15 de noviembre de 2013

Cuando Don Bluth y Gary Goldman abandonaron Disney en 1979 para formar su propio estudio de animación el objetivo era simple, “restaurar la animación a algo mejor de lo que era” y mantener los valores de la edad de oro de la animación, que creían que estaba muriendo bajo el régimen de funcionamiento de Disney en la década de 1970. La calidad establecida bajo el reinado de Walt estaba empezando a estancarse; con el aumento de los costes de producción de la animación, el estudio respondió recortando la plantilla y centrándose en técnicas menos intensivas en mano de obra. Esto preparó el terreno para que Don y Gary, y otros catorce animadores, abandonaran Disney para formar su propio estudio, que llegaría a producir obras tan formidables en la historia de la animación como El secreto de N.I.M.H (1982) y Una cola americana (1986).

La asociación entre Don y Gary comenzó en Walt Disney Productions cuando ambos se conocieron en 1972. Gary estaba recién graduado en la escuela de arte y formaba parte del programa de formación en animación de Disney. Por su parte, Don tenía muchos años de experiencia en el estudio, ya que había trabajado allí en 1955, nada más salir del instituto, como inbetweener (el artista que dibuja los fotogramas entre los fotogramas clave de un animador principal, creando una evolución suave para los movimientos/posiciones) en La Bella Durmiente (1959). Mientras Don iba a la universidad y a Argentina para su misión (como parte de su fe mormona), pasaba los veranos trabajando en Disney hasta 1962. Regresó a Disney como animador a tiempo completo en 1971. Tras la presentación de Don y Gary, ambos empezaron a trabajar juntos no sólo en Disney, sino también en su tiempo libre, creando un cortometraje de animación en el garaje de Don.

Las propiedades de animación de Disney habían entrado en un lento declive desde La Bella Durmiente. El año anterior a su estreno, el estudio había reducido su plantilla de 500 a 125 personas, y esta reducción continuó hasta mediados de los años 70. Entre los años 70 y 77, Disney sólo contrató a 21 personas. Con los pocos animadores originales que quedaban, a los que a menudo se les llama los “Nueve Viejos”, la compañía amplió su programa de formación con lo que se conoció como el Instituto de las Artes de California (Cal Arts). Sin embargo, esto no sirvió para cambiar la cultura de producción de la empresa, sobre todo porque Disney era cada vez más consciente de los costes.

Al haber pagado sus cuotas, Don y su camarilla pronto tuvieron su oportunidad en el estudio. Mientras terminaba Los salvadores (1977), Don fue asignado para dirigir la animación de El dragón de Pete (1977) y luego como productor/director de El pequeño (1978), lo que debería haber marcado un punto de inflexión, permitiendo a los nuevos y más jóvenes animadores la oportunidad de revigorizar el estudio, influenciados por la calidad de producción y animación que Walt había establecido mucho antes. Sin embargo, cuando Don trató de incluir valores de producción más costosos que recordaban a las primeras películas de Disney (efectos especiales y más color) se lo negaron. Don, tan desencantado con el régimen actual y su enfoque en la reducción de costes, pidió dejar de ser productor/director para centrarse sólo en la animación.

En 1979, Jim Stewart, un ex ejecutivo de Disney, al enterarse de que Bluth y Goldman estaban descontentos en Disney, se puso en contacto con los dos para ver si estarían dispuestos a marcharse para crear su propia empresa, y con qué película querrían empezar. Don recordó la novela juvenil ganadora de un premio Newberry, “Mrs. Frisby and the Rats of N.I.M.H”, una película que se propuso a Disney pero que se rechazó porque el estudio “ya había hecho una película de ratones”, que era “The Rescuers”. Don y Gary acabaron informando a sus compañeros de animación del plan y les invitaron a unirse para formar un nuevo estudio. En total, catorce animadores dejaron Disney para unirse a Don y Gary en Don Bluth Productions, con la financiación de Jim en Aurora Productions.

El secreto de N.I.M.H

Aurora Studios adquirió los derechos cinematográficos de la novela, “La señora Frisby y las ratas de NIMH”, y ofreció un presupuesto de 5,7 millones de dólares y un plazo de 30 meses para producir la película, menos dinero y menos tiempo que la mayoría de los largometrajes de Disney en aquella época. Pero, bajo su propia responsabilidad, el estudio se propuso alcanzar su objetivo de elevar la animación a sus cotas anteriores. Esto significó incluir muchas técnicas de animación que se dejaron de lado en favor de la reducción de costes.

Viendo El secreto de N.I.M.H., queda más que claro cómo muchas de las técnicas más antiguas y costosas se pusieron en práctica en la película: La rotoscopia, en la que los animadores toman fotogramas de acción real y los calcan sobre el metraje (el barco en el paseo subterráneo, los aparejos construidos para levantar la casa de Brisby y la jaula de pájaros en la que queda atrapada fueron fotografiados en acción real); la animación a contraluz, que utiliza mates animados rodados con luz que brilla a través de geles de color para producir resplandores que recrean la iluminación artificial o los efectos de fuego; y las paletas de colores múltiples, con el fin de reflejar las diferencias en los personajes debido a las diferentes situaciones de iluminación (incluso bajo el agua; el personaje secundario Mr. Ages tenía 26 paletas solo). La experiencia de ver N.I.M.H está indiscutiblemente ligada al uso de estas técnicas, para establecer el estado de ánimo y el tono, ya que gran parte de la película tiene lugar bajo tierra, y los elementos de ciencia ficción/mística que impulsan la historia. Pero lograr estas técnicas, con un presupuesto menor y unos plazos más ajustados de lo que estos animadores estaban acostumbrados, requería horas y horas de compromiso por parte del nuevo estudio. Gary recuerda que trabajaba siete días a la semana, con jornadas de entre 12 y 16 horas, sobre todo en los últimos meses de la producción, por no mencionar que todas las horas extras se hacían sin remuneración adicional. Como resultado, muchos papeles de voz menores fueron cubiertos por el personal interno. El presupuesto final de la película fue de algo menos de 6,4 millones de dólares, ya que Don, Gary y algunos otros productores hipotecaron sus casas para conseguir otros 700.000 dólares para completar la película.

La película se estrenó el fin de semana del 4 de julio de 1982, un año muy ajetreado con grandes éxitos comerciales como E.T., Tron y La ira de Kahn. Debido tanto al mercado abarrotado como a una estrategia de lanzamiento lenta con un marketing mínimo por parte de la distribuidora MGM/UA, que hizo que la película se estrenara en sólo 88 pantallas en su primer fin de semana, N.I.M.H recaudó sólo 386.000 dólares en el fin de semana de estreno. Nunca superó las 700 pantallas durante su proyección, y el 1 de agosto sólo había recaudado 7 millones de dólares; su taquilla de por vida es de poco menos de 15 millones de dólares. Aunque la película se estrenó sin éxito comercial, fue ampliamente aclamada por la crítica. Y, con el tiempo, la película se ha convertido en un éxito financiero a través de la distribución de vídeo doméstico (el primer lanzamiento en VHS tenía un precio de compra de 79 dólares), así como por cable, y ha acumulado influencia como una película de animación de primera categoría y favorita de culto.

Desgraciadamente, los fracasos comerciales de la primera película del estudio pondrían en duda la viabilidad de Don Bluth Productions en el futuro. Además, en 1982 se produjo una huelga laboral entre los animadores y los estudios, debido a la cantidad de trabajo que se enviaba al extranjero para la animación televisiva. Al comenzar su segunda producción, Al este del sol, al oeste de la luna, la empresa no pudo conseguir contratos aprobados por el sindicato y la financiación de la película se vino abajo. La película nunca se realizó y esa encarnación de Bluth Productions dejaría de existir.

“Nos ganaremos el derecho a seguir en el negocio. Si no lo hacemos bien, no podremos reclamar el derecho a seguir en el negocio. Si EL SECRETO DE NIMH tiene éxito, habrá otra película. Pero incluso si fracasamos, eso no nos impedirá volver a intentarlo o amar lo que hacemos. La animación es una hermosa forma de arte que está en peligro de desaparecer… Cada vez que alguien produce un largometraje de animación que fracasa, toda la industria de la animación muere un poco más.”

Una cola americana, el valor de Spielberg

Tras un par de años intentando mantener su estudio de animación a flote, ramificándose en anuncios y videojuegos, los crecientes costes de la animación para un estudio recién acuñado resultaron demasiado costosos para financiar más largometrajes, a pesar del moderado éxito de su unidad de videojuegos. Al principio, Bluth se asoció con el empresario Morris Sullivan, que empezó a buscar formas de hacer que la nueva empresa, Sullivan Bluth Studios, fuera rentable.

Entra Steven Spielberg. El director había sido presentado a Don a través de Jerry Goldsmith, el compositor de N.I.M.H. Habiendo sido un fanático de Disney e impresionado por la película que Don había hecho después de dejar el estudio, Spielberg prometió mantener un ojo abierto para una propiedad en la que los dos podrían trabajar juntos, fue entonces cuando surgió un proyecto de David Kirschner, sobre una familia de ratones que emigra a los Estados Unidos durante la construcción de la Estatua de la Libertad. Sin embargo, una vez más, tendrían que desafiar las probabilidades con An American Tail, ya que la película tenía un presupuesto de unos 6,5 millones de dólares, además de que cualquier dinero procedente de los beneficios sólo llegaría si la película hacía más de 100 millones de dólares. En ese momento, la película de animación más taquillera era Los salvadores, de Disney, con sólo 40 millones de dólares. Como resultado, el estudio no pudo seguir siendo miembro del sindicato, ya que las tarifas sindicales eran demasiado elevadas para producir la película con un presupuesto limitado.

A diferencia de N.I.M.H, Tail se estrenó en más de 1.200 cines, con importantes vínculos de marketing de Sears y McDonalds. Las críticas fueron variadas, con muchos críticos alabando la animación pero expresando su decepción por la historia y el desarrollo de los personajes. Aun así, la película se estrenó con 5,2 millones de dólares, con un segundo fin de semana de 7,4 millones; al cabo de 18 semanas, la película había recaudado 44,6 millones de dólares, estableciendo entonces un nuevo récord como película de animación más taquillera. Con la taquilla en el extranjero incluida, la película ganó algo más de 84 millones de dólares.

Sin embargo, con la asociación de Spielberg, el equipo de Bluth pasó de ser un estudio de producción de animación independiente a una potencia de la animación a través de Amblin y Universal, y en parte gracias al gobierno irlandés.

Gestión de la economía de la animación

Con la huelga y las negociaciones sindicales, y los costes cada vez más elevados de la contratación del personal necesario para producir largometrajes de animación, la empresa Bluth encontró una nueva vía para contener los costes y estimular una nueva cosecha de animadores. Al igual que muchas producciones cinematográficas en la actualidad, la empresa Sullivan Bluth se trasladó a Irlanda para aprovechar los incentivos fiscales. El traslado a Irlanda tuvo lugar en realidad en medio de la producción de An American Tail, con la mayor subvención de la historia del país y un 5% de propiedad gubernamental del estudio, así como becas de formación de 13.000 dólares por persona, la empresa abrió cerca de Dublín con una plantilla de 85 personas, que se encargaban principalmente de los procesos de tinta y pintura. Con el tiempo, la plantilla se amplió a más de 300 personas (más del 90% de ellas irlandesas) para cubrir todo el proceso de producción. Una vez trasladado el estudio y superados los problemas contractuales, comenzó la producción del segundo largometraje del estudio, The Land Before Time (1988).

Time sería la última producción en la que Sullivan Bluth se asoció con Steven Spielberg. La película tuvo una producción algo problemática, que en realidad comenzó antes de Tail con un concepto de Spielberg. Sin embargo, la película evolucionó poco más allá del concepto hasta después del éxito de Tail. Incluso después de ese momento, durante la producción de la película, hubo bastante tira y afloja entre el estudio, los financieros y el distribuidor, ya que Bluth & Co. se inclinaba por una película más oscura y los demás presionaban por una versión más amable y menos intensa. La película se estrenó con críticas generalmente amables, pero la historia y los personajes fueron criticados aún más a fondo que Tail. En palabras de John Pomeroy, uno de los co-animadores/productores de Bluth:

“Nunca estuvo a la altura de mis expectativas, sencillamente porque era una oportunidad perfecta para mostrar realmente cinco personalidades perturbadas que trataban de trabajar en pos de un objetivo mutuo. Eran personajes ricos, pero nunca tuvieron la oportunidad de proyectar esa riqueza.

Pero eso no impidió que los niños se aficionaran a la película con todo el fervor que lo hacen los espectadores infantiles, incluyendo múltiples visionados de la película en un solo día, la memorización de los diálogos y el deseo de comercializar productos vinculados. La película se estrenó como número uno en casi 1.400 cines, con una recaudación de 7,5 millones de dólares, convirtiéndose en el fin de semana de estreno más taquillero para una película de animación. La taquilla final superó por poco a Cola con más de 46 millones de dólares, e igualó la recaudación mundial con 84 millones de dólares. Sullivan Bluth se asociaría con Goldcrest International para un acuerdo de tres películas que daría a Don & Co. total autonomía

Todos los perros van al cielo

Al determinar su siguiente proyecto, la compañía se inspiró en el hecho de que las tres películas de animación más importantes del momento eran sobre perros: El zorro y el sabueso (1981), 101 Dalmations (1961) y La dama y el vagabundo (1955) de Disney. El proyecto fue guionizado y ambientado en Nueva Orleans, lo que contribuyó a la atmósfera de la película, según Goldman, “con matices de Mardi Gras, música de jazz, el Mississippi y una sensación de mundanidad que contrastaba muy bien con el tema espiritual de la película”. La película pretendía ajustarse al estilo de las canciones populares de Tail, por lo que recurrió a Charles Strouse (Bye Bye Birdie, Annie) como compositor; la partitura fue escrita por Ralph Burns (All That Jazz, Cabaret y A Chorus Line). Además, para disgusto de Don, Perros fue la primera de sus películas en utilizar la animación por ordenador para ayudar en las difíciles tomas de perspectiva, como el coche que corre por el muelle hacia Charlie y la grúa mecánica en el depósito de chatarra.

Antes del estreno de la película se había prevendido en casi todos los mercados extranjeros por 7 millones de dólares (aproximadamente la mitad del presupuesto) y sería distribuida a nivel nacional por United Artists. La película se estrenó el 17 de noviembre de 1989, enfrentándose a La Sirenita de Disney, la película que marcaría el inicio del renacimiento de Disney. Perros fue criticada, especialmente en comparación con La sirenita. La película ganó poco más de 27 millones de dólares, muy lejos de los 90 millones de La Sirenita. Sin embargo, al igual que las películas de Bluth anteriores, Dogs fue un éxito en vídeo doméstico, permaneciendo en el número uno durante varias semanas y generando unos ingresos iniciales de casi 75 millones de dólares con más de 3 millones de copias.

Con el respaldo de Goldcrest, la compañía de Sullivan Bluth seguiría creando Rock-A-Doodle (1991) y Thumbelina (1994) como parte de su acuerdo de tres películas. Mientras tanto, las películas anteriores de Bluth recibían licencias para un sinfín de precuelas y secuelas directas a vídeo en las que la empresa actual no participaba, lo que sin duda socavaba la credibilidad de sus productos. Se hicieron de forma barata, con una animación limitada. En lo que respecta a la marca Bluth, el triunfo de la animación tradicional estaba siendo dilapidado por el triunfo de las licencias y franquicias corporativas.

El renacimiento de Disney &el auge de Pixar

Con La Sirenita Disney marcó un giro en su viabilidad comercial e indicó que la calidad y el amor por la animación y la historia habían vuelto a ser un foco interno. Mientras que el siguiente estreno, Los salvadores de Australia (1990), tuvo dificultades en la taquilla, en 1991 se estrenó La bella y la bestia, la primera película de animación nominada a la mejor película. Le siguió Aladino (1992), que estableció el nuevo estándar de la animación: el actor de voz famoso. El Rey León llegó dos años después y volvió a elevar el listón de las películas de animación. Sin embargo, después de El rey león, las películas de animación de Disney empezaron a volverse rancias y poco inspiradas. Muchas de las películas estrenadas después de El rey león eran simples repeticiones de fórmulas, basadas en canciones, personajes secundarios y gags de la cultura pop, por lo que se acuñó el término Disneyficación. Con la competencia de otros estudios (DreamWorks y BlueSky Studios de Fox) los salarios de los animadores aumentaban, los costes de marketing se incrementaban y los ingresos y la calidad de Disney disminuían. El efímero renacimiento terminó casi tan pronto como empezó.

En 1995, el mundo de la animación vio su desafío más dramático, con la distribución por parte de Disney de la película de Pixar, Una historia de juguete, que cambiaría para siempre la naturaleza del largometraje de animación. En 2003, Disney convirtió sus estudios Walt Disney Feature Animation en un estudio CGI, despidiendo a la mayoría del personal de animación tradicional y vendiendo el equipo. Su estudio de París también se cerró, y el de Orlando se cerró al año siguiente, para convertirse en una atracción.

Con el auge de Pixar, parece que se dio el golpe de gracia a la animación tradicional. A través de la animación CGI, Pixar había asumido el manto de la innovación y los efectos, abordando cosas como la piel, el agua y los cuerpos humanos, como Bluth Productions abordó en su día la rotoscopia, la animación a contraluz y las paletas de colores integrales. La innovación estaba viva y daba resultados para el público, pero en detrimento de la animación tradicional dibujada a mano. Las películas de Pixar han obtenido los mismos resultados de taquilla y el mismo reconocimiento de la crítica que las películas del renacimiento de Disney, lo que llevó, en última instancia, a la compra de Pixar Studios por parte de Disney por la friolera de 7.400 millones de dólares en 2006. Como parte de Disney, el jefe de Pixar, John Lasseter (un animador de Disney que se remonta a El zorro y el sabueso y que trabajó allí tras la deserción de Don Bluth) fue ascendido para supervisar toda la animación. Aunque es evidente que Lasseter mantiene un profundo amor y aprecio por la animación tradicional, e incluso promete recuperarla en el estudio, los años transcurridos desde que la cultura de Pixar se incorporó a Disney han producido pocos largometrajes de animación tradicional, y ninguno de notable calidad (Home on the Range, 2004, y La princesa y el sapo, 2009). El hecho es que, aunque cada fotograma siga siendo un trabajo de amor para los animadores, la animación CGI requiere menos personal y, en última instancia, es más barata de producir. Para el equipo de Pixar, la libertad de la tridimensionalidad y la tecnología es simplemente una evolución del medio.

Aún así, el legado de Don Bluth y los tránsfugas de Disney persiste de muchas maneras, incluso en la cultura de producción dominada por el CGI de hoy en día; es decir, producir una animación que sea la mejor posible, tanto en la historia y el carácter, como en el resultado técnico. Los estudios avanzan continuamente en la innovación, ampliando los límites de la creatividad y la calidad de la animación, aunque todo se haga por ordenador. Pero la influencia de las películas de Bluth, que alcanzaron su punto más bajo mientras Disney tocaba fondo, persiste hasta hoy. Todavía hay algo mágico en el espíritu anti-Disney, la calidad de la animación y las maravillosas historias que se cuentan en películas como El secreto de N.I.M.H, Una cola americana, La tierra antes del tiempo y Todos los perros van al cielo.

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