November 15, 2013

Toen Don Bluth en Gary Goldman in 1979 Disney verlieten om hun eigen animatiestudio op te richten was het doel simpel, “animatie herstellen tot iets beters dan het was” en de waarden van de gouden eeuw van animatie, waarvan zij geloofden dat die aan het uitsterven was onder het Disney-regime in de jaren zeventig, in ere te houden. De kwaliteit die onder Walt’s bewind tot stand was gekomen, begon te stagneren; met stijgende kosten voor het produceren van animatie, reageerde de studio door het personeelsbestand in te krimpen en zich te richten op minder arbeidsintensieve technieken. Dit was het startsein voor Don en Gary, en veertien andere animatoren, om Disney te verlaten en hun eigen studio op te richten, die formidabele werken in de animatiegeschiedenis zou produceren zoals The Secret of N.I.M.H (1982) en An American Tail (1986).

De samenwerking tussen Don en Gary begon bij Walt Disney Productions toen de twee elkaar voor het eerst ontmoetten in 1972. Gary was pas afgestudeerd aan de kunstacademie en maakte deel uit van het animatieopleidingsprogramma van Disney. Ondertussen had Don al vele jaren ervaring bij de studio, omdat hij daar in 1955 direct na de middelbare school had gewerkt als inbetweener (de artiest die frames tekent tussen de keyframes van een hoofdanimator, waardoor een vloeiende evolutie ontstaat voor bewegingen/poses) aan Doornroosje (1959). Zelfs toen Don ging studeren en naar Argentinië ging voor zijn zending (als onderdeel van zijn mormoonse geloof), bracht hij zijn zomers door bij Disney tot 1962. Hij keerde terug naar Disney als full-time animator in 1971. Na de kennismaking tussen Don en Gary begonnen de twee samen te werken, niet alleen bij Disney, maar ook in hun vrije tijd, met het maken van een korte animatiefilm in Don’s garage.

Disney animatie-eigenschappen waren in een langzame neergang sinds Doornroosje. Het jaar voor de release had de studio het aantal personeelsleden teruggebracht van 500 naar 125. Deze personeelsinkrimping duurde tot halverwege de jaren ’70. Van ’70-’77 nam Disney slechts 21 mensen aan. Met weinig overgebleven originele animators, vaak aangeduid als de “Nine Old Men”, breidde het bedrijf zijn opleidingsprogramma uit met wat bekend werd als het California Institute of the Arts (Cal Arts). Toch veranderde dit weinig aan de productiecultuur in het bedrijf, vooral omdat Disney nog kostenbewuster werd.

Na hun contributie betaald te hebben, kregen Don en zijn coterie al snel hun kans bij de studio. Terwijl hij The Rescuers (1977) voltooide, werd Don aangesteld om de animatie te regisseren voor Pete’s Dragon (1977) en vervolgens als producent/regisseur voor The Small One (1978). Dit had een keerpunt moeten betekenen, waardoor de nieuwe, jongere animatoren een kans kregen om de studio nieuw leven in te blazen, onder invloed van de kwaliteit van productie en animatie die Walt lang daarvoor had gevestigd. Toen Don echter probeerde om duurdere productiewaarden toe te voegen die aan vroegere Disney-films deden denken (speciale effecten en meer kleur) werd hem dit geweigerd. Don, zo ontgoocheld over het huidige regime en zijn focus op kostenbesparing, vroeg om terug te treden als producent/regisseur om zich alleen nog maar op het animeren te concentreren.

Toen, in 1979, Jim Stewart, een ex-Disney executive, hoorde dat Bluth en Goldman ongelukkig waren bij Disney, nam contact op met de twee om te zien of ze bereid zouden zijn te vertrekken om hun eigen bedrijf te beginnen, en met welke film ze zouden willen beginnen. Don herinnerde zich de Newberry Award-winnende jeugdroman, “Mrs. Frisby and the Rats of N.I.M.H,” een film die aan Disney werd gepitcht maar afgewezen omdat de studio “al een muizenfilm had gemaakt,” dat was The Rescuers. Don en Gary brachten uiteindelijk hun collega-animators op de hoogte van het plan en nodigden hen uit om mee te werken aan de oprichting van een nieuwe studio. In totaal verlieten veertien animatoren Disney om zich bij Don en Gary te voegen onder Don Bluth Productions, met financiering van Jim bij Aurora Productions.

The Secret of N.I.M.H

Aurora Studios verwierf de filmrechten voor de roman, “Mrs. Frisby and the Rats of NIMH,” en bood een budget van $5,7 miljoen en een tijdspanne van 30 maanden om de film te produceren, minder geld en minder tijd dan de meeste Disney-films in die tijd. Maar de studio, onder hun eigen toezicht, streefden ernaar om hun doel te bereiken, animatie tot zijn vroegere hoogten te verheffen. Dit betekende onder meer dat veel animatietechnieken achterwege werden gelaten ten gunste van kostenbesparing.

Kijkend naar The Secret of N.I.M.H, is het meer dan duidelijk hoeveel van de oudere, duurdere technieken in de film werden gebruikt: Rotoscoping, waarbij animatoren live-action frames nemen en over de beelden heen trekken (de boot in de ondergrondse boottocht, de tuigage die is gebouwd om Brisby’s huis te verhogen, en de vogelkooi waarin ze vast komt te zitten, zijn allemaal live-action gefotografeerd); Backlit Animation, waarbij geanimeerde matten worden gebruikt die zijn opgenomen met licht dat door kleurengels schijnt om gloed te produceren om kunstmatige verlichting of vuureffecten na te bootsen; en Multiple Color Palettes, om verschillen in personages weer te geven als gevolg van verschillende lichtsituaties (inclusief onder water; minder belangrijk personage Mr. Ages had alleen al 26 palettes). De ervaring van het kijken naar N.I.M.H. is ontegensprekelijk verbonden met het gebruik van deze technieken, om sfeer en toon te zetten, met zo’n groot deel van de film dat zich ondergronds afspeelt, en de sci-fi/mystieke elementen die het verhaal aandrijven. Maar om deze technieken te bereiken, met een kleiner budget en korter tijdsbestek dan deze animators gewend waren, vergde uren en uren inzet van de nieuwe studio. Gary herinnert zich werkweken van zeven dagen, met dagen van 12-16 uur, vooral in de laatste maanden van de productie, om nog maar te zwijgen van al het overwerk zonder extra loon. Het resultaat was dat veel kleine stemrollen door het personeel zelf werden ingevuld. Het uiteindelijke budget van de film kwam uit op iets minder dan $6,4 miljoen, omdat Don, Gary en een paar andere producers een hypotheek namen op hun huis voor nog eens $700.000 om de film te voltooien.

De film werd geopend in het weekend van 4 juli 1982, een druk jaar met grote commerciële successen als E.T., Tron, en The Wrath of Kahn. Zowel door de overvolle markt als door een langzame uitrolstrategie met minimale marketing van distributeur MGM/UA, die de film in het eerste weekend op slechts 88 schermen liet openen, bracht N.I.M.H. in het openingsweekend slechts $386.000 op. De film heeft nooit meer dan 700 schermen gehad en had op 1 augustus slechts $7 miljoen opgebracht; zijn levenslange box office staat op iets minder dan $15 miljoen. Terwijl de film in première ging met een gebrek aan commercieel succes, werd hij alom geprezen in kritische kringen. En, na verloop van tijd, werd de film financieel succesvol via home video distributie (de eerste VHS uitgave had een aankoopprijs van $79), evenals kabel, en het heeft invloed vergaard als een top-notch tekenfilm en cult favoriet.

Helaas, de commerciële mislukkingen van de eerste film van de studio zou de levensvatbaarheid van Don Bluth Productions in de toekomst in twijfel trekken. Bovendien brak er in 1982 een staking uit tussen animatoren en studio’s, vanwege de hoeveelheid werk die naar het buitenland werd gestuurd voor televisie-animatie. Terwijl ze begonnen aan hun tweede productie, East of the Sun, West of the Moon, was het bedrijf niet in staat om contracten te krijgen die goedgekeurd waren door de vakbond en de financiering van de film ging niet door. De film werd nooit gemaakt en die incarnatie van Bluth Productions zou ophouden te bestaan.

“We zullen het recht verdienen om in zaken te blijven. Als we het niet goed doen, dan kunnen we geen aanspraak maken op het recht om in zaken te blijven. Als THE SECRET OF NIMH slaagt, komt er een andere film. Maar zelfs als we falen, zal dat ons er niet van weerhouden om het opnieuw te proberen of om te houden van wat we doen. Animatie is een prachtige kunstvorm die dreigt uit te sterven… Elke keer dat iemand een tekenfilm produceert die mislukt, sterft de hele animatie-industrie een beetje meer.”

An American Tail, the Spielberg value

Na een paar jaar geprobeerd te hebben om hun animatiestudio overeind te houden, vertakkend naar commercials en videospelletjes, bleken de stijgende kosten van animatie voor een nieuwbakken studio te duur om extra speelfilms te financieren, ondanks het matige succes van hun videospelletjes-unit. In eerste instantie ging Bluth samenwerken met zakenman Morris Sullivan, die manieren zocht om van de nieuwe onderneming, Sullivan Bluth Studios, een winstgevend bedrijf te maken.

Enter Steven Spielberg. De regisseur had Don leren kennen via Jerry Goldsmith, de componist van N.I.M.H. Omdat hij een Disney-fan was en onder de indruk van de film die Don had gemaakt nadat hij de studio had verlaten, beloofde Spielberg een open oog te houden voor een project waar de twee samen aan zouden kunnen werken. Zo ontstond een project van David Kirschner, over een muizenfamilie die naar de VS emigreerde tijdens de bouw van het Vrijheidsbeeld. Maar opnieuw moesten ze de kansen trotseren met An American Tail, want het budget voor de film lag rond de $6,5 miljoen, en geld uit de winst zou alleen komen als de film meer dan $100 miljoen zou opbrengen. Op dat moment was de hoogst verdienende animatiefilm Disney’s The Rescuers, met slechts 40 miljoen dollar. Als gevolg daarvan kon de studio niet langer lid zijn van de vakbond, omdat de vakbondstarieven te hoog waren om te betalen terwijl de film met het beperkte budget werd geproduceerd.

In tegenstelling tot N.I.M.H. opende Tail in meer dan 1200 bioscopen, met belangrijke marketing-ins van Sears en McDonalds. De kritieken waren gemengd: veel critici waren lovend over de animatie, maar teleurgesteld over het verhaal en de karakterontwikkeling. Toch opende de film met 5,2 miljoen dollar, met een tweede weekend van 7,4 miljoen dollar; na 18 weken had de film 44,6 miljoen dollar opgebracht, op dat moment een nieuw record voor de best verdienende animatiefilm. Met overzeese box office meegerekend verdiende de film iets meer dan $84 miljoen.

Met het partnerschap met Spielberg ging de Bluth-crew van onafhankelijke animatieproductiestudio naar animatiegrootmacht via Amblin en Universal, en deels dankzij de Ierse regering.

De economie van animatie beheren

Met de staking en vakbondsonderhandelingen, en steeds stijgende kosten voor het inhuren van het personeel dat nodig is om animatiefilms te produceren, vond de Bluth-venture een nieuwe weg om de kosten te beperken en een nieuwe lichting animatoren aan te trekken. Zoals veel filmproducties tegenwoordig doen, verhuisde de onderneming van Sullivan Bluth naar Ierland om te profiteren van belastingvoordelen. De verhuizing naar Ierland vond eigenlijk plaats in het midden van de productie van An American Tail. Met de grootste subsidie in de geschiedenis van het land en een overheidseigendom van 5% in de studio, alsmede 13.000 dollar per persoon opleidingssubsidies, opende het bedrijf in de buurt van Dublin met een staf van 85, die voornamelijk inkt-en-schilder processen hanteerden. Uiteindelijk breidde het personeel zich uit tot meer dan 300 mensen (waarvan meer dan 90% Iers) om het gehele produktieproces te bestrijken. Nu de studio verhuisd was en de contractproblemen achter de rug waren, begon de productie van de tweede speelfilm van de studio, The Land Before Time (1988).

Time zou de laatste productie zijn waaraan Sullivan Bluth samenwerkte met Steven Spielberg. De film had een enigszins moeizame productie, die eigenlijk al voor Tail begon met een concept van Spielberg. De film ontwikkelde zich echter niet veel verder dan het concept tot na het succes van Tail. Zelfs na dat moment, tijdens de productie van de film, was er nogal wat duw-en-trekwerk tussen de studio, de financiers en de distributeur, omdat Bluth & Co. neigde naar een donkerdere film en de anderen drongen aan op een meer ontvankelijke, minder intense versie. De film werd uitgebracht met over het algemeen beleefde kritieken, maar het verhaal en de personages werden nog grondiger bekritiseerd dan Tail. Zoals John Pomeroy, een van Bluth’s co-animators/producenten, het stelt:

“Het voldeed nooit aan mijn verwachtingen, simpelweg omdat het een perfecte gelegenheid was om vijf gestoorde persoonlijkheden die naar elkaars doel probeerden te werken, echt te laten zien. Het waren rijke karakters, maar ze kregen nooit echt de kans om die rijkdom te projecteren.

Maar dat weerhield kinderen er niet van om de film met alle ijver te bekijken zoals kinderkijkers dat doen, inclusief het meerdere keren op één dag bekijken van de film, het uit het hoofd leren van dialogen, en het verlangen naar marketing tie-in producten. De film opende als eerste in bijna 1400 bioscopen, met een brutowinst van $7,5 miljoen, en werd daarmee het best verdienende openingsweekend voor een animatiefilm. De uiteindelijke opbrengst was net iets hoger dan Tail met meer dan $46 miljoen, en evenaarde de wereldwijde opbrengst met $84 miljoen. Sullivan Bluth zou gaan samenwerken met Goldcrest International voor een overeenkomst voor drie films, waarbij Don & Co. volledige autonomie kreeg

All Dogs Go to Heaven

Bij het bepalen van hun volgende project, werd het bedrijf geïnspireerd door het feit dat de top drie animatiefilms op dat moment over honden gingen: Disney’s The Fox and the Hound (1981), 101 Dalmations (1961), en Lady and the Tramp (1955). Het project was gescript en speelde zich af in New Orleans, de omgeving droeg bij aan de sfeer van de film, zoals Goldman het formuleerde, “met boventonen van Mardi Gras, jazzmuziek, de Mississippi en een gevoel van wereldsheid dat mooi contrasteerde met het spirituele thema van de film.” De film wilde de populaire songstijl van Tail evenaren en nam daarom Charles Strouse (Bye Bye Birdie, Annie) als componist in de arm; de score werd geschreven door Ralph Burns (All That Jazz, Cabaret, en A Chorus Line). Ook was Dogs, tot grote ergernis van Don, de eerste van hun films die gebruik maakte van computeranimatie om te helpen bij lastige perspectief-shots, zoals de auto die over de pier naar Charlie rijdt en de mechanische kraan op de vuilnisbelt.

Voordat de film uitkwam was hij in bijna alle buitenlandse markten voor 7 miljoen dollar (ongeveer de helft van het budget) voorverkocht en zou hij in het binnenland worden gedistribueerd door United Artists. De film werd uitgebracht op 17 november 1989, en ging de strijd aan met Disney’s De Kleine Zeemeermin, de film die het begin zou betekenen van Disney’s renaissance. Dogs werd kritisch bekeken, vooral in vergelijking met Mermaid. De film verdiende iets meer dan 27 miljoen dollar, ver van de 90 miljoen dollar van de Mermaid. Maar net als de Bluth films ervoor was Dogs een hit op de home video, hij bleef een aantal weken op nummer één staan en genereerde een eerste opbrengst van bijna 75 miljoen dollar uit meer dan 3 miljoen kopieën.

Met de steun van Goldcrest zou het bedrijf Sullivan Bluth Rock-A-Doodle (1991) en Thumbelina (1994) gaan maken als onderdeel van zijn drie-film deal. Ondertussen werden Bluth’s vorige films in licentie gegeven voor eindeloze direct-to-video prequel en sequel projecten waar het huidige bedrijf geen deel aan had, wat zeker de geloofwaardigheid van hun producten ondermijnde. Ze werden goedkoop gemaakt, met beperkte animatie. Wat het merk Bluth betreft, werd de triomf van de traditionele animatie verkwanseld door de triomf van de bedrijfslicenties en franchising.

De Disney Renaissance & de opkomst van Pixar

Met De Kleine Zeemeermin markeerde Disney een ommekeer in zijn commerciële levensvatbaarheid en gaf aan dat de kwaliteit en liefde voor animatie en verhaal intern weer centraal waren komen te staan. Terwijl de volgende release, The Rescuers Down Under (1990) moeite had met de kassa’s, werd in 1991 Beauty and the Beast uitgebracht, de eerste animatiefilm die genomineerd werd voor Beste Film. Aladdin (1992) volgde en zette de nieuwe standaard voor animatie: de beroemde stemacteur. The Lion King kwam twee jaar later en zou de lat voor animatiefilms opnieuw hoger leggen. Na The Lion King begonnen Disney’s animatiefilms echter opnieuw afgezaagd en ongeïnspireerd te worden. Veel van de films die na Lion uitkwamen, waren eenvoudigweg formulegetrouwe herhalingen, gebaseerd op liedjes, sidekicks en popcultuurgrappen, waarvoor de term Disneyficatie werd bedacht. Door de concurrentie van andere studio’s (DreamWorks en Fox’s BlueSky Studios) stegen de salarissen van de animatoren, namen de marketingkosten toe en liepen zowel de inkomsten als de kwaliteit van Disney terug. De kortstondige renaissance was bijna net zo snel voorbij als hij begonnen was.

In 1995 zag de animatiewereld zijn meest dramatische uitdaging tot nu toe, met Disney’s distributie van de Pixar-film, A Toy Story, die de aard van de animatiefilm voor altijd zou veranderen. In 2003 veranderde Disney zijn Walt Disney Feature Animation studio’s in een CGI studio, waarbij het merendeel van het traditionele animatiepersoneel werd ontslagen en de apparatuur werd verkocht. Hun studio in Parijs werd ook gesloten, en een in Orlando werd het jaar daarop gesloten, alleen omgebouwd tot een attractie.

Met de opkomst van Pixar lijkt de doodsteek te zijn uitgedeeld aan de traditionele animatie. Door CGI-animatie had Pixar zelfs de mantel van innovatie en effecten opgepakt, door zaken als bont, water en menselijke lichamen aan te pakken, zoals Bluth Productions ooit rotoscoping, tegenlichtanimatie en uitgebreide kleurenpaletten had aangepakt. De innovatie was springlevend en leverde resultaten op voor het publiek, maar dit ging ten koste van de traditionele handgetekende animatie. De films van Pixar hebben dezelfde kassuccessen en kritieken opgeleverd als de renaissancefilms van Disney, wat uiteindelijk leidde tot de aankoop van Pixar Studios door Disney voor een bedrag van maar liefst 7,4 miljard dollar in 2006. Als onderdeel van Disney werd het hoofd van Pixar, John Lasseter (een Disney-animator die terugging tot The Fox and the Hound en die daar werkte na het vertrek van Don Bluth) gepromoveerd om toezicht te houden op alle animatie. Hoewel Lasseter duidelijk een grote liefde en waardering voor traditionele animatie koestert, en zelfs beloofd heeft om het in de studio nieuw leven in te blazen, hebben de jaren sinds Pixars cultuur in Disney werd opgenomen weinig traditionele animatiefilms opgeleverd, en geen enkele van opmerkelijke kwaliteit (Home on the Range, 2004, en The Princess and the Frog, 2009). Feit is dat, hoewel elk frame nog steeds een werk van liefde is voor de animatoren, CGI-animatie minder mensen vereist en uiteindelijk goedkoper is om te produceren. Voor het Pixar-team is de vrijheid van driedimensionaliteit en de technologie gewoon een evolutie van het medium.

Toch blijft de erfenis van Don Bluth en de Disney-afvallers op vele manieren bestaan, zelfs in de door CGI gedomineerde productiecultuur van vandaag; namelijk animatie produceren die de best mogelijke is, zowel qua verhaal en personage, als qua technische output. De studio’s blijven innoveren en de grenzen van de creativiteit en de kwaliteit van de animatie verleggen, ook al gebeurt dat allemaal met de computer. Maar de invloed van de Bluth-films, die hun dieptepunt bereikten toen Disney zijn dieptepunt bereikte, blijft tot op de dag van vandaag voortduren. Er is nog steeds iets magisch aan de anti-Disney geest, de kwaliteit van de animatie, en de prachtige verhalen verteld in films als The Secret of N.I.M.H, An American Tail, The Land Before Time, en All Dogs Go to Heaven.

Beleef An American Tail op HDNET MOVIES

Beleef An American Tail: Fievel Goes West op HDNET MOVIES

Beleef The Land Before Time op HDNET MOVIES