By: Lauren Henry
Musicali są kwintesencją amerykańskiej dramatycznej formy sztuki, łączącej mówiony dialog z muzyką, piosenką i tańcem. Dla wielu osób teatr muzyczny stanowi ucieczkę od rzeczywistości, fantastyczną podróż do świata śpiewających i tańczących kotów oraz magicznych niań, które podróżują za pomocą latającej parasolki.
Jednakże, musicale starały się również ożywić historię na scenie, z różnym stopniem kreatywnej licencji. Oto dziesięć najlepszych musicali Origins opartych na prawdziwych ludziach i wydarzeniach, które ukształtowały teatr.
1. Evangeline, czyli Belle of Acadia (1874)
Teatr muzyczny, jaki znamy dzisiaj, wyłonił się w Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii pod koniec XIX wieku z różnych antecedencji: music-hallów, widowisk minstrelowych i wodewilu, a także oper i operetek. We wczesnych prekursorach gatunku, często nazywanych burleskami lub ekstrawagancjami, fabuła służyła jako myśl dodatkowa, urządzenie służące jedynie do łączenia kolejnych numerów muzycznych w celu zabawiania publiczności. Narracja zajęła miejsce spektaklu.
Although these proto-musicals rarely dealt with actual historical subjects, some did adapt familiar historical characters from folklore. Jedną z najbardziej znanych była Evangeline, lub The Belle of Acadia, i była oparta na poemacie epickim Henry’ego Wadswortha Longfellow’a o akadyjskiej dziewczynie poszukującej swego kochanka po tym, jak zostali rozdzieleni podczas przymusowego usunięcia francuskich Akadyjczyków z Brytyjskiej Kanady.
“In Love With the Man in the Moon,” from Evangeline, or The Belle of Acadia.
Kompozytor Edward E. Rice i librecista J. Cheever Goodwin zachowali krzyżujących się kochanków, ale zastąpili tragedię spektaklem, wysyłając Evangelinę i Gabriela wszędzie, od amerykańskiego Zachodu po Afrykę i dodając tańczącą krowę na dobrą sprawę. Publiczność nie miała nic przeciwko temu tonalnemu odejściu – Evangelina była szalenie popularna i regularnie wystawiana w całym kraju przez następne kilkadziesiąt lat.
2. The King and I (1951) / The Sound of Music (1959)
Zdjęcie promocyjne z broadwayowskiej produkcji The King and I z 1951 roku (po lewej); Zdjęcie promocyjne z broadwayowskiej produkcji The Sound of Music z 1959 roku (po prawej).
Przez następne kilka dekad, teatr muzyczny stopniowo ewoluował do formatu, który rozpoznajemy dzisiaj: mówione dialogi, przeplatane piosenkami, które służą do zbadania motywacji postaci, podkreślają kluczowe tematy i posuwają fabułę do przodu. Jednak dopiero we wczesnych latach 40. rozpoczął się złoty wiek musicali, napędzany w dużej mierze przez współpracę kompozytora Richarda Rodgersa i autora tekstów Oscara Hammersteina II. Razem, Rodgers i Hammerstein stworzyli jedne z najbardziej kultowych musicali wszech czasów.
While kilka z Rodgers i Hammerstein musicali odbyło się w przeszłości historycznej, tylko dwa z ich musicali były oparte na prawdziwych osobach. The King and I opowiada historię angielskiego guwernantki do dzieci króla Syjamu (współczesna Tajlandia). Ostatni wspólny utwór duetu, Dźwięki muzyki, miał premierę na Broadwayu zaledwie dziewięć miesięcy przed śmiercią Hammersteina i miał podobną fabułę: młoda, nieposkromiona guwernantka, której zadaniem jest opieka nad siedmiorgiem niesfornych dzieci, zakochuje się w ich ojcu-wdowcu, w przededniu aneksji Austrii przez nazistowskie Niemcy.
“Shall We Dance,” z filmowej adaptacji Króla I I z 1956 roku.
W obu przypadkach, podstawy historii były prawdziwe, ale Rodgers i Hammerstein dowolnie je upiększali. Podczas gdy prawdziwa Anna Leonowens naprawdę uczyła dzieci króla Mongkuta od 1860 do 1867 roku, na przykład, sugestia romansu między nimi pochodziła z Anny i króla Syjamu, powieści z 1944 roku, którą Rodgers i Hammerstein wykorzystali jako źródło dla musicalu. I chociaż Dźwięki muzyki kończą się tym, że Maria, kapitan von Trapp i dzieci bohatersko udają się pieszo do Szwajcarii, aby uniknąć nieuchronnego wcielenia kapitana do niemieckiej marynarki wojennej, szybki rzut oka na mapę ujawnia, że “wspinaczka na każdą górę” z Salzburga…. wylądowałaby w Niemczech. (Oni rzeczywiście pojechali pociągiem.)
3. Fiorello! (1959)
Burmistrz Nowego Jorku Fiorello H. LaGuardia przemawia do mieszkańców Nowego Jorku w swoim programie radiowym w 1940 roku (po lewej); plakat Urzędu Mieszkaniowego Miasta Nowy Jork z lat 1936-1938 noszący nazwisko burmistrza LaGuardii (po prawej)
W przeciwieństwie do Rodgersa i Hammersteina, kreatywny zespół stojący za nagrodzonym Pulitzerem musicalem Fiorello z 1959 roku był o wiele bardziej ograniczony w swojej zdolności do podejmowania twórczej licencji. Nie tylko ich sceneria – Nowy Jork na początku XX wieku – była naturalnie znana publiczności Broadwayu w sposób, w jaki Salzburg czy Syjam nie były, ale ich tytułowy bohater, burmistrz Nowego Jorku Fiorello H. LaGuardia, był jedną z najbardziej znanych postaci publicznych w historii miasta.
W Fiorello! dramatopisarze Jerome Weidman i George Abbott, autor tekstów Sheldon Harnick i kompozytor Jerry Bock skupiają się na życiu LaGuardii zanim został burmistrzem: od jego wczesnej pracy jako prawnika reprezentującego strajkujących pracowników odzieżowych, przez służbę wojskową w I Wojnie Światowej, po czas w Kongresie i pierwszy, nieudany start w wyborach na burmistrza.
Znany jako “Mały Kwiatek”, LaGuardia sprawował swój urząd przez trzy kadencje, od 1934 do 1945 roku, i pozostaje jednym z najbardziej popularnych burmistrzów w historii Nowego Jorku. Jako postępowy republikanin, który wspierał Nowy Ład, La Guardia odmienił miasto tak, jak niewielu burmistrzów uczyniło to wcześniej (lub uczyniło od tamtego czasu). W czasie swojego urzędowania zmierzył się z zakorzenioną siłą nowojorskiej niesławnej machiny politycznej Tammany Hall, nadzorował utworzenie Nowojorskiego Urzędu Mieszkaniowego (New York City Housing Authority), aby stworzyć nowe, przystępne cenowo mieszkania, i znacznie rozbudował infrastrukturę miasta dzięki nowym drogom, parkom i lotniskom.
“Politics and Poker,” z oryginalnego broadwayowskiego nagrania obsady Fiorello!
Zainteresowanie Fiorello! tym, co można uznać za drobną politykę lokalną, odzwierciedla centralne miejsce Nowego Jorku w teatrze muzycznym. Przez ponad sto pięćdziesiąt lat “Broadway” był synonimem profesjonalnego teatru, a dziesiątki musicali rozgrywały się w tym mieście. W rzeczywistości sam LaGuardia pomógł scementować związek między Nowym Jorkiem a teatrem, kiedy jego administracja założyła szkołę publiczną, aby szkolić przyszłych aktorów, artystów i muzyków w 1936 roku – dziś Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts.
4. 1776 (1969)
“The Declaration of Independence, July 4, 1776”, autorstwa Johna Trumbulla.
Zważywszy na polityczne i kulturowe rozłamy, które dzieliły Amerykę w 1969 roku, tym bardziej szokujące jest, że 1776 był hitem wśród publiczności wszystkich przekonań. Jednak poruszająca dramatyzacja podpisania Deklaracji Niepodległości autorstwa Shermana Edwardsa i Petera Stone’a była prawdziwą sensacją, wystawianą przez 1217 spektakli na Broadwayu i zapoczątkowała adaptację filmową w 1972 roku.
1776 przedstawia Ojców Założycieli jako złożonych, pełnych wad mężczyzn, których osobowości ścierały się niemal tak często, jak ich ideały. John Adams, błyskotliwy, pryncypialny i “obrzydliwy i nielubiany” w równych proporcjach, harangues, cajoles, i coaxes jego kolegów delegatów do wspierania amerykańskiej niepodległości. Pomagają mu w tym przebiegły, jowialny Benjamin Franklin i utalentowany, ale zakochany Thomas Jefferson. Przedstawiony jako dzieło dramatycznego realizmu, z wieloma liniami zaczerpniętymi bezpośrednio z prawdziwych pism bohaterów, 1776 przemówił zarówno do republikanów, jak i demokratów, z każdą stroną twierdzącą, że przesłanie musicalu jest ich własnym przesłaniem.
“Cool, Cool, Considerate Men,” ze ścieżki dźwiękowej filmowej adaptacji 1776 z 1972 roku. Chociaż piosenka została nagrana i sfilmowana, została wycięta z filmu po tym, jak prezydent Nixon sprzeciwił się jej przedstawieniu konserwatystów.
Ale nawet 1776 nie mógł uciec od partyzanckiej polityki epoki całkowicie bez szwanku. Kiedy prezydent Richard Nixon zaprosił obsadę do wystawienia spektaklu w Białym Domu na cześć urodzin George’a Washingtona w 1970 roku, jego biuro zażądało, aby usunęli oni trzy z bardziej otwarcie politycznych numerów spektaklu: “Cool, Cool, Considerate Men”, satyryczny menuet w wykonaniu konserwatywnych członków Kongresu Konstytucyjnego; “Molasses to Rum to Slaves”, krytyka północnej hipokryzji w kwestii niewolnictwa ze strony przedstawiciela Karoliny Południowej Johna Rutledge’a; oraz “Momma, Look Sharp”, który opisuje bitwę pod Lexington z perspektywy umierającego żołnierza.
Odlewnia i producenci odepchnęli, nalegając, że będą wykonywać show w całości lub wcale, i w końcu Biały Dom wycofał się. Dwa lata później, jednak, Nixon skutecznie lobbował producenta filmu, wybitnego republikanina, aby “Cool, Cool, Considerate Men” zostało usunięte z wersji filmowej.
5. Evita (1979)
Prawdziwa Eva Perón, wygłaszająca przemówienie w 1951 roku.
Od czasu jej przedwczesnej śmierci w 1952 roku, Eva Perón, była pierwsza dama Argentyny, została przedstawiona we wszystkim, od komiksów do projektu całej dzielnicy, ukształtowanej w jej profilu. Żaden jednak nie miał tak dużego wpływu jak musical Evity kompozytora Andrew Lloyd Webbera i autora tekstów Tima Rice’a, który został otwarty na Broadwayu w 1979 roku po debiucie na West Endzie rok wcześniej.
Fabuła śledzi wzrost Evity z ubóstwa, aby stać się sławną aktorką w Buenos Aires, gdzie spotyka i później poślubia przyszłego prezydenta Juana Peróna. Evita była szalenie popularna wśród biednych, którzy widzieli w niej głównego orędownika w administracji jej męża. Musical został napisany w następstwie prawicowego zamachu stanu, który obalił następczynię Juana Peróna (i trzecią żonę) Isabel, i często oskarżano go o forsowanie antyperonowskiej agendy poprzez postać Che, fikcyjnego everymana, który reprezentuje głos ludu. Wpływ ostrej krytyki Che wobec ambicji i ekstrawagancji Evity został jednak stępiony przez upływ czasu i odwieczną popularność “Don’t Cry For Me, Argentina.”
“Don’t Cry for Me Argentina,” z filmowej adaptacji Evity z 1996 roku.
Podczas gdy polityka Evity pozostaje trudna do oceny, jej miejsce w historii teatru muzycznego jest jednoznaczne. Pierwszy brytyjski musical, który zdobył nagrodę Tony Award dla najlepszego musicalu, zasygnalizował nadejście nowej transatlantyckiej ery na Broadwayu, wraz z importem kilku udanych produkcji z West Endu. Ogromny zakres tych “megamusicali” często wiązał się z rozbudowaną scenerią historyczną: od Upiora w operze Webera (Paryż Belle Epoque), po Miss Saigon (Wietnam Południowy lat 70.) i Les Misérables (Paryż lat 30. XIX wieku), i wymagał coraz bardziej wyszukanych efektów technicznych.
6. Zabójcy (1990)
Trzech z czterech udanych zabójców prezydenta w historii USA: John Wilkes Booth, który dokonał zamachu na prezydenta Abrahama Lincolna (po lewej); Charles Guiteau, który zabił prezydenta Jamesa Garfielda (w środku); i Leon Czolgosz, który zabił Williama McKinleya (po prawej).
Podczas gdy Andrew Lloyd Webber i jego koledzy megamuzyczni impresariowie ożywiali historię na scenie w coraz bardziej wyszukanych spektaklach, Stephen Sondheim stosował zupełnie inne podejście. Jego Off-Broadwayowski spektakl Assassins z 1990 roku odrzuca linearną narrację lub tradycyjną strukturę fabularną w przedstawieniu dziewięciu mężczyzn i kobiet, którzy próbowali zabić prezydenta USA (czterem z nich się udało).
Zamiast tego musical przybiera formę makabrycznej zabawy karnawałowej, w której każdy z bohaterów zajmuje centralne miejsce, aby wyjaśnić swoje motywacje dla swoich strasznych czynów: John Wilkes Booth, który zamordował prezydenta Abrahama Lincolna; Charles Guiteau, który zamordował Jamesa A Garfielda; Leon Czolgosz, który zabił Williama McKinleya; Giuseppe Zangara, który strzelał do prezydenta-elekta Franklina D. Roosevelta; Lee Harvey Oswald, który zabił Johna F. Kennedy’ego; Samuel Byck, który próbował zabić Richarda M. Nixona; Lynette (Squeaky) Fromme i Sara Jane Moore, z których obie próbowały zabić Geralda Forda, oraz John Hinckley, który zastrzelił Ronalda Reagana.
“Everybody’s Got the Right to be Happy”, wykonywany przez broadwayowską odnowioną obsadę Zabójców podczas rozdania nagród Tony w 2004 roku.
Niekonwencjonalna tematyka Zabójców odzwierciedlała rosnącą gotowość twórców musicali do podejmowania trudnych, denerwujących tematów, które normalnie byłyby domeną dramatów niemuzycznych. Tematy historyczne pozwoliły twórcom na eksperymentowanie z nowymi stylami muzycznymi, takimi jak w The Capeman, Paul Simon i laureat literackiej Nagrody Nobla Derek Walcott’s 1998 doo wop musical o morderstwie gangów portorykańskich z 1959 roku, lub The Scottsboro Boys, musical z 2010 roku o dziewięciu Afroamerykanach fałszywie oskarżonych o gwałt na dwóch białych kobietach, który był stylizowany na współczesny minstrel show.
7. Elżbieta (1992)
Portret cesarzowej Austrii Elżbiety z 1865 roku, przedstawiający dwie z jej ikonicznych cech: lśniące brązowe włosy i wąską, ciasno opiętą gorsetem talię.
Teatr muzyczny rozszerzył swoją działalność daleko poza Stany Zjednoczone i Wielką Brytanię. Dzisiaj, nie tylko międzynarodowe trasy są głównym źródłem dochodów dla Broadwayu i West Endu, ale oryginalne musicale są produkowane na całym świecie. Elisabeth, najpopularniejszy niemieckojęzyczny musical wszech czasów, został pierwotnie wyprodukowany w Wiedniu, ale przetłumaczono go na siedem języków i wystawiono dla milionów widzów.
Elisabeth opowiada historię cesarzowej Elżbiety Austriaczki, żony cesarza Franciszka Józefa. Piękna i niespokojna, Elżbieta źle znosiła swoje publiczne obowiązki jako monarchini. Większość historyków jest zgodna co do tego, że prawdopodobnie cierpiała na depresję i poważne zaburzenia odżywiania.
Pomimo (a może właśnie z powodu) jej głęboko nieszczęśliwej egzystencji, “Sisi” (jak brzmiało jej dziecięce przezwisko) jest przedmiotem rozległego przedsięwzięcia kulturalnego. Elżbieta w musicalu dołącza do grona niezliczonych powieści, szalenie popularnej austriackiej trylogii filmowej i całego chałupniczego przemysłu pamiątek z Wiednia. Elżbieta librecisty Michaela Kunze i kompozytora Sylvestra Levaya to melodramat, w którym nasza chorobliwa fascynacja Sisi sięga zenitu.
“Elżbieto, otwórz mi anioła” z przedstawienia Elżbiety z 2002 roku, z angielskimi napisami.
Główny wątek romansu w Elżbiecie to właściwie trójkąt miłosny: między Elżbietą, jej mężem i samą Śmiercią pod postacią przystojnego młodzieńca. Tragedie, które ukształtowały życie Elżbiety – utrata jednej z córek w dzieciństwie, śmierć jedynego syna w wyniku pozornego paktu samobójczego z kochanką – stają się częścią trwającego dziesiątki lat uwodzenia Elżbiety przez Śmierć. Spektakl kończy się, podobnie jak prawdziwe życie Elżbiety, jej zabójstwem z rąk włoskiego anarchisty…. i Śmiercią obejmującą Elżbietę jak kochanka.
8. Leonardo the Musical: A Portrait of Love (1993)
Leonardo da Vinci “Mona Lisa” (po lewej); Zdjęcie lotnicze narodu Nauru na Pacyfiku (po prawej).
Czasami historia stojąca za produkcją musicalu przyćmiewa historię powoływaną do życia na scenie. Tak było z pewnością w przypadku Leonardo the Musical: A Portrait of Love”, mocno fabularyzowanej opowieści o życiu Leonarda Da Vinci, która wyobrażała sobie Mona Lisę jako produkt gorącego romansu między wielkim renesansowym artystą i polimatą a autorką obrazu. Opanowany przez krytyków i publiczność, spektakl został zamknięty po zaledwie kilku tygodniach na londyńskim West End w 1993 roku, pozostawiając niewielki ślad na brytyjskiej scenie.
Jednakże pozostawił trwały wpływ jakieś dziewięć tysięcy mil dalej, na maleńkiej wyspie Nauru na Pacyfiku. Przez dziesięciolecia największym przemysłem Nauru było wydobycie fosforytów, najpierw pod niemieckimi i australijskimi władcami kolonialnymi, a następnie jako niepodległy naród. Chociaż wydobycie fosforytów generowało fenomenalne bogactwo, powodowało intensywne szkody środowiskowe na wyspie, a gdy kopalnie zaczęły się wyczerpywać, urzędnicy państwowi zwrócili się do coraz bardziej dziwacznych planów dywersyfikacji portfela wyspy.
“Let me Be a Part of Your Life,” z Leonardo the Musical: A Portrait of Love.
Leonardo the Musical był pomysłem Duke’a Minksa, byłego roadie dla brytyjskiego zespołu pop z lat 60-tych, który na nowo wymyślił siebie jako jednego z doradców finansowych Nauru. Rząd Nauru zainwestował 4 miliony dolarów w produkcję “Leonardo the Musical” i stracił wszystko. Dziś Nauru jest prawie całkowicie zależne od pomocy zagranicznej, a duża część wyspy nie nadaje się do zamieszkania z powodu skutków wydobycia fosforanów.
9. Bloody Bloody Andrew Jackson (2010) / Hamilton (2015)
Alexander Hamilton (po lewej); Andrew Jackson (po prawej), obaj przedstawieni zupełnie inaczej w ostatnich musicalach noszących ich imiona.
W przebojowym musicalu Hamilton, twórca Lin-Manuel Miranda przedstawił Ojca Założyciela i autora Federalist Papers Alexandra Hamiltona jako imigranta, “bękarta, sierotę, syna dziwki i Szkota”, którego głód wielkości pozostawił głęboki wpływ na Stany Zjednoczone, zanim zginął w pojedynku z Aaronem Burrem w 1804 roku. Z obsadą złożoną prawie w całości z kolorowych aktorów i partyturą, która zawierała hip-hop i muzykę R&B obok tradycyjnych melodii show, Hamilton wydawał się kwintesencją produkcji kulturalnej ery Obamy – szczególnie biorąc pod uwagę, że Miranda po raz pierwszy wykonał wybór z przedstawienia na White House Poetry Jam w 2009 roku.
Podczas gdy Hamilton uosabia młodzieńczy optymizm i różnorodność projektu politycznego Obamy, Bloody Bloody Andrew Jackson z 2010 roku dostarcza muzycznej ścieżki dźwiękowej do globalnego wzrostu natywistycznego populizmu ostatniej dekady. Z książką Alexa Timbersa oraz muzyką i tekstami Michaela Friedmana, Bloody Bloody Andrew Jackson jest niepoważną relacją o powstaniu siódmego prezydenta Ameryki, zuchwałego outsidera, który podważył ówczesny polityczny establishment obietnicami “odebrania kraju” i “wystąpienia przeciwko elitom”.”
“Populism, Yea, Yea!” z oryginalnej broadwayowskiej obsady Bloody Bloody Andrew Jackson.
Although the show portretuje Jacksona jako żywą, charyzmatyczną gwiazdę rocka, to jest dalekie od hagiografii, i nie unika bardziej kontrowersyjnych aspektów rekordu Jacksona. Rzeczywiście, czyniąc Jacksona przekonującą postacią, spektakl podkreśla niepokojący fakt, że większość białych Amerykanów była współwinna (lub przynajmniej szeroko aprobowała) wydalenia rdzennych Amerykanów przez administrację Jacksona.
10. Newsies (2012)
Młode dzieci zbierające gazety do sprzedaży na ulicach Nowego Jorku w 1910 roku.
Tradycyjnie, Broadway służył jako płodne źródło musicali do przełożenia na srebrny ekran. Podczas gdy wielkobudżetowe adaptacje filmowe nadal się zdarzają, upadek musicalu filmowego zbiegł się ze wzrostem produkcji teatralnych, które zostały zaadaptowane z filmów.
Newsies jest jedną z takich hybryd Hollywood-to-Broadway. Ta porywająca opowieść o prawdziwym życiu dziecięcych sprzedawców gazet, którzy strajkowali w 1899 roku o lepszą płacę, rozpoczęła życie jako film akcji z 1992 roku z Christianem Bale’em w roli głównej. Film okazał się kasową klapą, ale zyskał miano kultowego wśród młodych entuzjastów teatru, a dwie dekady później po raz pierwszy trafił na scenę, gdzie dramaturg Harvey Fierstein napisał nową historię do oryginalnej muzyki i tekstów Alana Menkena i Jacka Feldmana.
“The World Will Know,” z filmowej wersji Newsies z 1992 roku.
W obu wersjach Newsies, większość postaci kioskarzy jest wymyślona, ale ich antagonista był prawdziwy: Joseph Pulitzer, wydawca New York World, który dążył do utrzymania marż zysku poprzez podniesienie cen dla swoich młodych dystrybutorów. Fabularyzowany strajk kończy się interwencją Theodore’a Roosevelta, który przekonuje wydawcę do wycofania się. W rzeczywistości jednak kioskarzom udało się wywalczyć ustępstwa, które zwiększyły ich zarobki, bez żadnego wygodnego deus ex machina w trzecim akcie. W czasach, gdy aktywizm młodzieży w kwestiach takich jak kontrola broni i zmiany klimatyczne zdradza niechęć do czekania, aż starsze pokolenia nadrobią zaległości, radykalna spontaniczność młodych bohaterów Newsies czuje się bardziej istotna niż kiedykolwiek.
–Posted June 9, 2019