Av: Lauren Henry
Musikaler är en typisk amerikansk dramatisk konstform som kombinerar talad dialog med musik, sång och dans. För många är musikteater en flykt från verkligheten, en fantastisk resa till en värld av sjungande och dansande katter och magiska barnflickor som reser med flygande paraplyer.
Men musikaler har också försökt väcka historien till liv på scenen, med varierande grad av kreativ frihet. Här är Origins tio bästa musikaler baserade på verkliga personer och händelser som har format teatern.
1. Evangeline, or The Belle of Acadia (1874)
Musikalisk teater som vi känner den idag uppstod i USA och Storbritannien i slutet av 1800-talet från en mängd olika föregångare: music halls, minstrel shows och vaudeville, samt operor och operetter. I de tidiga föregångarna till genren, som ofta kallas burlesker eller extravaganser, var handlingen en efterhandskonstruktion, en mekanism som bara användes för att sätta ihop en rad musikaliska nummer för att underhålla publiken. Berättelsen var i bakgrunden till skådespelet.
Och även om dessa protomusikaler sällan handlade om verkliga historiska ämnen, anpassade vissa av dem välkända historiska karaktärer från folklore. En av de mest kända var Evangeline, eller The Belle of Acadia, och baserades på Henry Wadsworth Longfellows episka dikt om en akadisk flicka som söker sin älskare efter att de skiljts åt under tvångsförflyttningen av franska akadier från British Canada.
“In Love With the Man in the Moon” från Evangeline, or The Belle of Acadia.
Kompositören Edward E. Rice och librettisten J. Cheever Goodwin behöll de stjärnkorsade älskarna, men ersatte tragedin med skådespeleri och skickade Evangeline och Gabriel överallt, från den amerikanska västern till Afrika, och lade till en dansande ko för säkerhets skull. Publiken tycktes inte ha något emot den tonala avvikelsen – Evangeline blev oerhört populär och spelades regelbundet runt om i landet under de kommande decennierna.
2. The King and I (1951) / The Sound of Music (1959)
En reklambild från 1951 års Broadway-produktion av The King and I (till vänster); en reklambild från 1959 års Broadway-produktion av The Sound of Music (till höger).
Under de följande decennierna utvecklades musikteatern gradvis till det format som vi känner igen idag: talad dialog, varvat med sånger som tjänar till att utforska karaktärernas motivationer, lyfta fram viktiga teman och föra handlingen framåt. Men det var först i början av 1940-talet som musikalernas guldålder inleddes, till stor del drivet av samarbetet mellan kompositören Richard Rodgers och textförfattaren Oscar Hammerstein II. Tillsammans skapade Rodgers och Hammerstein några av de mest ikoniska musikalerna genom tiderna.
Och även om flera av Rodgers och Hammersteins musikaler utspelade sig i det historiska förflutna var endast två av deras musikaler baserade på verkliga personer. The King and I berättar historien om en engelsk guvernant för barnen till kungen av Siam (dagens Thailand). Duons sista samarbete, The Sound of Music, hade premiär på Broadway bara nio månader före Hammersteins död med en liknande handling: en ung, oemotståndlig guvernant som har till uppgift att ta hand om sju stökiga barn blir förälskad i deras änkeman, strax före Nazitysklands annektering av Österrike.
“Shall We Dance” från filmatiseringen av The King And I från 1956.
I båda fallen var berättelserna i grunden sanna, men Rodgers och Hammerstein förskönade dem fritt. Även om den verkliga Anna Leonowens verkligen undervisade kung Mongkuts barn från 1860 till 1867, till exempel, så kom förslaget om en romans mellan de två från Anna and the King of Siam, den roman från 1944 som Rodgers och Hammerstein använde som källa till musikalen. Och även om The Sound of Music slutar med att Maria, kapten von Trapp och barnen på ett hjältemodigt sätt tar sig till fots till Schweiz för att undvika att kaptenen snart blir inskriven i den tyska flottan, avslöjar en snabb titt på kartan att om man “klättrar upp för varje berg” från Salzburg (….) kommer man att hamna i Tyskland. (De tog faktiskt tåget.)
3. Fiorello! (1959)
New Yorks borgmästare Fiorello H. LaGuardia talar till New Yorks befolkning i sitt radioprogram 1940 (till vänster); en affisch från New Yorks bostadsförvaltning 1936-1938 med borgmästare LaGuardias namn (till höger)
Till skillnad från Rodgers och Hammerstein var det kreativa teamet bakom 1959 års Pulitzerprisbelönade musikal Fiorello! betydligt mer begränsat när det gällde möjligheten att använda kreativa licenser. Inte bara var deras miljö – New York City i början av 1900-talet – välbekant för Broadway-publiken på ett sätt som Salzburg eller Siam inte var, utan deras huvudperson, New Yorks borgmästare Fiorello H. LaGuardia, var en av de mest kända offentliga personerna i stadens historia.
I Fiorello! fokuserar dramatikerna Jerome Weidman och George Abbott, textförfattaren Sheldon Harnick och kompositören Jerry Bock på LaGuardias liv innan han blev borgmästare: från hans tidiga arbete som advokat som företrädde strejkande klädarbetare och hans militärtjänstgöring i första världskriget, till hans tid i kongressen och hans första, misslyckade kandidatur till borgmästare.
Laguardia, känd som “den lilla blomman”, satt tre mandatperioder, från 1934 till 1945, och är fortfarande en av de mest populära borgmästarna i New Yorks historia. La Guardia var en progressiv republikan som stödde New Deal och förändrade staden på ett sätt som få borgmästare hade gjort tidigare (eller har gjort sedan dess). Under sin tid vid makten tog han sig an den förankrade makten hos New Yorks ökända politiska maskin Tammany Hall, övervakade inrättandet av New York City Housing Authority för att skapa nya bostäder till överkomliga priser och utökade kraftigt stadens infrastruktur med nya vägar, parker och flygplatser.
“Politics and Poker”, från den ursprungliga inspelningen av Fiorello!
Fiorello!’s intresse för vad som skulle kunna betraktas som småskalig lokalpolitik speglar New York Citys centrala roll i musikteatern. I mer än 150 år har “Broadway” varit synonymt med professionell teater, och dussintals musikaler har utspelat sig i staden. LaGuardia själv bidrog faktiskt till att cementera förhållandet mellan New York och teatern när hans administration 1936 grundade en offentlig skola för att utbilda framtida skådespelare, konstnärer och musiker – i dag Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts.
4. 1776 (1969)
“The Declaration of Independence, July 4, 1776” av John Trumbull.
Med tanke på de politiska och kulturella schismer som splittrade Amerika 1969 är det desto mer chockerande att 1776 blev en succé för publik av alla åsikter. Ändå var Sherman Edwards och Peter Stones medryckande dramatisering av undertecknandet av självständighetsförklaringen en verklig sensation, som gick i 1 217 föreställningar på Broadway och gav upphov till en filmatisering 1972.
1776 skildrar de grundande fäderna som komplexa, bristfälliga män vars personligheter kolliderade nästan lika ofta som deras ideal. John Adams, briljant, principfast och “motbjudande och ogillad” i lika hög grad, harangerar, övertalar och övertalar sina delegatkollegor att stödja amerikansk självständighet. Han får medhåll av den listige, jovialiske Benjamin Franklin och en begåvad men kärleksfull Thomas Jefferson. 1776 presenterades som ett verk av dramatisk realism, med många repliker direkt hämtade från karaktärernas verkliga skrifter, och tilltalade både republikaner och demokrater, där varje sida tog till sig musikalens budskap.
“Cool, Cool, Considerate Men”, från soundtracket till filmatiseringen av 1776 från 1972. Även om låten spelades in och filmades klipptes den bort från filmen efter att president Nixon protesterat mot dess porträtt av konservativa.
Men inte ens 1776 kunde undslippa epokens partipolitik helt oskadd. När president Richard Nixon bjöd in skådespelarna att framföra föreställningen i Vita huset för att fira George Washingtons födelsedag 1970, begärde hans kansli att de skulle stryka tre av föreställningens mer öppet politiska nummer: “Cool, Cool, Considerate Men”, en satirisk menuett som framförs av de konservativa ledamöterna i den konstitutionella kongressen, “Molasses to Rum to Slaves”, en kritik av nordstaternas hyckleri när det gäller slaveri från John Rutledge, representant för South Carolina, och “Momma, Look Sharp”, som beskriver slaget vid Lexington ur en döende soldats perspektiv.
De medverkande och producenterna gick emot och insisterade på att de skulle framföra föreställningen i sin helhet eller inte alls, och så småningom gav Vita huset upp. Två år senare lobbade dock Nixon framgångsrikt filmens producent, en framstående republikan, för att få “Cool, Cool, Considerate Men” borttagen från filmversionen.
5. Evita (1979)
Den verkliga Eva Perón håller ett tal 1951.
Sedan hennes för tidiga död 1952 har Eva Perón, Argentinas före detta första dam, avbildats i allt från serieböcker till utformningen av ett helt bostadsområde, format efter hennes profil. Ingen har dock haft så stort inflytande som kompositören Andrew Lloyd Webbers och textförfattaren Tim Rices musikal Evita, som hade premiär på Broadway 1979 efter sin West End-debut ett år tidigare.
Plotten följer Evitas uppgång från fattigdom till att bli en hyllad skådespelerska i Buenos Aires, där hon träffar och senare gifter sig med den blivande presidenten Juan Perón. Evita var oerhört populär bland de fattiga, som såg henne som en viktig förespråkare i sin mans administration. Musikalen skrevs i kölvattnet av den högerkupp som störtade Juan Peróns efterträdare (och tredje hustru) Isabel, och har ofta anklagats för att driva en antiperonistisk agenda genom karaktären Che, en fiktionaliserad allmännare som representerar folkets röst. Effekten av Ches skarpa kritik av Evitas ambitioner och extravagans har dock avtrubbats av tidens gång och av den ständiga populariteten av “Don’t Cry For Me, Argentina.”
“Don’t Cry for Me Argentina” från filmatiseringen av Evita 1996.
Men även om det är svårt att bedöma den politiska inriktningen på Evita är dess plats i musikalens teaterhistoria otvetydig. Som första brittiska musikal vann den Tony Award för bästa musikal och signalerade en ny transatlantisk era på Broadway, med import av flera framgångsrika West End-produktioner. Den storslagna omfattningen av dessa “megamusikaler” innefattade ofta utarbetade historiska miljöer: från Webers The Phantom of the Opera (Belle Epoque Paris) till Miss Saigon (1970-talets Sydvietnam) och Les Misérables (1830-talets Paris), och krävde alltmer avancerade tekniska effekter.
6. Mördare (1990)
Tre av de fyra framgångsrika presidentmördarna i amerikansk historia: John Wilkes Booth, som mördade president Abraham Lincoln (till vänster), Charles Guiteau, som dödade president James Garfield (i mitten) och Leon Czolgosz, som mördade William McKinley (till höger).
Medan Andrew Lloyd Webber och hans medmänniskor i megamusikaliska sammanhang levandegjorde historien på scenen i allt mer genomarbetade skådespel, följde Stephen Sondheim en helt annan strategi. Hans Off-Broadway-föreställning Assassins från 1990 förkastar ett linjärt narrativ eller en traditionell handlingsstruktur i sin skildring av de nio män och kvinnor som har försökt döda en amerikansk president (varav fyra lyckades).
Istället tar musikalen formen av ett makabert karnevalsspel där var och en av de brokiga karaktärerna tar plats på scenen och förklarar sina motiv för sina fruktansvärda gärningar: John Wilkes Booth, som mördade president Abraham Lincoln, Charles Guiteau, som mördade James A. Garfield, Leon Czolgosz, som mördade William McKinley, Giuseppe Zangara, som sköt mot den tillträdande presidenten Franklin D. Roosevelt; Lee Harvey Oswald, som dödade John F. Kennedy; Samuel Byck, som försökte döda Richard M. Nixon; Lynette (Squeaky) Fromme och Sara Jane Moore, som båda försökte döda Gerald Ford, och John Hinckley, som sköt Ronald Reagan.
“Everybody’s Got the Right to be Happy”, som framfördes av Broadway-besättningen av Assassins vid Tony Awards 2004.
Det okonventionella ämnet i Assassins speglade en ökad vilja hos musikskapare att ta sig an svåra, upprörande ämnen som normalt sett skulle vara förbehållna icke-musikaliska dramer. Historiska ämnen har gett upphovsmännen möjlighet att experimentera med nya musikstilar, som i The Capeman, Paul Simons och Nobelpristagaren i litteratur Derek Walcotts doo wop-musikal från 1998 om ett gängmord i Puerto Rico 1959, eller The Scottsboro Boys, en musikal från 2010 om nio afroamerikaner som falskeligen anklagades för våldtäkt på två vita kvinnor, och som var utformad som en modern minstrel show.
7. Elisabeth (1992)
Ett porträtt från 1865 av kejsarinnan Elisabeth av Österrike som visar två av hennes ikoniska drag: hennes glänsande bruna hår och hennes smala, hårt korsetterade midja.
Musikalisk teater har expanderat långt utanför USA och Storbritannien. I dag är inte bara internationella turnéer en viktig inkomstkälla för Broadway- och West End-föreställningar, utan originella musikaler produceras också runt om i världen. Elisabeth, den mest populära tyskspråkiga musikalen genom tiderna, producerades ursprungligen i Wien, men den har översatts till sju språk och spelats för miljontals åskådare.
Elisabeth berättar historien om kejsarinnan Elisabeth av Österrike, hustru till kejsar Franz Joseph. Elisabeth var vacker och orolig, men hon var inte bekväm med sina offentliga plikter som monark. De flesta historiska observatörer är överens om att hon troligen led av depression och en allvarlig ätstörning.
Trots (eller kanske på grund av) sin djupt olyckliga tillvaro är “Sisi” (för att använda hennes smeknamn från barndomen) föremål för en omfattande kulturell verksamhet. Musikalen Elisabeth sällar sig till otaliga romaner, en vild populär österrikisk filmtrilogi och en hel småindustri av souvenirer i hela Wien. Librettisten Michael Kunze och kompositören Sylvester Levays Elisabeth är ett melodram som tar till sig vår morbida fascination för Sisi rakt på sak.
“Elisabeth, öppna min ängel”, från en uppsättning av Elisabeth från 2002, med engelska undertexter.
Den centrala romansen i Elisabeth är egentligen en kärlekstriangel: mellan Elisabeth, hennes make och själva döden, i form av en stilig ung man. De tragedier som formade Elisabeths liv – förlusten av en av hennes döttrar i barndomen och hennes enda sons död genom en uppenbar självmordspakt med sin älskarinna – blir en del av Dödens decennier långa förförelse av Elisabeth. Föreställningen slutar, precis som Elisabeths verkliga liv gjorde, med att hon mördas av en italiensk anarkist…. och med Döden som omfamnar Elisabeth som en älskare.
8. Leonardo the Musical: A Portrait of Love (1993)
Leonardo da Vincis “Mona Lisa” (till vänster); ett flygfoto av Nauru i Stilla havet (till höger).
Ibland överskuggar historien bakom en musikalproduktion den berättelse som väcks till liv på scenen. Detta var verkligen fallet med Leonardo the Musical: En porträtt av kärlek, en mycket påhittad återberättelse av Leonardo Da Vincis liv där man föreställde sig Mona Lisa som produkten av en brinnande kärleksaffär mellan den store renässanskonstnären och mångsysslaren och målningens motiv. Föreställningen, som var kritiserad av både kritiker och publik, stängdes efter bara några veckor på Londons West End 1993 och lämnade inte mycket avtryck på den brittiska scenen.
Men den lämnade ett bestående avtryck ungefär nio tusen mil därifrån, på den lilla ön Nauru i Stilla havet. I årtionden hade Naurus största industri varit fosfatbrytning, först under de tyska och australiska kolonialmakterna och sedan som självständig nation. Även om fosfatbrytningen genererade fenomenala rikedomar orsakade den stora miljöskador på ön, och när gruvorna började ta slut vände sig regeringstjänstemännen till alltmer udda planer för att diversifiera öns portfölj.
“Let me Be a Part of Your Life”, från Leonardo the Musical: A Portrait of Love.
Leonardo the Musical var en idé av Duke Minks, en före detta roadie för ett brittiskt popband från 1960-talet som hade återuppfunnit sig själv som en av Naurus finansiella rådgivare. Naurus regering investerade 4 miljoner dollar för att producera Leonardo the Musical och förlorade allt. I dag är Nauru nästan helt beroende av utländskt bistånd och en stor del av ön är obeboelig på grund av effekterna av fosfatbrytningen.
9. Bloody Bloody Andrew Jackson (2010) / Hamilton (2015)
Alexander Hamilton (till vänster); Andrew Jackson (till höger), som båda porträtteras ganska olika i de senaste musikalerna som bär deras namn.
I succémusikalen Hamilton porträtterade skaparen Lin-Manuel Miranda grundlagsfadern och författaren till Federalist Papers, Alexander Hamilton, som en invandrad stövare, en “oäkting, föräldralös son till en hora och en skotte” vars hunger efter storhet lämnade ett stort inflytande på USA innan han dog i en duell med Aaron Burr år 1804. Med en rollbesättning som nästan helt och hållet består av färgade skådespelare och en musik som innehåller hiphop- och R&B-musik vid sidan av traditionella showmelodier, verkade Hamilton vara den typiska kulturproduktionen för Obama-eran – särskilt med tanke på att Miranda för första gången framförde ett urval ur föreställningen vid White House Poetry Jam 2009.
Men medan Hamilton förkroppsligar den ungdomliga optimismen och mångfalden i Obamas politiska projekt, utgör 2010 års Bloody Bloody Andrew Jackson det musikaliska soundtracket till det senaste decenniets globala uppsving för nativistisk populism. Med en bok av Alex Timbers och musik och text av Michael Friedman är Bloody Bloody Andrew Jackson en respektlös skildring av uppkomsten av USA:s sjunde president, en kaxig outsider som störde det politiska etablissemanget med löften om att “ta tillbaka landet” och “ta ställning mot eliterna”.”
“Populism, Yea, Yea!” från den ursprungliga Broadway-besättningen av Bloody Bloody Andrew Jackson.
Och även om föreställningen porträtterar Jackson som en livlig, karismatisk rockstjärna är den långt ifrån en hagiografi, och den drar sig inte för de mer kontroversiella aspekterna av Jacksons historia. Genom att göra Jackson till en övertygande person lyfter programmet fram det oroväckande faktum att de flesta vita amerikaner var medskyldiga till (eller åtminstone i stort sett godkände) Jacksonadministrationens utvisning av infödda amerikaner.
10. Newsies (2012)
Unga barn som plockar upp sina tidningar för att sälja dem på New Yorks gator 1910.
Traditionsenligt har Broadway fungerat som en fruktbar källa till musikaler som kan översättas till vita duken. Även om filmatiseringar med stora budgetar fortfarande förekommer, har nedgången för filmmusikaler sammanfallit med en ökning av teaterproduktioner som anpassats från filmer.
Newsies är en sådan Hollywood-till-Broadway-hybrid. Denna medryckande berättelse från det verkliga livet om barns tidningsförsäljare som strejkade 1899 för bättre löner började som en actionfilm från 1992 med Christian Bale i huvudrollen. Den blev en flopp, men fick en kult bland unga teaterentusiaster, och två decennier senare kom den upp på scenen för första gången, med dramatikern Harvey Fierstein som skrev en ny berättelse till den ursprungliga musiken och texten av Alan Menken och Jack Feldman.
“The World Will Know” från filmversionen av Newsies från 1992.
I båda versionerna av Newsies är de flesta av tidningspojkarkaraktärerna påhittade, men deras antagonist var verklig: Joseph Pulitzer, utgivaren av New York World, som försökte behålla sina vinstmarginaler genom att höja priserna för sina unga distributörer. Den fiktiva strejken slutar med ett lägligt ingripande från Theodore Roosevelt, som övertalar förläggaren att backa. I verkligheten lyckades dock tidningsbudet få till stånd eftergifter som ökade deras löner utan någon praktisk deus ex machina i den tredje akten. I en tid då ungdomars aktivism i frågor som vapenkontroll och klimatförändringar avslöjar en ovilja att vänta på att äldre generationer ska komma ikapp, känns den radikala spontaniteten hos Newsies unga hjältar mer relevant än någonsin.
–Postat 9 juni 2019