Af: Lauren Henry
Musicals er indbegrebet af den amerikanske dramatiske kunstform, der kombinerer talte dialoger med musik, sang og dans. For mange er musicalteater en flugt fra virkeligheden, en fantasifuld rejse til en verden med syngende og dansende katte og magiske barnepiger, der rejser med flyvende paraplyer.
Men musicals har også forsøgt at bringe historien til live på scenen, med varierende grader af kreativ frihed. Her er Origins’ top ti over musicals baseret på virkelige personer og begivenheder, der har præget teatret.
1. Evangeline, or The Belle of Acadia (1874)
Musicalteater, som vi kender det i dag, opstod i USA og Storbritannien i slutningen af det nittende århundrede fra en række forskellige forfædre: music halls, minstrel shows og vaudeville, samt operaer og operetter. I de tidlige forløbere for genren, der ofte blev omtalt som burlesker eller ekstravagancer, var plottet en eftertanke, et redskab, der blot tjente til at sætte en række musikalske numre sammen for at underholde publikum. Fortællingen var i baggrunden for skuespillet.
Og selv om disse proto-musicals sjældent handlede om faktiske historiske emner, tilpassede nogle af dem velkendte historiske personer fra folklore. En af de mest berømte var Evangeline, eller The Belle of Acadia, og var baseret på Henry Wadsworth Longfellows episke digt om en akadisk pige, der søger sin elsker, efter at de var blevet adskilt under den tvungne flytning af franske akadiere fra Britisk Canada.
“In Love With the Man in the Moon” fra Evangeline, or The Belle of Acadia.
Komponisten Edward E. Rice og librettisten J. Cheever Goodwin beholdt de stjerneskudte elskende, men erstattede tragedien med et skuespil, idet de sendte Evangeline og Gabriel overalt fra det amerikanske vesten til Afrika og tilføjede en dansende ko for en god ordens skyld. Publikum syntes ikke at have noget imod den toneangivende afvigelse – Evangeline blev vildt populær og blev jævnligt opført rundt om i landet i de næste årtier.
2. The King and I (1951) / The Sound of Music (1959)
En reklamefilm fra Broadway-opsætningen af The King and I fra 1951 (til venstre); en reklamefilm fra Broadway-opsætningen af The Sound of Music fra 1959 (til højre).
I løbet af de næste årtier udviklede musikteater sig gradvist til det format, vi kender i dag: talt dialog, afbrudt af sange, der tjener til at udforske karakterernes motiver, fremhæve centrale temaer og fremme handlingen. Men det var først i begyndelsen af 1940’erne, at musicalens guldalder begyndte, hvilket i høj grad skyldtes samarbejdet mellem komponisten Richard Rodgers og tekstforfatteren Oscar Hammerstein II. Sammen skabte Rodgers og Hammerstein nogle af de mest ikoniske musicals gennem tiderne.
Mens flere af Rodgers og Hammersteins musicals fandt sted i den historiske fortid, var kun to af deres musicals baseret på virkelige personer. The King and I fortæller historien om en engelsk guvernante for børnene af kongen af Siam (det moderne Thailand). Duoens sidste samarbejde, The Sound of Music, havde premiere på Broadway kun ni måneder før Hammersteins død med et lignende plot: En ung, uimodståelig guvernante, der har til opgave at tage sig af syv uregerlige børn, forelsker sig i deres enkemand, deres far, på tærsklen til nazi-tysklands annektering af Østrig.
“Shall We Dance” fra filmatiseringen af “The King And I” fra 1956.
I begge tilfælde var historierne i bund og grund sande, men Rodgers og Hammerstein udsmykkede dem frit. Selv om den virkelige Anna Leonowens virkelig underviste kong Mongkuts børn fra 1860 til 1867, stammer antydningen af en romance mellem de to f.eks. fra Anna and the King of Siam, den roman fra 1944, som Rodgers og Hammerstein brugte som kilde til musicalen. Og selv om The Sound of Music slutter med, at Maria, kaptajn von Trapp og børnene heroisk tager til fods til Schweiz for at undgå kaptajnens forestående indskrivning i den tyske flåde, afslører et hurtigt blik på kortet, at man ved at “bestige hvert eneste bjerg” fra Salzburg…. ville havne i Tyskland. (De tog faktisk toget.)
3. Fiorello! (1959)
New Yorks borgmester Fiorello H. LaGuardia taler til New Yorks befolkning i sit radioprogram i 1940 (til venstre); en plakat fra New York City Housing Authority ca. 1936-1938 med borgmester LaGuardia’s navn (til højre)
I modsætning til Rodgers og Hammerstein var det kreative team bag den Pulitzerprisvindende musical Fiorello! fra 1959 langt mere begrænset i deres muligheder for at tage kreativ frihed. Ikke alene var deres omgivelser – New York City i begyndelsen af det 20. århundrede – iboende velkendte for Broadway-publikummet på en måde, som Salzburg eller Siam ikke var, men deres hovedperson, New Yorks borgmester Fiorello H. LaGuardia, var en af de mest berømte offentlige personer i byens historie.
I Fiorello! fokuserer dramatikerne Jerome Weidman og George Abbott, tekstforfatteren Sheldon Harnick og komponisten Jerry Bock på LaGuardias liv, før han blev borgmester: fra hans tidlige arbejde som advokat, der repræsenterede strejkende beklædningsarbejdere, og hans militærtjeneste i Første Verdenskrig til hans tid i Kongressen og hans første, mislykkede kandidatur til borgmesterposten.
Kendt som “den lille blomst”, sad LaGuardia i tre perioder fra 1934 til 1945 og er stadig en af de mest populære borgmestre i New York Citys historie. La Guardia var en progressiv republikaner, der støttede New Deal, og han forvandlede byen som kun få borgmestre havde gjort det før (eller har gjort det siden). I løbet af sin embedsperiode tog han kampen op med New Yorks berygtede Tammany Hall-maskine, overvågede oprettelsen af New York City Housing Authority for at skabe nye boliger til overkommelige priser og udvidede i høj grad byens infrastruktur med nye veje, parker og lufthavne.
“Politics and Poker” fra den originale Broadway-optagelse af Fiorello!
Fiorello!’s interesse for det, der kan betragtes som lokalpolitik i det små, afspejler New York Citys centrale rolle i musikteateret. I mere end 150 år har “Broadway” været synonymt med professionelt teater, og dusinvis af musicals har udspillet sig i byen. LaGuardia selv var faktisk med til at cementere forholdet mellem New York og teatret, da hans administration i 1936 grundlagde en offentlig skole for at uddanne fremtidige skuespillere, kunstnere og musikere – i dag Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts.
4. 1776 (1969)
“The Declaration of Independence, July 4, 1776,” af John Trumbull.
I betragtning af de politiske og kulturelle skismaer, der delte Amerika i 1969, er det så meget desto mere chokerende, at 1776 var et hit hos publikum af alle overbevisninger. Alligevel var Sherman Edwards og Peter Stones medrivende dramatisering af underskrivelsen af uafhængighedserklæringen en sand sensation, der blev opført i 1.217 Broadway-forestillinger og gav anledning til en filmatisering i 1972.
1776 skildrer grundlæggerne som komplekse, fejlbehæftede mænd, hvis personligheder næsten lige så ofte stødte sammen som deres idealer. John Adams, der er genial, principfast og “modbydelig og ubehagelig” i lige store mængder, haranguerer, overtaler og overtaler sine delegerede kolleger til at støtte den amerikanske uafhængighed. Han får hjælp af den snedige, joviale Benjamin Franklin og en talentfuld, men kærlighedsramt Thomas Jefferson. 1776 blev præsenteret som et værk af dramatisk realisme med mange replikker direkte hentet fra personernes virkelige skrifter og appellerede til både republikanere og demokrater, og hver side gjorde krav på musicalens budskab som deres eget.
“Cool, Cool, Cool, Considerate Men” fra soundtracket til filmatiseringen af 1776 fra 1972. Selv om sangen blev indspillet og filmet, blev den klippet ud af filmen, efter at præsident Nixon protesterede mod dens portrættering af de konservative.
Men selv 1776 kunne ikke slippe helt uskadt fra tidens partipolitik. Da præsident Richard Nixon inviterede skuespillerne til at opføre forestillingen i Det Hvide Hus til ære for George Washingtons fødselsdag i 1970, bad hans kontor dem om at fjerne tre af forestillingens mere åbenlyst politiske numre: “Cool, Cool, Considerate Men”, en satirisk menuet opført af de konservative medlemmer af den forfatningsmæssige kongres; “Molasses to Rum to Slaves”, en kritik af nordstaternes hykleri omkring slaveri fra John Rutledge, repræsentant for South Carolina; og “Momma, Look Sharp”, som beskriver slaget ved Lexington fra en døende soldats perspektiv.
Skuespillerne og producenterne gjorde modstand og insisterede på, at de ville opføre showet i sin helhed eller slet ikke, og til sidst gav det Hvide Hus op. To år senere lykkedes det dog Nixon at lobbye over for filmens producent, en fremtrædende republikaner, for at få “Cool, Cool, Cool, Considerate Men” fjernet fra filmversionen.
5. Evita (1979)
Den virkelige Eva Perón, der holder en tale i 1951.
Siden hendes tidlige død i 1952 er Eva Perón, Argentinas tidligere førstedame, blevet afbildet i alt fra tegneserier til indretningen af et helt kvarter, formet efter hendes profil. Ingen har dog haft så stor indflydelse som komponisten Andrew Lloyd Webber og tekstforfatteren Tim Rices musical Evita, der havde premiere på Broadway i 1979 efter sin West End-debut et år tidligere.
Historien følger Evitas opstigning fra fattigdom til at blive en berømt skuespillerinde i Buenos Aires, hvor hun møder og senere gifter sig med den kommende præsident Juan Perón. Evita var vildt populær blandt de fattige, som så hende som en vigtig fortaler i sin mands administration. Musicalen blev skrevet i kølvandet på det højrekup, der væltede Juan Peróns efterfølger (og tredje hustru) Isabel, og den er ofte blevet beskyldt for at fremme en antiperonistisk dagsorden gennem karakteren Che, en fiktionaliseret hvermand, der repræsenterer folkets stemme. Virkningen af Ches skarpe kritik af Evitas ambitioner og ekstravagance er dog blevet afstumpet af tidens gang og af den evige popularitet af “Don’t Cry For Me, Argentina.”
“Don’t Cry For Me Argentina” fra filmatiseringen af Evita i 1996.
Mens Evitas politik er stadig vanskelig at vurdere, er dens plads i musikteaterhistorien utvetydig. Den var den første britiske musical, der vandt Tony Award for bedste musical, og den markerede indledningen til en ny transatlantisk æra på Broadway med import af flere succesfulde West End-produktioner. Disse “megamusicals” havde ofte et storslået omfang og involverede ofte udførlige historiske omgivelser: fra Webers The Phantom of the Opera (Belle Epoque Paris) til Miss Saigon (1970’ernes Sydvietnam) og Les Misérables (1830’ernes Paris), og de krævede stadig mere udførlige tekniske effekter.
6. Assassins (1990)
Tre af de fire vellykkede præsidentattentater i den amerikanske historie: John Wilkes Booth, der myrdede præsident Abraham Lincoln (til venstre), Charles Guiteau, der dræbte præsident James Garfield (i midten), og Leon Czolgosz, der dræbte William McKinley (til højre).
Mens Andrew Lloyd Webber og hans kolleger i megamusikalske impresarios bragte historien til live på scenen i stadig mere udspekulerede spektakler, fulgte Stephen Sondheim en helt anden fremgangsmåde. Hans Off-Broadway-show Assassins fra 1990 afviser en lineær fortælling eller en traditionel plotstruktur i sin skildring af de ni mænd og kvinder, der har forsøgt at dræbe en amerikansk præsident (hvoraf fire af dem lykkedes).
Musicalen tager i stedet form af et makabert karnevalsspil, hvor hver enkelt af de brogede karakterer står i centrum og forklarer sine motiver for deres frygtelige gerninger: John Wilkes Booth, der myrdede præsident Abraham Lincoln; Charles Guiteau, der myrdede James A. Garfield; Leon Czolgosz, der dræbte William McKinley; Giuseppe Zangara, der skød på den valgte præsident Franklin D. Roosevelt; Lee Harvey Oswald, som dræbte John F. Kennedy; Samuel Byck, som forsøgte at dræbe Richard M. Nixon; Lynette (Squeaky) Fromme og Sara Jane Moore, som begge forsøgte at dræbe Gerald Ford, og John Hinckley, som skød Ronald Reagan.
“Everybody’s Got the Right to be Happy”, som blev fremført af Broadway-revivalcastet af Assassins ved Tony Awards 2004.
Det ukonventionelle emne i Assassins afspejlede en stigende villighed hos musicalskabere til at tage fat på vanskelige og foruroligende emner, som normalt ville være forbeholdt ikke-musiske dramaer. Historiske emner har givet skaberne mulighed for at eksperimentere med nye musikalske stilarter, som f.eks. i The Capeman, Paul Simons og Nobelprismodtageren i litteratur Derek Walcotts doo wop-musical fra 1998 om et bandemord i Puerto Rico i 1959, eller The Scottsboro Boys, en musical fra 2010 om ni afroamerikanere, der fejlagtigt blev anklaget for voldtægt af to hvide kvinder, og som var udformet som et moderne minstrel-show.
7. Elisabeth (1992)
Et portræt fra 1865 af kejserinde Elisabeth af Østrig, der viser to af hendes ikoniske træk: hendes glansfulde brune hår og hendes smalle, stramt korset talje.
Musicalteater har bredt sig langt ud over USA og Storbritannien. I dag er internationale turnéer ikke blot en vigtig indtægtskilde for Broadway- og West End-shows, men der produceres også originale musicals rundt om i verden. Elisabeth, den mest populære tysksprogede musical nogensinde, blev oprindeligt produceret i Wien, men den er blevet oversat til syv sprog og opført for millioner af tilskuere.
Elisabeth fortæller historien om kejserinde Elisabeth af Østrig, hustru til kejser Franz Joseph. Elisabeth var smuk og urolig, og hun havde det ikke godt med sine offentlige pligter som monark. De fleste historiske iagttagere er enige om, at hun sandsynligvis led af depression og en alvorlig spiseforstyrrelse.
Trods (eller måske på grund af) hendes dybt ulykkelige tilværelse er “Sisi” (for at bruge hendes kælenavn fra barndommen) genstand for en omfattende kulturel virksomhed. Musicalen “Elisabeth” slutter sig til utallige romaner, en vildt populær østrigsk filmtrilogi og en hel husflidsindustri af souvenirs i hele Wien. Librettist Michael Kunze og komponist Sylvester Levays Elisabeth er et melodrama, der tager vores morbide fascination af Sisi til sig.
“Elisabeth, åbn min engel”, fra en opsætning af Elisabeth fra 2002, med engelske undertekster.
Den centrale romance i Elisabeth er faktisk en kærlighedstriangel: mellem Elisabeth, hendes mand og selve Døden i form af en smuk ung mand. De tragedier, der har præget Elisabeths liv – tabet af en af hendes døtre i barndommen og hendes eneste søns død som følge af en tilsyneladende selvmordspagt med sin elskerinde – bliver en del af Dødens årtier lange forførelse af Elisabeth. Forestillingen slutter, ligesom Elisabeths virkelige liv gjorde, med hendes mord af en italiensk anarkist…. og med Døden, der omfavner Elisabeth som en elskerinde.
8. Leonardo te Musical: Et portræt af kærlighed (1993)
Leonardo da Vincis “Mona Lisa” (til venstre); et luftfoto af Nauru i Stillehavet (til højre).
Sommetider overskygger historien bag en musicalproduktion den historie, der bliver bragt til live på scenen. Det var bestemt tilfældet med Leonardo the Musical: A Portrait of Love, en stærkt fiktionaliseret genfortælling af Leonardo Da Vincis liv, der forestillede sig Mona Lisa som produktet af et brændende kærlighedsforhold mellem den store renæssancekunstner og multikunstner og maleriets motiv. Forestillingen, der blev kritiseret af både kritikere og publikum, lukkede efter kun få uger på Londons West End i 1993 og efterlod kun få spor på den britiske scene.
Det efterlod dog et varigt indtryk omkring 9.000 km væk, på den lille ø Nauru i Stillehavet. I årtier havde Naurus største industri været fosfatminedrift, først under de tyske og australske koloniherrer og derefter som selvstændig nation. Selv om fosfatminedriften skabte fænomenal rigdom, forårsagede den voldsomme miljøskader på øen, og da minerne begyndte at slippe op, vendte regeringsembedsmænd sig mod stadig mere vanvittige planer for at diversificere øens portefølje.
“Let me Be a Part of Your Life,” fra Leonardo the Musical: A Portrait of Love.
Leonardo the Musical var opfundet af Duke Minks, en tidligere roadie for et britisk popband fra 1960’erne, som havde genopfundet sig selv som en af Naurus finansielle rådgivere. Naurus regering investerede 4 millioner dollars i produktionen af Leonardo te Musical og tabte det hele. I dag er Nauru næsten udelukkende afhængig af udenlandsk bistand, og en stor del af øen er ubeboelig på grund af virkningerne af fosfatminedrift.
9. Bloody Bloody Andrew Jackson (2010) / Hamilton (2015)
Alexander Hamilton (til venstre); Andrew Jackson (til højre), som begge er portrætteret ganske forskelligt i de seneste musicals, der bærer deres navne.
I den storsælgende musical Hamilton portrætterede skaberen Lin-Manuel Miranda grundlæggeren og forfatteren af Federalist Papers, Alexander Hamilton, som en immigrant, en “uægte, forældreløs søn af en luder og en skotte”, hvis hunger efter storhed efterlod en dybtgående indflydelse på USA, inden han døde i en duel med Aaron Burr i 1804. Med et cast, der næsten udelukkende bestod af farvede skuespillere, og et score, der inkorporerede hiphop- og R&B-musik sammen med traditionelle showmelodier, virkede Hamilton som kvintessensen af en kulturel produktion i Obama-æraen – især i betragtning af at Miranda første gang opførte et udvalg fra showet ved White House Poetry Jam i 2009.
Mens Hamilton er indbegrebet af den ungdommelige optimisme og mangfoldighed i Obamas politiske projekt, leverer Bloody Bloody Andrew Jackson fra 2010 det musikalske soundtrack til den globale opblomstring af nativistisk populisme i det sidste årti. Med en bog af Alex Timbers og musik og sangtekster af Michael Friedman er Bloody Bloody Andrew Jackson en respektløs beretning om den amerikanske syvende præsidents fremgang, en fræk outsider, der satte tidens politiske establishment over styr med løfter om at “tage landet tilbage” og “tage kampen op mod eliten”.”Populism, Yea, Yea, Yea!” fra den oprindelige Broadway-besætning af Bloody Bloody Andrew Jackson.
Og selv om forestillingen portrætterer Jackson som en levende, karismatisk rockstjerne, er den langt fra en hagiografi og viger ikke tilbage for de mere kontroversielle aspekter af Jacksons historie. Faktisk fremhæver showet, ved at gøre Jackson til en overbevisende figur, det foruroligende faktum, at de fleste hvide amerikanere var medskyldige i (eller i det mindste i det store og hele godkendte) Jackson-administrationens udvisning af indianere.
10. Newsies (2012)
Unge børn samler deres aviser op for at sælge dem på gaderne i New York i 1910.
Traditionelt har Broadway fungeret som en frugtbar kilde til musicals, der kan oversættes til det store lærred. Selv om der stadig sker filmatiseringer med store budgetter, er nedgangen for filmmusicals faldet sammen med en stigning i antallet af teaterproduktioner, der er tilpasset fra film.
Newsies er en sådan Hollywood-til-Broadway-hybrid. Denne medrivende historie fra det virkelige liv om børns avissælgere, der strejkede i 1899 for at få bedre løn, begyndte som en live-action-film fra 1992 med Christian Bale i hovedrollen. Den blev et flop i biografen, men fik en kult blandt unge teaterentusiaster, og to årtier senere kom den for første gang på scenen, hvor dramatiker Harvey Fierstein skrev en ny historie til den originale musik og tekst af Alan Menken og Jack Feldman.
“The World Will Know” fra filmversionen af Newsies fra 1992.
I begge versioner af Newsies er de fleste af avisdrengenes karakterer opfundet, men deres antagonist var ægte: Joseph Pulitzer, udgiveren af New York World, som forsøgte at bevare sine fortjenstmargener ved at hæve priserne for sine unge distributører. Den fiktionaliserede strejke slutter med en rettidig indgriben fra Theodore Roosevelt, som overtaler forlæggeren til at give op. I virkeligheden lykkedes det imidlertid avisbuddene at opnå indrømmelser, der øgede deres løn uden en bekvem deus ex machina i tredje akt. I en tid, hvor ungdomsaktivisme på områder som våbenkontrol og klimaforandringer afslører en uvilje mod at vente på, at ældre generationer indhenter os, føles den radikale spontanitet hos Newsies’ unge helte mere relevant end nogensinde.
–Postet den 9. juni 2019