Por: Lauren Henry
Musicals são a quintessencial forma de arte dramática americana, combinando diálogo falado com música, canção e dança. Para muitos, o teatro musical proporciona uma fuga da realidade, uma viagem fantástica a um mundo de gatos cantando e dançando e babás mágicas que viajam através do guarda-chuva voador.
Yet, os musicais também têm procurado dar vida à história no palco, com diferentes graus de licença criativa. Aqui estão os dez melhores musicais das Origens baseados em pessoas da vida real e eventos que moldaram o teatro.
1. Evangeline, ou A Belle of Acadia (1874)
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O teatro musical como o conhecemos hoje em dia surgiu nos Estados Unidos e no Reino Unido no final do século XIX a partir de uma variedade de antecedentes: salas de música, minstrel shows e vaudeville, assim como óperas e operetas. Nos primeiros precursores do gênero, muitas vezes chamados de burlescos ou extravaganzas, a trama serviu como um pensamento posterior, um dispositivo meramente para unir uma sucessão de números musicais para entreter o público. A narrativa levou um banco de trás para o espetáculo.
Embora estes proto-musicais raramente tratassem de temas históricos atuais, alguns adaptaram personagens históricos familiares do folclore. Um dos mais famosos foi Evangeline, ou A Belle of Acadia, e foi baseado no poema épico de Henry Wadsworth Longfellow sobre uma garota acadiana que procurava seu amante depois de serem separados durante a remoção forçada dos acadianos franceses do Canadá Britânico.
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“In Love With the Man in the Moon”, de Evangeline, ou A Belle of Acadia.
Compositor Edward E. Rice e o libretista J. Cheever Goodwin mantiveram os amantes traídos pelas estrelas, mas substituíram o espetáculo pela tragédia, enviando Evangeline e Gabriel de todo o Oeste Americano para a África e acrescentando em uma vaca dançante por uma boa medida. O público não parecia se importar com a partida tonal – Evangeline era muito popular, e era apresentada regularmente em todo o país nas décadas seguintes.
2. The King and I (1951) / The Sound of Music (1959)
Uma promoção ainda da produção de The King and I da Broadway de 1951 (esquerda); Uma promoção ainda da produção de The Sound of Music da Broadway de 1959 (direita).
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O teatro musical evoluiu gradualmente nas décadas seguintes para o formato que reconhecemos hoje: diálogo falado, intercalado com canções que servem para explorar as motivações dos personagens, destacar temas-chave, e fazer avançar a trama. Mas foi apenas no início dos anos 40 que começou a Era de Ouro dos musicais, impulsionada em grande parte pela colaboração do compositor Richard Rodgers e do letrista Oscar Hammerstein II. Juntos, Rodgers e Hammerstein criaram alguns dos musicais mais icônicos de todos os tempos.
Embora vários dos musicais de Rodgers e Hammerstein tenham ocorrido no passado histórico, apenas dois de seus musicais foram baseados em indivíduos da vida real. O Rei e eu contamos a história de uma governanta inglesa às crianças do Rei do Sião (Tailândia moderna). A colaboração final da dupla, The Sound of Music, estreou na Broadway apenas nove meses antes da morte de Hammerstein com uma trama semelhante: uma jovem e irreprimível governanta encarregada de cuidar de sete filhos indisciplinados apaixona-se pelo seu pai viúvo, na véspera da anexação nazi alemã da Áustria.
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“Vamos Dançar”, da adaptação cinematográfica de 1956 de O Rei E I.
Em ambos os casos, os ossos nus das histórias eram verdadeiros, mas Rodgers e Hammerstein embelezavam livremente. Enquanto a vida real Anna Leonowens realmente ensinou aos filhos do Rei Mongkut de 1860 a 1867, por exemplo, a sugestão de um romance entre os dois teve origem em Anna e o Rei do Sião, o romance de 1944 que Rodgers e Hammerstein usaram como fonte para o musical. E enquanto O Som da Música termina com Maria, o Capitão von Trapp e as crianças heroicamente a pé para a Suíça, a fim de evitar a iminente impressão do Capitão na Marinha alemã, um rápido olhar sobre o mapa revela que “escalar todas as montanhas” de Salzburgo…. iria aterrissar você na Alemanha. (Eles realmente pegaram o trem.)
3. Fiorello! (1959)
New York City Mayor Fiorello H. LaGuardia fala ao povo de Nova Iorque no seu programa de rádio em 1940 (esquerda); um cartaz da New York City Housing Authority c.1936-1938 com o nome do Mayor LaGuardia (direita)
Unlike Rodgers and Hammerstein, a equipa criativa por detrás do musical premiado com o Pulitzer Fiorello! de 1959 eram muito mais limitados na sua capacidade de tirar licença criativa. Não só o seu cenário – Nova Iorque no início do século XX – era inatamente familiar ao público da Broadway de uma forma que Salzburgo ou Sião não eram, mas seu protagonista titular, o prefeito de Nova Iorque Fiorello H. LaGuardia, foi uma das figuras públicas mais famosas da história da cidade.
Em Fiorello! os dramaturgos Jerome Weidman e George Abbott, o letrista Sheldon Harnick e o compositor Jerry Bock focam-se na vida de LaGuardia antes de se tornarem presidentes de câmara. Desde o seu trabalho como advogado e o seu serviço militar na Primeira Guerra Mundial, até ao seu tempo no Congresso.
Conhecido como “a Pequena Flor”, LaGuardia cumpriu três mandatos no cargo, de 1934 a 1945, e continua a ser um dos prefeitos mais populares da história de Nova York. Republicano progressista que apoiou o New Deal, LaGuardia transformou a cidade como poucos prefeitos haviam feito antes (ou fizeram desde então). Durante seu mandato, ele assumiu o poder entrincheirado da infame máquina política Tammany Hall de Nova York, supervisionou a criação da Autoridade Habitacional da Cidade de Nova York para criar novas moradias populares e expandiu muito a infra-estrutura da cidade com novas estradas, parques e aeroportos.
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“Política e Poker”, da gravação original do elenco da Broadway de Fiorello!
O interesse de Fiorello! pelo que pode ser considerado uma política local de pequeno porte reflete a centralidade da cidade de Nova York para o teatro musical. Por mais de cento e cinqüenta anos, “Broadway” tem sido sinônimo de teatro profissional, e dezenas de musicais têm sido apresentados na cidade. Na verdade, o próprio LaGuardia ajudou a cimentar a relação entre Nova York e o teatro, quando sua administração fundou uma escola pública para formar futuros atores, artistas e músicos em 1936 – hoje a Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts.
4. 1776 (1969)
“A Declaração da Independência, 4 de julho de 1776”, de John Trumbull.
Dados os cismas políticos e culturais que dividiram a América em 1969, é ainda mais chocante que 1776 tenha sido um sucesso com audiências de todas as convicções. No entanto, a dramatização emocionante de Sherman Edwards e Peter Stone na assinatura da Declaração da Independência foi uma sensação genuína, tendo concorrido a 1.217 apresentações na Broadway e provocado uma adaptação cinematográfica de 1972.
1776 retrata os Pais Fundadores como homens complexos, com falhas, cujas personalidades se chocaram quase tantas vezes quanto seus ideais. John Adams, brilhante, com princípios e “detestável e antipático”, em medidas iguais, haringue, cajula e persuade seus colegas delegados a apoiar a independência americana. Ele é incentivado pelo manhoso e jovial Benjamin Franklin e por um talentoso mas apaixonado Thomas Jefferson. Apresentado como uma obra de realismo dramático, com muitas linhas tiradas diretamente dos escritos reais dos personagens, 1776 apelou tanto para republicanos quanto para democratas, com cada lado reivindicando a mensagem do musical para os seus.
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“Cool, Cool, Considerate Men”, da trilha sonora da adaptação do filme de 1972 de 1776. Embora a música tenha sido gravada e filmada, foi cortada do filme depois que o presidente Nixon se opôs ao seu retrato de conservadores.
Mas nem mesmo 1776 conseguiu escapar da política partidária da época totalmente incólume. Quando o presidente Richard Nixon convidou o elenco para apresentar o espetáculo na Casa Branca em homenagem ao aniversário de George Washington em 1970, seu gabinete pediu que eles taxassem três dos números mais abertamente políticos do espetáculo: “Cool, Cool, Considerate Men”, um minueto satírico apresentado pelos membros conservadores do Congresso Constitucional; “Molasses to Rum to Slaves”, uma crítica à hipocrisia do norte sobre a escravidão do representante da Carolina do Sul John Rutledge; e “Momma, Look Sharp”, que descreve a Batalha de Lexington a partir da perspectiva de um soldado moribundo.
O elenco e os produtores recuaram, insistindo que fariam o espetáculo na sua totalidade ou não fariam nada, e eventualmente a Casa Branca recuou. Dois anos depois, porém, Nixon fez lobby com sucesso junto ao produtor do filme, um republicano de destaque, para que “Cool, Cool, Considerate Men” fosse retirado da versão do filme.
5. Evita (1979)
A vida real Eva Perón, dando um discurso em 1951.
Desde a sua morte prematura em 1952, Eva Perón, ex-primeira dama da Argentina, tem sido retratada em tudo, desde os quadrinhos até o desenho de um bairro inteiro, moldado no seu perfil. Nenhuma, porém, teve tanta influência como o compositor Andrew Lloyd Webber e o letrista Tim Rice, o musical Evita, que estreou na Broadway em 1979 após sua estréia no West End um ano antes.
O enredo acompanha a ascensão de Evita da pobreza para se tornar uma celebrada atriz em Buenos Aires, onde ela conhece e mais tarde se casa com o futuro presidente Juan Perón. Evita era muito popular entre os pobres, que a viam como uma defensora primária na administração do seu marido. O musical foi escrito após o golpe de direita que derrubou a sucessora de Juan Perón (e terceira esposa) Isabel, e tem sido muitas vezes acusada de empurrar uma agenda anti-peronista através do personagem Che, um homem fictício que representa a voz do povo. O impacto das fortes críticas de Che à ambição e extravagância de Evita, no entanto, tem sido embotado pela passagem do tempo e pela popularidade perene de “Don’t Cry For Me, Argentina”
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“Don’t Cry for Me Argentina”, da adaptação cinematográfica de 1996 de Evita.
Embora a política de Evita continue difícil de avaliar, seu lugar na história do teatro musical é inequívoco. Primeiro musical britânico a ganhar o Prêmio Tony de Melhor Musical, sinalizou a chegada de uma nova era transatlântica na Broadway, com a importação de várias produções de sucesso do West End. O grande alcance destas “mega-musicais” envolve frequentemente cenários históricos elaborados: desde O Fantasma da Ópera de Weber (Belle Epoque Paris), até Miss Saigão (Vietname do Sul nos anos 70) e Les Misérables (Paris nos anos 1830), e requer efeitos técnicos cada vez mais elaborados.
6. Assassinos (1990)
>Três dos quatro assassinos presidenciais de sucesso na história americana: John Wilkes Booth, que assassinou o Presidente Abraham Lincoln (esquerda); Charles Guiteau, que matou o Presidente James Garfield (centro); e Leon Czolgosz, que matou William McKinley (direita).
Enquanto Andrew Lloyd Webber e os seus companheiros de mega-imagens musicais deram vida à história em palco em espectáculos cada vez mais elaborados, Stephen Sondheim seguiu uma abordagem muito diferente. Seu show Off-Broadway de 1990 Assassins rejeita uma narrativa linear ou uma estrutura de enredo tradicional em sua representação dos nove homens e mulheres que tentaram matar um presidente dos EUA (quatro dos quais conseguiram).
Em vez disso, o musical toma a forma de um macabro jogo carnavalesco, com cada um de seus elencos de personagens no centro do palco para explicar suas motivações para suas terríveis ações: John Wilkes Booth, que assassinou o presidente Abraham Lincoln; Charles Guiteau, que assassinou James A Garfield; Leon Czolgosz, que matou William McKinley; Giuseppe Zangara, que atirou no presidente eleito Franklin D. Roosevelt; Lee Harvey Oswald, que matou John F. Kennedy; Samuel Byck, que tentou matar Richard M. Nixon; Lynette (Squeaky) Fromme e Sara Jane Moore, ambos tentaram matar Gerald Ford, e John Hinckley, que matou Ronald Reagan.
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“Everybody’s Got the Right to be Happy”, interpretado pelo elenco de revivalistas de Assassinos da Broadway no Tony Awards 2004.
O tema não convencional de Assassinos refletia uma vontade crescente dos criadores musicais de abordar temas difíceis e perturbadores que normalmente seriam o reino dos dramas não musicais. Temas históricos têm permitido aos criadores experimentar novos estilos musicais, como em The Capeman, Paul Simon e o musical “doo wop” de Derek Walcott de 1998 sobre um assassinato de um gangue porto-riquenho em 1959, ou The Scottsboro Boys, um musical de 2010 sobre nove afro-americanos falsamente acusados de estupro de duas mulheres brancas, que foi desenhado como um show de trovadores dos tempos modernos.
7. Elisabeth (1992)
Um retrato de 1865 da Imperatriz Elisabeth da Áustria, mostrando dois de seus traços icônicos: seu cabelo castanho brilhante e sua cintura estreita e apertada.
O teatro musical expandiu-se muito além dos Estados Unidos e do Reino Unido. Hoje, não só as turnês internacionais são uma grande fonte de renda para shows da Broadway e West End, como também musicais originais estão sendo produzidos em todo o mundo. Elisabeth, o musical de língua alemã mais popular de todos os tempos, foi originalmente produzido em Viena, mas foi traduzido em sete línguas e apresentado para milhões de espectadores.
Elisabeth conta a história da Imperatriz Elisabeth da Áustria, esposa do Imperador Francisco José. Bonita e perturbada, Elisabeth foi mal-assimilada com seus deveres públicos como monarca. A maioria dos observadores históricos concorda que ela provavelmente sofreu de depressão e um grave distúrbio alimentar.
Embora (ou talvez por causa de) sua existência profundamente infeliz, “Sisi” (para usar seu apelido de infância) é o assunto de um vasto empreendimento cultural. Elisabeth, a musical, junta-se às fileiras de inúmeros romances, a uma trilogia de filmes austríacos muito popular, e a toda uma indústria de lembranças em Viena. O libretista Michael Kunze e o compositor Sylvester Levay’s Elisabeth é um melodrama que abraça nosso fascínio mórbido por Sisi de frente.
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“Elisabeth, abre o meu anjo”, de uma produção de 2002 de Elisabeth, com legendas em inglês.
O romance central em Elisabeth é na verdade um triângulo amoroso: entre Elisabeth, seu marido, e a própria Morte, na forma de um jovem bonito. As tragédias que moldaram a vida de Elisabeth – a perda de uma de suas filhas na infância e a morte de seu único filho por um aparente pacto suicida com sua amante – tornam-se parte da sedução de décadas da Morte de Elisabeth. O show termina, assim como a vida real de Elisabeth, com seu assassinato nas mãos de um anarquista italiano…. e com a Morte, abraçando Elisabeth como uma amante.
8. Leonardo, o Musical: A Portrait of Love (1993)
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Leonardo da Vinci’s “Mona Lisa” (esquerda); Uma fotografia aérea da nação do Pacífico de Nauru (direita).
Às vezes, a história por detrás de uma produção musical ofusca a história a ser trazida à vida no palco. Este foi certamente o caso de Leonardo, o Musical: Um Retrato de Amor, uma releitura altamente ficcionada da vida de Leonardo Da Vinci que imaginava a Mona Lisa como o produto de um tórrido caso de amor entre o grande artista e polimata renascentista e o tema da pintura. Planejada tanto pela crítica quanto pelo público, a mostra foi encerrada após apenas algumas semanas no West End de Londres em 1993, deixando pouca marca no palco britânico.
Yet, deixou um impacto duradouro a cerca de nove mil milhas de distância, na minúscula ilha do Pacífico de Nauru. Durante décadas, a maior indústria de Nauru tinha sido a mineração de fosfato, primeiro sob seus governantes coloniais alemães e australianos, e depois como uma nação independente. Embora a mineração de fosfato tenha gerado uma riqueza fenomenal, causou danos ambientais intensos à ilha, e à medida que as minas começaram a se esgotar, as autoridades governamentais voltaram-se para esquemas cada vez mais extravagantes para diversificar o portfólio da ilha.
“Deixe-me fazer parte da sua vida”, de Leonardo, o Musical: Um Retrato de Amor.
Leonardo the Musical foi a criação de Duke Minks, um antigo roadie de uma banda pop britânica dos anos 60 que se reinventou como um dos conselheiros financeiros de Nauru. O governo Nauru investiu 4 milhões de dólares para produzir Leonardo the Musical e perdeu tudo. Hoje, Nauru depende quase inteiramente da ajuda estrangeira, com grande parte da ilha inabitável devido aos efeitos da mineração de fosfato.
9. Bloody Bloody Andrew Jackson (2010) / Hamilton (2015)
Alexander Hamilton (esquerda); Andrew Jackson (direita), ambos retratados de forma bem diferente em musicais recentes com seus nomes.
No musical de sucesso de bilheteria Hamilton, o criador Lin-Manuel Miranda retratou o Pai Fundador e Federalista Alexander Hamilton como um lutador imigrante, um “bastardo, filho órfão de uma prostituta e um escocês” cuja fome por grandeza deixou uma profunda influência nos Estados Unidos antes de morrer em um duelo com Aaron Burr em 1804. Com um elenco composto quase inteiramente de atores de cor e uma partitura que incorporava hip-hop e música R&B ao lado de músicas tradicionais do show, Hamilton parecia ser a produção cultural quintessencial da era Obama – particularmente dado que Miranda interpretou pela primeira vez uma seleção do show no White House Poetry Jam de 2009.
Embora Hamilton seja o epítome do otimismo juvenil e da diversidade do projeto político Obama, o Bloody Bloody Andrew Jackson de 2010 fornece a trilha sonora musical para a ascensão global do populismo nativista da última década. Com um livro de Alex Timbers e música e letra de Michael Friedman, Bloody Bloody Andrew Jackson é um relato irreverente da ascensão do sétimo presidente dos Estados Unidos, um intruso que levantou o establishment político do dia com promessas de “retomar o país” e “tomar uma posição contra as elites”.”
“Populismo, Sim, Sim!” do elenco original da Broadway de Bloody Bloody Andrew Jackson.
Embora o show retrata Jackson como uma vibrante e carismática estrela de rock, está longe de ser uma hagiografia, e não se afasta dos aspectos mais controversos do disco de Jackson. De fato, ao tornar Jackson uma figura convincente, o show destaca o fato inquietante de que a maioria dos americanos brancos foram cúmplices (ou pelo menos aprovaram amplamente) da expulsão dos nativos americanos pela administração Jackson.
10. Newsies (2012)
Young children picking up their newspapers to sell on the streets of New York in 1910.
Tradicionalmente, a Broadway tem servido como uma fonte fértil de musicais para traduzir para a tela de prata. Enquanto as adaptações cinematográficas de grande orçamento ainda acontecem, o declínio do musical de cinema coincidiu com um aumento das produções teatrais que foram adaptadas do cinema.
Newsies é um desses híbridos Hollywood-para-Broadway. Este emocionante conto da vida real de vendedores de jornais infantis que entraram em greve em 1899 por melhores salários começou a vida como um filme de ação ao vivo de 1992 estrelado por Christian Bale. Um fracasso de bilheteria, ele adquiriu um culto entre os jovens entusiastas do teatro, e duas décadas depois entrou em cena pela primeira vez, com o dramaturgo Harvey Fierstein escrevendo uma nova história para acompanhar a música e a letra originais de Alan Menken e Jack Feldman.
“The World Will Know”, da versão cinematográfica de 1992 de Newsies.
Em ambas as versões de Newsies, a maioria dos personagens de newsboy são inventados, mas seu antagonista era real: Joseph Pulitzer, o editor do New York World, que procurou manter as margens de lucro, aumentando os preços para seus jovens distribuidores. A greve ficcionada termina com uma intervenção oportuna de Theodore Roosevelt, que convence a editora a recuar. Na realidade, no entanto, os jornalistas conseguiram extrair concessões que aumentaram o seu salário de take-home sem nenhum deus ex machina de terceiro ato conveniente. Numa altura em que o activismo juvenil em questões como o controlo de armas e as alterações climáticas trai uma relutância em esperar que as gerações mais velhas se aproximem, a espontaneidade radical dos jovens heróis de Newsies sente-se mais relevante do que nunca.
–Posto a 9 de Junho de 2019