Existem personagens reais e fictícios ancorados no nosso inconsciente colectivo. A sua presença recorrente na história da arte ilustra mais do que apenas as nossas fascinações, modas ou preocupações. Estudá-las também proporciona uma compreensão das sociedades passadas e presentes – seus problemas, suas tradições e o contexto histórico.

A Imagem de Cristo

O caráter do foco hoje é uma imagem familiar. A maioria das pessoas, dado um pedaço de papel e um lápis, seria capaz de desenhar as linhas principais que o compõem: suas características, seus atributos, e talvez até seu martírio.

Jesus é frequentemente retratado em todos os seus estados, da vida à morte, sem esquecer a ressurreição. As obras que o representam nos levam a refletir sobre a natureza humana; elas inspiram devoção e meditação. Por vezes a contemplação do seu martírio pode até oferecer conforto aos crentes em busca de um eco aos seus sofrimentos.

Há uma obra particular que responde a este eco e sempre chamou a minha atenção: o Altar de Isenheim. Pintada entre 1512-1516 e atribuída a Matthias Grünewald, encontra-se agora no Museu Unterlinden em Colmar.

Muitos estão familiarizados com Cristo tendo um rosto sereno, pacífico e resoluto perante o seu destino, mas o que Grünewald nos oferece aqui vai muito mais longe do que apenas ilustrar os seus estigmas. Ele convida o espectador para uma viagem alucinatória às últimas horas de pesadelo deste famoso mártir. Nesta crucificação, ele retrata o horror deste evento, esteticando o insustentável. Grünewald consegue fazer sublime uma violência raramente observada na arte.

Qual é a motivação que leva um artista a criar uma obra deste tipo? O que nos conta sobre a história de seus mecenas? Quem foi esse “gênio selvagem”, como Joris-Karl Huysmans o chamou?

Aproveitando o convite do Museu para assistir a esta restauração, aproveitei a oportunidade para entrevistar o diretor do Museu Unterlinden em Colmar, Pantxika De Paepe, e o restaurador chefe, Anthony Pontabry.

Entrevista com Pantxika De Paepe

Pode nos falar mais sobre os patronos deste retábulo?

O retábulo de Isenheim foi encomendado para o Comando Antonine, provavelmente no início dos anos 1510. Esta ordem, oficializada em 1247, pretendia acolher os peregrinos que vinham rezar a Santo António, o Eremita, para evitar contrair “os doentes dos ardentes” ou “a doença de Santo António”, prevalecente naquela época.

Esta pungente representação vai além da simples representação dos estigmas conhecidos de Cristo. Teria algo a ver com a doença, o “fogo do ardente”?”

De facto, os pacientes também vêm para tratamento (Santo António tinha o poder de dar a doença, mas também de a curar). Esta pintura também existe para representar os estigmas do fogo dos ardentes. Os pacientes sentem-se queimados de dentro para fora devido a envenenamento por cravagem do centeio, resultando em fortes dores de cabeça até alucinações e necrose progressiva das extremidades do corpo.

Pode explicar-nos como os Antonines procederam para tratar estes pacientes?

Após aceitação em Isenheim, os pacientes foram para o coração da igreja ao pé do retábulo. Eles receberam o Santo Vintage, composto de relíquias maceradas em vinho com plantas que tinham propriedades calmantes. Toda esta cerimônia deu a este trabalho um caráter medicinal. A contemplação de Cristo trouxe conforto, uma forma de eco para os doentes, permitindo-lhes considerar uma recuperação ou encontrar a paz no outro mundo.

Num dos painéis do retábulo, vemos o ataque de Santo António por demónios e outros monstros. Também podemos encontrar este tipo de criaturas fantásticas no trabalho de Hieronymus Bosch. Será este bestiário específico para esta parte do Ocidente?

A representação do tema do ataque de Santo António agradou a alguns artistas porque eles podiam “soltar”. A maioria das escrituras tem descrições e histórias estabelecidas. No caso do ataque a Santo António, os artistas podiam explorar a sua imaginação. Tal como nas representações do apocalipse, isto deu-lhes uma saída para os grilhões das ordens frequentemente restritivas.

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De acordo com você, como poderia tal obra ter um forte impacto na época de sua criação e ainda hoje conseguir despertar paixões? Existe alguma forma de voyeurismo mórbido, um pouco como um novo tipo de turismo moderno?

Tem tempo esta tarde para se sentar num canto e observar as pessoas a contemplar esta obra, e verão que não importa de onde venha o público, o fascínio é o mesmo. Alguns vêm para refletir, outros para estremecer. De Bacon a Picasso e algumas óperas, este trabalho fascina. O voyeurismo não se enraíza tão profundamente como a moda. O que acontece com Grünewald, e esta obra-prima, em particular, é muito mais profundo. Como disse Rilke, “a beleza é apenas o começo do terrível”

Entrevista com Anthony Pontabry

Pode nos contar um pouco sobre a história desta restauração?

Este projecto nasceu inicialmente em 2003, originalmente para restaurar a obra em paralelo com a expansão do museu. A limpeza começou com outra equipe, mas a restauração foi suspensa em 2011.

Em 2013, após novos testes da obra, foi feita uma consulta para realizar um estudo de viabilidade sobre todo o retábulo. Foi também necessário propor uma nova instalação do retábulo, que foi depois apresentada num altar rodeado por barreiras de vidro, difícil de desmontar em caso de perigo. Respondendo à oferta, ganhamos o local, e uma equipe de 19 especialistas foi montada. Após alguns meses de pesquisa, fizemos um estudo em 2014.

Um pouco como a Mona Lisa, imagino que a retábulo Isenheim é uma obra importante que gera uma percentagem significativa de visitantes ao Museu Unterlinden. Sabendo disso, você pode nos dizer como é organizada tal restauração?

Desde que a maior parte da renda do museu vem do retábulo, foi tomada a decisão de não movê-lo, e de restaurar os painéis na presença do público, protegidos atrás de janelas. Para que os visitantes possam acompanhar este evento, deixamos os horários em que os painéis estão livres de qualquer intervenção, fazendo-nos trabalhar a cada três meses.

Isso dá-nos o luxo de poder organizar as intervenções nas melhores condições.

Na carreira de conservador, o que significa trabalhar neste tipo de obra-prima? Você teve uma relação particular com este trabalho antes da restauração?

Estando no final da minha carreira, esta restauração representa o destaque, talvez com um ou dois outros projetos que fiz na minha vida.

Para mim, é incrível, e para os restauradores mais jovens, é algo bastante espetacular. É um trabalho que eu tinha visto em 1980 e que me surpreendeu completamente pela sua beleza, mas eu não estava pensando na restauração naquela época. Foi mais tarde que pensei que era uma obra-prima absoluta e que adoraria colocá-la nas minhas mãos.

Ao tomar tal trabalho nas suas mãos, deve haver um certo nível de apreensão ou medo. Como você apreendeu este projeto único, especialmente sob os olhos de um público atento?

A equipe de especialistas que reunimos significa que não temos medo. Não medo, mas significa que existem infinitas precauções que são tomadas na limpeza que fazemos, etc. Um ponto importante é que a limpeza foi facilitada pelo estado extraordinário do painel. Isto deve-se aos carpinteiros da época que criaram uma estrutura desenhada para que o quadro nunca “se movesse”, apesar de todo o transporte devido às guerras regionais e mundiais que se sucederam. Tanto que poderíamos tê-la deixado no seu estado original também.

Sabemos pouco sobre a vida de Grünewald. Esta restauração permitiu-lhe descobrir novos elementos sobre a sua vida ou obra?

Remover estes vernizes faz-nos redescobrir trabalhos excepcionais e detalhes que tinham desaparecido, como os destaques amarelos do anjo no Concerto dos Anjos. Este detalhe particular era evidente nas suas maçãs do rosto e sobrancelhas e até mesmo no seu vestido que termina com luzes amarelas realçadas mais uma vez. Também, pequenos personagens que não podíamos mais ver no fundo.

Eu às vezes me pergunto o que pode acontecer na mente de um artista para conseguir uma criação tão alucinógena – a mesma pergunta que podemos fazer a nós mesmos para Hieronymus Bosch. Se você olhar para esta cortina, a restauração trouxe à luz 7 a 8 cores diferentes na mesma cortina, do amarelo ao laranja, depois vermelho, e depois roxo e azul na sombra. Depois vem o roxo, azul, vermelho e finalmente, há este branco brilhante.

Em termos da perfeição da realização dos monstros, eu nunca tinha visto nada parecido. Uma coisa foi confirmada para mim – Grünewald é o mestre da luz e da cor.

De acordo com você, como poderia tal obra ter um forte impacto na época de sua criação e ainda hoje conseguir despertar paixões?

Na minha opinião, na época, só tocou os pacientes que foram vê-la. Depois a obra desapareceu completamente na escuridão, quando se considera a sua exposição até ao início do século XIX. Nem sequer tinha sido montada como retábulo, estando os painéis e esculturas separados.

Hoje, é o seu lado bastante místico e enigmático que me atrai. Quando vejo o público a ver esta obra, eles ficam muito tempo para contemplá-la sem vacilar, como se vissem algo mais nela. É uma obra-prima multifacetada, entre cenas de serenidade e crucificação violenta. Acho que é isso que me agrada tanto.

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A arte e a pintura trazem a liberdade que encontramos apenas um pouco em nossas trocas, e mais em nossos silêncios. A liberdade de contemplar e amar o proibido; a liberdade de apreciar o estranho, o desconhecido, o feio, o nu, a vida e a morte de uma nova forma sem nunca ter que justificá-la – é assim que é. A arte nos oferece a possibilidade de exaltação diante da dor insuportável e soberba – a luz que não pode viver sem a sua quota-parte de sombra.

Aquele sofrimento em nossa vida diária nos repugnava, nos envergonhava e nos chocava; talvez até mesmo alguns fizessem vista grossa. Para esta arte, porém, as pessoas viajam de todo o mundo para contemplá-la e fotografá-la.

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