Novembro 15, 2013

Quando Don Bluth e Gary Goldman deixaram a Disney em 1979 para formar o seu próprio estúdio de animação o objectivo era simples, “restaurar a animação para algo melhor do que era” e manter os valores da era dourada da animação, que eles acreditavam estar a morrer sob o regime operacional da Disney nos anos 70. A qualidade estabelecida sob o reinado de Walt começava a estagnar; com o aumento dos custos de produção de animação, o estúdio respondia cortando a força de trabalho e concentrando-se em técnicas menos trabalhosas. Isso preparou o palco para Don e Gary, e catorze outros animadores, deixarem a Disney para formar seu próprio estúdio, que passaria a produzir trabalhos tão formidáveis na história da animação como The Secret of N.I.M.H (1982) e An American Tail (1986).

A parceria entre Don e Gary começou na Walt Disney Productions quando os dois se conheceram pela primeira vez em 1972. Gary foi recentemente formado na escola de arte e fez parte do programa de treinamento de animação da Disney. Entretanto, Don tinha muitos anos de experiência no estúdio, tendo trabalhado lá em 1955 directamente fora do liceu como intermediário (o artista que desenha quadros entre os quadros-chave de um animador principal, criando uma evolução suave para os movimentos/poses) em Sleeping Beauty (1959). Mesmo quando Don foi para a faculdade e para a Argentina para sua missão (como parte de sua fé mórmon), ele passaria seus verões trabalhando na Disney até 1962. Ele retornou à Disney como animador de tempo integral em 1971. Após a introdução de Don e Gary, os dois começaram a trabalhar juntos não só na Disney, mas também em seu tempo livre, criando um pequeno filme de animação na garagem de Don.

As propriedades de animação da Disney estavam em um lento declínio desde a Bela Adormecida. No ano anterior ao seu lançamento, o estúdio tinha reduzido o seu staff de 500 para 125, o tamanho do staff mais pequeno continuou até meados dos anos 70. A partir dos anos 70-’77 a Disney contratou apenas 21 pessoas. Com poucos animadores originais restantes, frequentemente referidos como os “Nove Velhos”, a empresa ampliou seu programa de treinamento com o que ficou conhecido como o California Institute of the Arts (Cal Arts). Ainda assim, isso pouco fez para mudar a cultura de produção da empresa, especialmente porque a Disney ficou ainda mais consciente dos custos.

A poupança pagou suas dívidas, Don e sua camarilha logo tiveram sua chance no estúdio. Ao completar The Rescuers (1977), Don foi designado para a animação direta de Pete’s Dragon (1977) e depois como produtor/diretor de The Small One (1978), o que deveria ter marcado uma virada, permitindo aos novos e mais jovens animadores uma chance de revigorar o estúdio, influenciado pela qualidade de produção e animação que Walt havia estabelecido muito antes. No entanto, como Don tentou incluir valores de produção mais caros, lembrando filmes anteriores da Disney (efeitos especiais e mais cores), foi-lhe negado. Don, tão desencantado com o regime atual e seu foco na redução de custos, pediu para se demitir como produtor/diretor para focar apenas em animação.

Então, em 1979, Jim Stewart, um ex-executivo da Disney, ouvindo que Bluth e Goldman estavam infelizes na Disney, procurou os dois para ver se eles estariam dispostos a sair para começar sua própria empresa, e com que filme eles iriam querer começar. Don recordou o romance juvenil vencedor do Newberry Award, “Mrs. Frisby and the Rats of N.I.M.H”, um filme lançado para a Disney mas abatido porque o estúdio já tinha “feito um filme sobre ratos”, sendo que “The Rescuers”. Don e Gary acabaram por informar os seus colegas animadores do plano e convidaram-nos a participar na formação de um novo estúdio. Ao todo, catorze animadores deixaram a Disney para se juntarem a Don e Gary na Don Bluth Productions, com financiamento de Jim na Aurora Productions.

The Secret of N.I.M.H

Aurora Studios adquiriu os direitos do filme para o romance “Mrs. Frisby and the Rats of NIMH”, e ofereceu um orçamento de 5,7 milhões de dólares e uma janela de 30 meses para produzir o filme, menos dinheiro e menos tempo do que a maioria dos filmes da Disney na época. Mas, sob a sua própria alçada, o estúdio decidiu alcançar o seu objectivo de elevar a animação às suas alturas anteriores. Isto significava incluir muitas técnicas de animação a favor da redução de custos.

Vendo O Segredo da N.I.M.H, é mais do que claro quantas das técnicas mais antigas e mais caras foram postas em uso no filme: Rotoscopia, onde os animadores pegam quadros de ação ao vivo e traçam sobre as filmagens (o barco no passeio de barco subterrâneo, o equipamento construído para levantar a casa de Brisby, e a gaiola de pássaros na qual ela fica presa foram todos fotografados em ação ao vivo); Animação Backlit, usando mattes animados filmados com luz brilhante através de géis coloridos para produzir brilho para recriar iluminação artificial ou efeitos de fogo; e Paletas de Cores Múltiplas, a fim de refletir diferenças nos personagens devido a diferentes situações de iluminação (incluindo debaixo d’água; o personagem menor Sr. Idades tinha 26 paletas apenas). A experiência de assistir a N.I.M.H. está indubitavelmente ligada ao uso destas técnicas, para dar humor e tom, com tanto do filme acontecendo no subsolo, e os elementos de ficção científica/mística que impulsionam a história. Mas para conseguir estas técnicas, com um orçamento menor e um prazo mais apertado do que estes animadores estavam habituados, foram necessárias horas e horas de empenho do novo estúdio. Gary lembrar-se-ia de trabalhar sete dias de trabalho semanal, com 12-16 horas diárias, especialmente nos meses finais de produção, sem contar que todas as horas extras vieram sem pagamento adicional. Como resultado, muitos pequenos papéis de voz foram preenchidos pela equipe interna. O orçamento final do filme acabou em pouco menos de $6,4 milhões, já que Don, Gary e alguns outros produtores hipotecaram suas casas por mais $700.000 para completar o filme.

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O filme estreou no fim de semana de 4 de julho de 1982, um ano muito ocupado com grandes sucessos comerciais como E.T., Tron, e A Ira de Kahn. Devido ao mercado lotado e a uma estratégia de lançamento lento com o mínimo de marketing da distribuidora MGM/UA, que teve a abertura do filme em apenas 88 telas em seu primeiro fim de semana, N.I.M.H teve um lucro de apenas $386.000 no fim de semana de abertura. Nunca ultrapassou mais de 700 telas durante a sua execução, e em 1º de agosto tinha apenas US$ 7 milhões; sua bilheteria vitalícia é de pouco menos de US$ 15 milhões. Embora o filme tenha estreado por falta de sucesso comercial, foi amplamente aclamado nos círculos críticos. E, com o tempo, o filme se tornou financeiramente bem-sucedido através da distribuição de vídeos caseiros (o primeiro lançamento em VHS teve um preço de compra de 79 dólares), bem como de TV a cabo, e acumulou influência como um filme de animação e culto favorito.

Felizmente, as falhas comerciais do primeiro filme do estúdio poriam em dúvida a viabilidade de Don Bluth Productions seguir em frente. Além disso, 1982 viu uma greve trabalhista entre animadores e estúdios, devido à quantidade de trabalho sendo enviada para o exterior para animação televisiva. Ao iniciar sua segunda produção, East of the Sun, West of the Moon, a empresa não conseguiu obter contratos aprovados pelo sindicato e o financiamento para o filme foi cancelado. O filme nunca foi feito e essa encarnação de Bluth Productions deixaria de existir.

“Ganharemos o direito de permanecer no negócio. Se não o fizermos bem, então não poderemos reivindicar o direito de permanecer no negócio. Se O SEGREDO DE NIMH for bem sucedido, então haverá outro filme. Mas mesmo que falhemos, isso não nos impedirá de tentar novamente ou de amar o que fazemos. A animação é uma bela forma de arte que está em perigo de extinção… Cada vez que alguém produz um longa-metragem de animação que falha, toda a indústria da animação morre um pouco mais.”

Uma Cauda Americana, o valor Spielberg

Depois de um par de anos tentando manter seu estúdio de animação a funcionar, ramificando-se em comerciais e videogames, os custos crescentes da animação para um estúdio recém-cunhado revelaram-se muito caros para financiar longas-metragens adicionais, apesar do sucesso moderado de sua unidade de videogame. No início, Bluth fez parceria com o empresário Morris Sullivan, que começou a procurar maneiras de fazer o novo empreendimento, Sullivan Bluth Studios, uma empresa lucrativa.

Enter Steven Spielberg. O diretor tinha sido apresentado a Don através de Jerry Goldsmith, o compositor da N.I.M.H. Tendo sido um fã da Disney e impressionado com o filme que Don tinha feito depois de sair do estúdio, Spielberg prometeu manter um olho aberto para uma propriedade que os dois pudessem trabalhar juntos, foi quando surgiu um projeto de David Kirschner, sobre uma família de ratos que imigrou para os EUA durante a construção da Estátua da Liberdade. No entanto, mais uma vez, eles teriam de desafiar as probabilidades com An American Tail, pois o filme foi orçado em cerca de 6,5 milhões de dólares, mais qualquer dinheiro dos lucros só viria se o filme fizesse mais de 100 milhões de dólares. Na época, o filme de animação de maior bilheteria foi Disney’s The Rescuers, com apenas 40 milhões de dólares. Como resultado, o estúdio não poderia mais ser membro do sindicato, pois as taxas do sindicato eram muito altas para pagar enquanto produzia o filme no orçamento limitado.

Unlike N.I.M.H, Tail abriu em mais de 1200 teatros, com grandes gravatas de marketing da Sears e McDonalds. Críticas foram misturadas com muitos críticos elogiando a animação, mas expressando desapontamento sobre a história e o desenvolvimento do personagem. Ainda assim, o filme abriu para $5,2 milhões, com um segundo fim de semana de $7,4 milhões; depois de 18 semanas, o filme tinha um lucro bruto de $44,6 milhões, na época estabelecendo um novo recorde de longa-metragem de animação de maior bilheteria. Com a bilheteria no exterior, o filme ganhou pouco mais de $84 milhões.

Yet, com a parceria da Spielberg, a equipe Bluth passou do estúdio independente de produção de animação para a central de animação, passando pela Amblin e Universal, e em parte devido ao governo irlandês.

Gestão da Economia da Animação

Com a greve e as negociações sindicais, e o aumento constante dos custos de contratação do pessoal necessário para produzir animações, o empreendimento Bluth encontrou um novo caminho para conter os custos e estimular uma nova safra de animadores. Como muitas produções cinematográficas fazem hoje em dia, o empreendimento Sullivan Bluth mudou-se para a Irlanda para tirar partido dos incentivos fiscais. A mudança para a Irlanda ocorreu no meio da produção de An American Tail, com a maior doação na história do país e 5% de participação do governo no estúdio, além de $13.000 por pessoa, a empresa abriu perto de Dublin com uma equipe de 85 funcionários, cuidando principalmente dos processos de tinta e pintura. Eventualmente, o pessoal se expandiu para mais de 300 pessoas (com mais de 90% delas irlandesas) para cobrir a totalidade do processo de produção. Agora com a mudança do estúdio e as questões contratuais por trás deles, a produção começou no segundo longa-metragem do estúdio, The Land Before Time (1988).

Time seria a última produção que Sullivan Bluth fez em parceria com Steven Spielberg. O filme teve uma produção um tanto problemática, começando antes de Cauda com um conceito de Spielberg. No entanto, o filme evoluiu pouco além do conceito até depois do sucesso de Cauda. Mesmo depois desse ponto, durante a produção do filme, houve um pouco de push-and-pull entre o estúdio, os financiadores e o distribuidor, pois Bluth & Co. inclinou-se para um filme mais escuro e o outro empurrou para uma versão mais amena e menos intensa. O filme foi lançado para críticas geralmente educadas, mas a história e os personagens foram criticados ainda mais profundamente do que Cauda. Como John Pomeroy, um dos co-animadores/produtores de Bluth, coloca:

“Nunca correspondeu às minhas expectativas, simplesmente porque foi uma oportunidade perfeita para mostrar realmente cinco personalidades perturbadas tentando trabalhar para o objetivo mútuo de cada um. Eles eram personagens ricos, mas nunca tiveram a chance de projetar essa riqueza.

Mas isso não impediu que as crianças levassem para o filme com todo o fervor que os telespectadores fazem, incluindo várias exibições de um único dia do filme, memorização de diálogos e o desejo de comercializar produtos de ligação. O filmado abriu o número um em quase 1400 teatros, com um valor bruto de 7,5 milhões de dólares, tornando-se o melhor fim-de-semana de abertura para um filme de animação. A bilheteria final acabou de sair com mais de 46 milhões de dólares e igualou o bruto mundial com 84 milhões de dólares. Sullivan Bluth iria para a parceria com a Goldcrest International para um negócio de três filmes dando a Don & Co. total autonomia

All Dogs Go to Heaven

Ao determinar seu próximo projeto, a empresa se inspirou no fato de que os três primeiros filmes de animação da época eram sobre cães: Disney’s The Fox and the Hound (1981), 101 Dalmations (1961), e Lady and the Tramp (1955). O projeto foi roteirizado e ambientado em Nova Orleans, o cenário acrescentando à atmosfera do filme, como disse Goldman, “com tons de Mardi Gras, música jazz, o Mississippi e um sentimento de mundanismo que contrastava muito bem com o tema espiritual do filme”. O filme teve como objetivo combinar com o estilo de canção popular de Tail e assim alistou Charles Strouse (Bye Bye Birdie, Annie) como compositor; a partitura foi escrita por Ralph Burns (All That Jazz, Cabaret, e A Chorus Line). Também, para desgosto de Don, Dogs foi o primeiro de seus filmes a utilizar animação por computador para auxiliar em filmagens de perspectiva complicadas, como o carro correndo pelo cais em direção a Charlie e a grua mecânica no ferro-velho.

Antes do lançamento do filme, ele havia sido pré-vendido em quase todos os mercados estrangeiros por $7 milhões (cerca de metade do orçamento) e seria distribuído domesticamente pela United Artists. O filme foi lançado em 17 de novembro de 1989, frente a frente com A Pequena Sereia da Disney, o filme que marcaria o início do renascimento da Disney. Dogs foi criticamente planejado, especialmente em comparação com Mermaid. O filme ganhou pouco mais de $27 milhões, longe dos $90 milhões da Sereia. Como os filmes de Bluth antes dele, porém, Dogs foi um sucesso no vídeo caseiro, permanecendo no primeiro lugar por várias semanas e gerando receita inicial de quase 75 milhões de dólares de mais de 3 milhões de cópias.

Com o apoio da Goldcrest, a empresa Sullivan Bluth continuaria a criar Rock-A-Doodle (1991) e Thumbelina (1994) como parte de seu negócio de três filmes. Enquanto isso, os filmes anteriores da Bluth estavam sendo licenciados para infinitas propriedades de pré-vídeo direto e seqüela em que a empresa atual não tinha participação, o que certamente prejudicava a credibilidade de seus produtos. Eles eram feitos a baixo custo, com animação limitada. No que diz respeito à marca Bluth, o triunfo da animação tradicional estava sendo desperdiçado pelo triunfo do licenciamento corporativo e do franchising.

A Renascença Disney &A Ascensão da Pixar

Com A Pequena Sereia Disney marcou uma reviravolta na sua viabilidade comercial e indicou que a qualidade e o amor à animação e à história tinham voltado a ser um foco interno. Enquanto o próximo lançamento, The Rescuers Down Under (1990) lutava na bilheteria, 1991 viu o lançamento de Beauty and the Beast, o primeiro filme de animação indicado para Melhor Filme. Aladdin (1992) seguiu e estabeleceu o novo padrão para a animação: o ator de voz de celebridade. O Rei Leão veio dois anos mais tarde e iria novamente elevar a fasquia para os filmes de animação. Entretanto, depois de O Rei Leão, as propriedades de animação da Disney começaram a se tornar novamente obsoletas e sem inspiração, muitos dos filmes lançados depois de O Rei Leão eram simplesmente recriações de fórmula, com canções, gags de cultura pop, para as quais o termo Disneyfication foi cunhado. Com a concorrência de outros estúdios (DreamWorks e BlueSky Studios da Fox) os salários dos animadores estavam em alta, os custos de marketing estavam a aumentar e as receitas e a qualidade da Disney estavam em declínio. A curta renascença acabou quase logo que começou.

Em 1995 o mundo da animação viu o seu desafio mais dramático até agora, com a distribuição pela Disney do filme da Pixar, A Toy Story, que mudaria para sempre a natureza do longa de animação. Em 2003, a Disney converteu os seus estúdios de animação Walt Disney em estúdio CGI, despedindo a maioria do pessoal de animação tradicional e vendendo o equipamento. Seu estúdio em Paris também foi fechado, e um em Orlando foi fechado no ano seguinte, apenas para ser transformado em uma atração.

Com a ascensão da Pixar, parece que o golpe fatal foi entregue para a animação tradicional. Através da animação CGI, a Pixar tinha até mesmo tomado o manto da inovação e dos efeitos, enfrentando coisas como pele, água e corpos humanos, já que a Bluth Productions uma vez abordou a rotoscopia, a animação retro-iluminada e as abrangentes paletas de cores. A inovação era viva e estava a dar resultados para o público, no entanto, era em detrimento da animação tradicional desenhada à mão. Os filmes da Pixar obtiveram os mesmos resultados de bilheteria e aclamação da crítica que os filmes renascentistas da Disney tiveram, levando, por fim, à compra dos estúdios Pixar pela Disney por um total de US$ 7,4 bilhões em 2006. Como parte da Disney, o diretor da Pixar, John Lasseter (um animador da Disney que voltou ao The Fox and the Hound e trabalhou lá após a deserção de Don Bluth) foi promovido para supervisionar toda a animação. Enquanto Lasseter claramente mantém um profundo amor e apreciação pela animação tradicional, mesmo prometendo reavivá-la no estúdio, os anos desde que a cultura da Pixar foi introduzida na Disney produziram poucas animações tradicionais, e nenhuma de qualidade notável (Home on the Range, 2004, e The Princess and the Frog, 2009). O facto é que, embora cada frame possa continuar a ser um trabalho de amor para os animadores, a animação CGI requer menos pessoas e, em última análise, é mais barata de produzir. Para a equipe da Pixar, a liberdade da tridimensionalidade e da tecnologia é simplesmente uma evolução do meio.

Still, o legado de Don Bluth e dos desertores da Disney persiste de muitas maneiras, mesmo na cultura de produção dominada pelos CGI de hoje; ou seja, produzir animação que seja a melhor possível, tanto na história e no personagem, quanto na produção técnica. Os estúdios avançam continuamente em inovações que empurram os limites da criatividade e da qualidade da animação, mesmo que tudo isso seja feito no computador. Mas a influência dos filmes de Bluth, que chegaram ao seu nadir enquanto a Disney chegou ao fundo do poço, persiste até hoje. Ainda há algo mágico sobre o espírito anti-Disney, a qualidade da animação e as maravilhosas histórias contadas em filmes como O Segredo da N.I.M.H, Uma Cauda Americana, A Terra Antes do Tempo e Todos os Cães Vão para o Céu.

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