessuno di notevole qualità (Home on the Range, 2004, e The Princess and the Frog, 2009). Il fatto è che, mentre ogni fotogramma può ancora rimanere un lavoro d’amore per gli animatori, l’animazione CGI richiede meno persone ed è in definitiva più economica da produrre. Per la troupe della Pixar, la libertà della tridimensionalità e della tecnologia è semplicemente un’evoluzione del mezzo.

Ancora, l’eredità di Don Bluth e dei disertori della Disney persiste in molti modi, anche nella cultura di produzione dominata dalla CGI di oggi; cioè, produrre un’animazione che sia la migliore possibile, sia nella storia che nel personaggio, così come nella resa tecnica. Gli studi fanno continuamente passi avanti nell’innovazione che spingono i limiti della creatività e della qualità dell’animazione, anche se è tutto fatto al computer. Ma l’influenza dei film Bluth, che hanno raggiunto il loro nadir mentre la Disney toccava il fondo, persiste ancora oggi. C’è ancora qualcosa di magico nello spirito anti-Disney, nella qualità dell’animazione e nelle meravigliose storie raccontate in film come The Secret of N.I.M.H, An American Tail, The Land Before Time e All Dogs Go to Heaven.

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