Jazz fusion to gatunek muzycznej fuzji, który rozwinął się z połączenia rytmów funk i rhythm and blues oraz amplifikacji i efektów elektronicznych muzyki rockowej, sygnatur czasowych pochodzących z muzyki niezachodniej i rozbudowanych, typowo instrumentalnych kompozycji z jazzowym podejściem do długich improwizacji grupowych, często z wykorzystaniem instrumentów dętych i blaszanych oraz prezentujących wysoki poziom techniki instrumentalnej. Powstał około końca lat 60. Termin “jazz rock” jest często używany jako synonim dla “jazz fusion”, jak również dla muzyki wykonywanej przez zespoły rockowe z końca lat 60-tych i 70-tych, które dodały elementy jazzowe do swojej muzyki. Różni się on od Canterbury Sceneprogressive rock i innych form Prog Jazz Fusion, w których rozbudowane instrumentale Prog wykorzystują improwizację i nabierają jazzowego charakteru. Po dekadzie popularności w latach 70-tych, fusion rozszerzył swoje improwizacyjne i eksperymentalne podejście w latach 80-tych i 90-tych. Albumy fusion, nawet te, które są tworzone przez tę samą grupę lub artystę, mogą zawierać różne style. Zamiast być skodyfikowanym stylem muzycznym, fuzja może być postrzegana jako tradycja muzyczna lub podejście.
Spis treści
- 1 Historia
- 1.1 Lata sześćdziesiąte
- 1.1.1 Jazz-rock
- 1.2 Lata siedemdziesiąte
- 1.3 Lata osiemdziesiąte
- 1.3.1 Smooth jazz
- 1.3.2 Inne style
- 1.4 Lata 1990-2000
- 1.1 Lata sześćdziesiąte
- 2 Wpływ na muzykę rockową
- 3 Wpływowe nagrania
- 4 Zobacz też
- 5 Referencje
- 6 Further reading
- 7 Linki zewnętrzne
.
Historia
Lata sześćdziesiąte
Allmusic Guide stwierdza, że “do około 1967r, światy jazzu i rocka były prawie całkowicie oddzielone”. Podczas gdy w USA nowoczesny jazz i elektryczne R&B może reprezentować przeciwległe bieguny bluesa opartego na muzyce afroamerykańskiej, jednak brytyjska muzyka pop boomu beat opracowany z skiffle i R&Bchampion przez znanych jazzmanów, takich jak Chris Barber. Wielu brytyjskich muzyków pop było przesiąkniętych jazzem, choć samo słowo “rock” było prawie nieużywane przed późnymi latami 60-tymi, z wyjątkiem odniesienia do rock and rolla z lat 50-tych. Wybitny gitarzysta fusion John McLaughlin, na przykład, grał to, co Allmusic opisuje jako “mieszankę jazzu i amerykańskiego R&B” z Georgie Fame i Blue Flames już w 1962 roku i kontynuował z The Graham Bond Organisation (z Jackiem Bruce i Gingerem Bakerem), którego styl Allmusic nazywa “rhythm & bluesem z silnym jazzowym posmakiem”. Bond sam zaczął grać prosty jazz z Don Rendell podczasManfred Mann, który nagrał Cannonball Adderley melodię na ich pierwszym albumie, gdy dołączył Bruce okazało 1966 EP płyta Instrumental Asylum, który niewątpliwie fuzji jazzu i rocka. Jeden z najwcześniejszych wydań z Pink Floyd, London ’66-’67, jest uważany za wczesny przykład gatunku jazz fusion, włączając improwizację pod wpływem jazzu do ich psychodelicznych kompozycji.
Niemniej jednak, te zmiany miały niewielki wpływ w Stanach Zjednoczonych. Wibrafonista jazzowy Gary Burton był “innowatorem” w latach 60-tych. W 1967 roku Burton współpracował z gitarzystą Larrym Coryellem i nagrał płytę Duster, która jest uważana za jedną z pierwszych płyt fusion. Urodzony w Teksasie gitarzysta Coryell był również pionierem elektrycznego jazzu w tej samej epoce. Trębacz i kompozytor Miles Davis wywarł duży wpływ na rozwój jazz fusion swoim albumem z 1968 roku zatytułowanym Miles in the Sky. Jest to pierwszy z albumów Davisa, na którym znalazły się instrumenty elektryczne, a Herbie Hancock i Ron Carter grali odpowiednio na fortepianie elektrycznym i gitarze basowej. Davis kontynuował swoje poszukiwania w zakresie wykorzystania instrumentów elektrycznych na innym albumie z 1968 roku, Filles de Kilimanjaro, z pianistą Chick Corea i basistą Dave Holland.
Davis wprowadził podejście do instrumentów elektrycznych do jazzu z 1969 roku In a Silent Way, który jest uważany za pierwszy album fusion Davisa. Złożony z dwóch długich suit, mocno edytowanych przez producenta Teo Macero, ten spokojny, statyczny album będzie miał równie duży wpływ na rozwój muzyki ambient. Na płycie znaleźli się muzycy, którzy w latach 70. rozpowszechniali fusion w swoich własnych grupach: Shorter, Hancock, Corea, pianista Josef Zawinul, John McLaughlin, Holland i Williams. Williams odszedł od Davisa, by wraz z McLaughlinem i organistą Larrym Youngiem założyć grupę The Tony Williams Lifetime. Ich debiutancka płyta z tego samego roku Emergency! jest również cytowana jako jeden z wczesnych uznanych albumów fusion.
Jazz-rock
Termin, “jazz-rock” (lub “jazz/rock”) jest często używany jako synonim terminu “jazz fusion”. Jednakże, niektórzy rozróżniają te dwa terminy. The Free Spirits jest czasem wymieniany jako najwcześniejszy zespół jazz-rockowy. W późnych latach 60-tych, w tym samym czasie, gdy muzycy jazzowi eksperymentowali z rockowymi rytmami i instrumentami elektrycznymi, grupy rockowe takie jak Cream i Grateful Dead “zaczęły włączać elementy jazzu do swojej muzyki” poprzez “eksperymentowanie z rozszerzoną improwizacją w swobodnej formie”. Inne “grupy, takie jak Blood, Sweat & Tears bezpośrednio zapożyczały elementy harmoniczne, melodyczne, rytmiczne i instrumentalne z tradycji jazzowej”.
The Grateful Dead w 1970 roku. Ich muzyka wyrosła z bluegrass jug band i psychodelicznej sceny rockowej Bay Area, ale wzrosła do włączenia improwizacji jazzowych i groove w 1970 roku, wpływając na kolejne pokolenia jam bands.
Grupy rockowe, które czerpały z pomysłów jazzowych (jak Soft Machine, Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago, Spirit i Frank Zappa) zwrócił mieszankę dwóch stylów z instrumentami elektrycznymi. Fusion jazz Davisa był “czystą melodią i kolorem tonalnym”, podczas gdy muzyka Franka Zappy była bardziej “złożona” i “nieprzewidywalna”. Zappa wydał solowy album Hot Rats (1969). i miał duży wpływ na jazz, głównie polegający na długich utworach instrumentalnych, a później wydał również dwa albumy w 1972 roku, które były bardzo zorientowane na jazz o nazwie The Grand Wazoo i Waka/Jawaka. Prolificy jazzowi tacy jak George Duke i Aynsley Dunbar grali na tych LP.
Allmusic stwierdza, że termin jazz-rock “może odnosić się do najgłośniejszych, najdzikszych, najbardziej zelektryfikowanych zespołów fusion z obozu jazzowego, ale najczęściej opisuje wykonawców pochodzących z rockowej strony równania.” Przewodnik stwierdza, że “jazz-rock po raz pierwszy pojawił się pod koniec lat 60-tych jako próba połączenia trzewnej siły rocka z muzyczną złożonością i improwizacyjnymi fajerwerkami jazzu. Ponieważ rock często przedkładał bezpośredniość i prostotę nad wirtuozerię, jazz-rock generalnie wyrósł z najbardziej ambitnych artystycznie podgatunków rocka końca lat 60-tych i początku 70-tych: psychodelii, rocka progresywnego i ruchu singer/songwriter.”
Allmusic wymienia następujące kategorie jazz-rock:
- Singer-songwriter jazz-rock (Joni Mitchell, Van Morrison, Tim Buckley)
- Grupy rockowe zorientowane na jam- i improwizację (Traffic, Santana, Cream),
- Jazz-flavored R&B lub pop piosenki z mniej improwizacji (Blood, Sweat & Tears, Chicago, Steely Dan, Lighthouse)
- Grupy z “quirky, wyzwanie, nieprzewidywalnymi kompozycjami” (Frank Zappa, Soft Machine, Hatfield and the North)
Lata siedemdziesiąte
Trumpeter Miles Davis występujący w Rio de Janeiro w 1984 roku
Sesje Bitches Brew Davisa, nagrane w sierpniu 1969 roku i wydane w następnym roku, w większości porzuciły zwyczajowy dla jazzu rytm swingu na rzecz rockowego backbeatu zakotwiczonego w groovie elektrycznego basu. Nagranie “…mieszało free jazzowe uderzenia dużego zespołu z elektronicznymi klawiszami i gitarą, plus gęstą mieszankę perkusji.” Davis czerpał również z wpływów rocka, grając na trąbce za pomocą elektronicznych efektów i pedałów. Podczas gdy album dał Davisowi złotą płytę, użycie instrumentów elektrycznych i rockowych bitów wywołało dużą konsternację wśród niektórych bardziej konserwatywnych krytyków jazzowych.
Davis okazał się również zdolnym łowcą talentów; wiele z fusion lat 70. było wykonywanych przez zespoły założone przez absolwentów zespołów Davisa, w tym The Tony Williams Lifetime, Weather Report, The Mahavishnu Orchestra, Return to Forever, a także funkowy zespół Herbiego Hancocka Headhunters. Poza Davisem i współpracującymi z nim muzykami, ważnymi postaciami wczesnego fusion byli także Larry Coryell i Billy Cobham ze swoim albumem Spectrum. Herbie Hancock najpierw kontynuował drogę Milesa Davisa swoimi eksperymentalnymi albumami fusion, takimi jak Crossings z 1972 roku, ale wkrótce potem stał się ważnym twórcą “jazz-funku” ze swoimi przełomowymi albumami Head Hunters z 1973 roku i Thrust z 1974 roku. W późniejszych latach 70. i na początku 80. Hancock przyjął bardziej komercyjne podejście. Hancock był jednym z pierwszych muzyków jazzowych do korzystania z syntezatorów.
Weather Report rozpoczął jako grupa eksperymentalna, ale w końcu zdobył ogromną popularność
Na jego początku, Weather Report był awangardowy eksperymentalny zespół jazzowy, idąc w ślady In A Silent Way. Zespół otrzymał znaczną uwagę za swoje wczesne albumy i występy na żywo, które zawierały utwory, które mogły trwać do 30 minut. Później zespół wprowadził bardziej komercyjne brzmienie, co można usłyszeć w przeboju Joe Zawinula “Birdland”. Albumy Weather Report były również pod wpływem różnych stylów muzyki latynoskiej, afrykańskiej i europejskiej, oferując wczesną odmianę world music fusion. Jaco Pastorius, innowacyjny basista fretlesselectric, dołączył do grupy w 1976 roku na albumie “Black Market”, był współproducentem (z Zawinulem) albumu “Heavy Weather” z 1977 roku, a w 1979 roku pojawił się na nagraniu koncertowym “8:30”. Heavy Weather jest najlepiej sprzedającym się albumem tego gatunku.
W Anglii, ruch jazz fusion był kierowany przez Nucleus, prowadzony przez Iana Carra, i którego kluczowi gracze Karl Jenkins i John Marshall obaj później dołączyli do przełomowego zespołu jazz-rockowego Soft Machine, liderów tego, co stało się znane jako scena Canterbury. Ich najlepiej sprzedające się nagranie, Third (1970), było podwójnym albumem z jednym utworem na stronę, utrzymanym w stylu wspomnianych nagrań Milesa Davisa. Wybitnym angielskim zespołem w jazz-rockowym stylu Blood, Sweat & Tears i Chicago był If, który w latach 70. wydał w sumie siedem płyt.
Fusion zespół Return to Forever w 1976 roku
Chick Corea założył swój zespół Return to Forever w 1972 roku. Zespół rozpoczął działalność od muzyki o wpływach latynoskich (m.in. Brazylijczycy Flora Purim jako wokalistka i Airto Moreira na perkusji), ale w 1973 roku został przekształcony w grupę jazz-rockową, która czerpała wpływy zarówno z rocka psychodelicznego, jak i progresywnego. Nowym perkusistą zespołu został Lenny White, który grał również z Milesem Davisem. Utwory Return to Forever były wyraźnie melodyjne dzięki stylowi kompozytorskiemu Corei i grze na basie Stanleya Clarke’a, który często uważany jest wraz z Pastoriusem za najbardziej wpływowego basistę elektrycznego lat 70-tych. Gitarzysta Bill Connors dołączył do zespołu Corei w 1973 roku, ale wkrótce opuścił go dla swojego akustycznego projektu solowego. Zastąpił go gitarzysta Al Di Meola, który stał się również ważnym gitarzystą fusion.
Francuski skrzypek jazzowy Jean-Luc Ponty występował zarówno na skrzypcach akustycznych, jak i na wzmocnionych, modyfikowanych efektami elektronicznymi skrzypcach elektrycznych
John McLaughlin utworzył zespół fusion, Mahavishnu Orchestra, z perkusistą Billym Cobhamem, skrzypkiem Jerrym Goodmanem, basistą Rickiem Lairdem i klawiszowcem Janem Hammerem. Zespół wydał swój pierwszy album, The Inner Mounting Flame, w 1971 roku. Hammer był pionierem w wykorzystaniu syntezatora Minimoog z efektami distortion, a dzięki opanowaniu pokrętła pitch bend nadał mu brzmienie bardzo zbliżone do gitary elektrycznej. Na brzmienie Mahavishnu Orchestra wpływ miał zarówno psychodeliczny rock, jak i klasyczne indyjskie dźwięki.
Pierwszy skład zespołu rozpadł się po dwóch albumach studyjnych i jednym albumie koncertowym, ale McLaughlin utworzył kolejną grupę pod tą samą nazwą, w skład której wchodzili Jean-Luc Ponty, skrzypek jazzowy, który dokonał również wielu ważnych nagrań fusion pod własnym nazwiskiem, jak również z Frankiem Zappą, perkusista Narada Michael Walden, klawiszowiec Gayle Moran i basista Ralph Armstrong. McLaughlin pracował również z gitarzystą Latin-rock Carlos Santana na początku 1970s.
Początkowo Santana’s San Francisco zespół z siedzibą w San Francisco mieszanka salsy łacińskiej, rock, blues, i jazz, featuring Santana’s czyste linie gitarowe zestawione z łacińskiej instrumentacji, takich jak timbalesand congas. Ale w ich drugim wcieleniu, wpływy fusion stały się centralnym elementem zespołu Santany w latach 1972-1976. Można je wyraźnie usłyszeć w użyciu przez Santanę rozszerzonych improwizowanych solówek i w harmonicznych voicings w grze na keyboardzie Toma Costera na niektórych nagraniach grupy z połowy lat 70-tych. W 1973 roku Santana nagrał prawie dwugodzinny album na żywo, głównie instrumentalny, jazz-fusion, Lotus, który został wydany tylko w Europie i Japonii przez ponad dwadzieścia lat.
Inni wpływowi muzycy, którzy wyłonili się z ruchu fusion w latach 70. to gitarzysta fusion Larry Coryell z jego zespołem The Eleventh House, i gitarzysta elektryczny Pat Metheny. The Pat Metheny Group, która powstała w 1977 roku, dzięki swojemu drugiemu albumowi, American Garage (1980), trafiła zarówno na listy przebojów jazzowych, jak i popowych. Chociaż wykonawcy jazzowi krytykowali ruch fusion za wykorzystywanie rockowych stylów oraz elektrycznych i elektronicznych instrumentów, nawet doświadczeni weterani jazzu, tacy jak Buddy Rich, Maynard Ferguson i Dexter Gordon, w końcu zmodyfikowali swoją muzykę tak, aby zawierała elementy fusion. Wpływ jazz fusion nie ograniczał się tylko do USA i Europy. W późnych latach 70-tych gatunek ten był bardzo wpływowy w Japonii, co doprowadziło do powstania zespołów Casiopea i T-Square. Utwór “Truth” grupy T-Square stał się później motywem przewodnim japońskich wyścigów Formuły 1. Pod koniec lat 70-tych pojawił się Steve Morse, prowadzony przez niego zespół fusion, The Dixie Dregs. Ten zespół był godny uwagi za bycie pierwszym zespołem do równego połączenia dźwięków rocka, jazzu, country, funk, klasyki, bluegrass i Celtic w rodzaj jednolitej całości, wyróżniając je od wszystkich innych aktów fusion z 1970s.
1980s
Smooth jazz
Main article: Smooth Jazz
Do wczesnych lat 80. wiele z oryginalnego gatunku fusion zostało podporządkowanych innym gałęziom jazzu i rocka, zwłaszcza smooth jazzowi, podgatunkowi jazzu, na który stylistycznie wpływają R&B, funk i pop. Smooth jazz można prześledzić do co najmniej późnych lat 60-tych. Producent Creed Taylor pracował z gitarzystą Wes Montgomery na trzech popularnych płyt. Taylor założył CTI Records. Wielu uznanych wykonawców jazzowych nagrywało dla CTI (m.in. Freddie Hubbard, Chet Baker, George Benson i Stanley Turrentine). Płyty nagrane pod kierunkiem Taylora były zazwyczaj skierowane tak samo do publiczności pop, jak i do fanów jazzu.
W połowie lub pod koniec lat 70-tych, smooth jazz został ustanowiony jako komercyjnie opłacalny gatunek. Jej pionierami byli tacy artyści jak Lee Ritenour, Larry Carlton, Grover Washington, Jr, Spyro Gyra (z utworami takimi jak “Morning Dance”), George Benson, Chuck Mangione, Sérgio Mendes, David Sanborn, Tom Scott, Dave i Don Grusin, Bob James i Joe Sample.
David Sanborn miał ciąg przebojów crossover w latach 80-tych.
Fuzja jazzu i muzyki pop/rock przyjęła bardziej komercyjny kierunek w późnych latach 70-tych i wczesnych 80-tych, w postaci kompozycji z bardziej miękką paletą dźwięków, które mogły zmieścić się wygodnie w soft rockowej playliście radiowej. Allmusic przewodnik artykuł na Fusion stwierdza, że “niestety, jak to stało się money-maker i jak rock spadła artystycznie od połowy lat 70-tych na, wiele z tego, co zostało oznaczone fusion było faktycznie połączenie jazzu z łatwym słuchania muzyki pop i lekki R&B.”
Artyści tacy jak Al Jarreau, Kenny G, Ritenour, James i Sanborn między innymi były wiodącymi purveyors tego popu zorientowanych mieszaniny (znany również jako “west coast” lub “AOR fusion”). Ten gatunek jest najczęściej nazywany “smooth jazz” i nie jest uważany za “True Fusion” wśród słuchaczy zarówno głównego nurtu jazzu i jazz fusion, którzy uważają, że rzadko zawierają improwizacyjne jakości, które pierwotnie pojawiły się w jazzie dekady wcześniej, deferring do bardziej komercyjnie opłacalne dźwięku szerzej włączone do komercyjnego radia airplay w Stanach Zjednoczonych.
Michael i Randy Brecker produkowane funk-influenced jazz z solistami Saksofonista David Sanborn został uznany za “soulful” i “wpływowy” głos. Kenny G był jednak często krytykowany zarówno przez fanów fusion i jazzu, jak i przez niektórych muzyków, choć stał się ogromnym sukcesem komercyjnym. Recenzent muzyczny George Graham twierdzi, że “tak zwany ‘smooth jazz’ dźwięk ludzi takich jak Kenny G ma żadnego z ognia i kreatywności, które oznaczone najlepsze z sceny fusion podczas jego rozkwitu w 1970s”.
Inne style
Although znaczenie “fusion” stało się mylone z nadejściem “smooth jazz”, kilka grup pomogło ożywić gatunek jazz fusion począwszy od połowy do końca lat 80-tych. W latach 80. jeden z krytyków stwierdził, że “… obietnica fusion nie została spełniona do pewnego stopnia, chociaż nadal istniała w grupach takich jak Tribal Tech i Chick Corea’s Elektric Band”. Wiele z najbardziej znanych artystów fusion byli członkami wcześniejszych grup jazz fusion, a niektóre z fusion “gigantów” z lat 70. nadal pracował w gatunku.
Miles Davis kontynuował karierę po długiej przerwie w późnych latach 70. Nagrywał i wykonywał fusion przez całe lata 80. z nowymi młodymi muzykami i nadal ignorował krytykę ze strony fanów jego starszego jazzu głównego nurtu. Podczas gdy twórczość Davisa z lat 80. pozostaje kontrowersyjna, jego nagrania z tego okresu cieszą się szacunkiem wielu słuchaczy fusion i nie tylko. W 1985 roku Chick Corea utworzył nowy zespół fusion o nazwie Chick Corea Elektric Band, z udziałem młodych muzyków, takich jak perkusista Dave Weckl i basista John Patitucci, a także gitarzysta Frank Gambale i saksofonista Eric Marienthal.
Lata 1990-2000s
Joe Zawinul’s fusion band, The Zawinul Syndicate, zaczął dodawać więcej elementów muzyki światowej w latach 90. Jednym z godnych uwagi zespołów, które stały się znaczące na początku lat 90. jest Tribal Tech, prowadzony przez gitarzystę Scotta Hendersona i basistę Gary’ego Willisa. Henderson był członkiem zespołów Corei i Zawinula pod koniec lat 80-tych, a jednocześnie tworzył swoją własną grupę. W najczęstszym składzie Tribal Tech występuje również klawiszowiec Scott Kinsey i perkusista Kirk Covington – Willis i Kinsey nagrywali już solowe projekty fusion. Henderson występował również w projektach fusion perkusisty Steve’a Smitha z Vital Informationwhich również basisty Victora Wootena z eklektycznego Bela Fleck and the Flecktones, nagrywając pod szyldem Vital Tech Tones.
Allan Holdsworth jest gitarzystą, który występuje w stylach jazzu, fusion i rocka. Inni gitarzyści, tacy jak Eddie Van Halen, Steve Vai i Yngwie Malmsteen chwalili jego grę w stylu fusion. W swoich nagraniach z końca lat 80-tych często używał syntezatora SynthAxeguitar, który jak sam twierdzi, poszerzył jego możliwości kompozytorskie i wykonawcze. Holdsworth kontynuuje wydawanie nagrań fusion i koncertuje na całym świecie. Inny były gitarzysta Soft Machine, Andy Summers z The Police, wydał kilka albumów fusion na początku lat 90-tych.
Gitarzyści John Scofield i Bill Frisell dokonali nagrań fusion w ciągu ostatnich dwóch dekad, jednocześnie eksplorując inne style muzyczne. Pick Hits Live i Still Warm Scofielda są przykładami fusion, podczas gdy Frisell zachował unikalne podejście do czerpania silnych wpływów z tradycyjnej muzyki Stanów Zjednoczonych. Japoński gitarzysta fusion Kazumi Watanabe wydał liczne albumy fusion w latach 80. i 90. XX wieku, podkreślone przez jego dzieła takie jak Mobo Splash i Spice of Life.
Brett Garsed i T. J. Helmerich są również postrzegani jako wybitni gitarzyści fusion, wydając wspólnie kilka albumów od początku lat 90-tych (Quid Pro Quo (1992), Exempt (1994), Under the Lash of Gravity (1999), Uncle Moe’s Space Ranch (2001), Moe’s Town (2007)) oraz współpracując w wielu innych projektach lub wydając albumy solowe (Brett Garsed – Big Sky) wszystkie mieszczące się w tym gatunku.
Saksofonista Bob Berg, który początkowo zyskał sławę jako członek zespołów Milesa Davisa, nagrał kilka albumów fusion z kolegą z zespołu Milesa i gitarzystą Mike’em Sternem. Stern kontynuuje regularne granie fusion w Nowym Jorku i na całym świecie. Często współpracują ze światowej sławy perkusistą Dennisem Chambersem, który również nagrał swoje własne albumy fusion. Chambers jest również członkiem zespołu CAB, prowadzonego przez basistę Bunny’ego Brunela, w którym na gitarze i instrumentach klawiszowych gra Tony MacAlpine. CAB 2 zdobył nominację do nagrody Grammy w 2002 roku. MacAlpine jest również gitarzystą grupy Planet X, w której skład wchodzą klawiszowiec Derek Sherinian i perkusista Virgil Donati. Innym byłym członkiem zespołów Milesa Davisa z lat 80., który wydał szereg nagrań fusion, jest saksofonista Bill Evans, z których najważniejszym jest “Petite Blonde” z 1992 roku.
Gitarzysta shred fusion i muzyk sesyjny Greg Howe wydał solowe albumy takie jak Introspection (1993), Uncertain Terms (1994), Parallax (1995), Five (1996), Ascend (1999), Hyperacuity (2000),Extraction (2003) z elektrycznym basistą Victorem Wootenem i perkusistą Dennisem Chambersem oraz Sound Proof (2008). Howe łączy elementy rocka, bluesa i muzyki latynoskiej z wpływami jazzu, stosując techniczny, ale melodyjny styl gry na gitarze. Były perkusista Dream Theater Mike Portnoy założył zespół Liquid Tension Experiment z gitarzystą Johnem Petruccim, klawiszowcem Jordanem Rudessem i gitarzystą basowym Tonym Levinem. Ich styl łączył złożone rytmy jazz fusion i rocka progresywnego wraz z ciężkim brzmieniem progresywnego metalu.
Zespół Parallel Realities perkusisty Jacka DeJohnette’a, w którym znaleźli się wychowankowie Milesa – Dave Holland i Herbie Hancock oraz Pat Metheny, nagrał i odbył trasę koncertową w 1990 roku, uświetnioną przez DVD z występem na żywo na Mellon Jazz Festival w Filadelfii. Jazzowy basista Christian McBride wydał dwie płyty fusion czerpiące z jazzowo-funkowego idiomu – Sci-Fi (2000) i Vertical Vision (2003). Inne znaczące ostatnie wydania fusion pochodzą z klawiszowiec Mitchel Forman i jego zespół Metro, były basista Mahavishnu Jonas Hellborg z późnym wirtuozem gitary Shawn Lane, i klawiszowiec Tom Coster i Marbinwith ich unikalną mieszankę jazzu, rocka, bluesa, gospel i izraelskiej muzyki ludowej.
Wpływ na muzykę rockową
Według basisty/śpiewaka Randy’ego Jacksona, jazz fusion jest niezwykle trudnym gatunkiem do grania; “Wybrałem jazz fusion, ponieważ próbowałem stać się ostatecznym technicznym muzykiem – zdolnym do grania wszystkiego. Jazz fusion jest dla mnie najtrudniejszą muzyką do zagrania. Musisz być tak biegły w grze na swoim instrumencie. Na przykład grać w pięciu tempach w tym samym czasie. Chciałem spróbować najtrudniejszej muzyki, bo wiedziałem, że jeśli mogę to zrobić, mogę zrobić wszystko.”
Technicznie wymagające solówki gitarowe, solówki basowe i dziwne metrum, synkopy perkusyjne zaczęły być włączane do technicznie ukierunkowanego gatunku metalu progresywnego we wczesnych latach 90-tych. Rock progresywny, z jego zamiłowaniem do długich solówek, różnorodnych wpływów, niestandardowych sygnatur czasowych, złożonej muzyki i zmieniających się składów, miał bardzo podobne wartości muzyczne jak jazz fusion. Niektóre wybitne przykłady rocka progresywnego mieszane z elementami fusion jest muzyka Gong, Ozric Tentacles i Emerson, Lake & Palmer.
The death metal zespół Atheist produkowane albumy Unquestionable Presence w 1991 i Elements w 1993 zawierające mocno synkopowane perkusji, zmiany sygnatur czasowych, części instrumentalnych, akustyczne przerywniki i rytmów łacińskich. Meshuggah po raz pierwszy przyciągnęła międzynarodową uwagę wydanym w 1995 roku albumem Destroy Erase Improve za połączenie szybkiego tempa death metalu, thrash metalu i progresywnego metalu z elementami jazz fusion. Cynic, wydając w 1993 roku album Focus, nagrał złożoną, nieortodoksyjną formę eksperymentalnego death metalu z wpływami jazz-fusion. W 1997 roku gitarzystka G.I.T. Jennifer Batten pod szyldem Jennifer Batten’s Tribal Rage: Momentum wydała Momentum – instrumentalną hybrydę rocka, fusion i egzotycznych dźwięków.
Inny, bardziej mózgowy, all-instrumentalny progresywny jazz fusion-metalowy zespół Planet X wydał Universe w 2000 roku z Tonym MacAlpine, Derekiem Sherinianem (ex-Dream Theater) i Virgilem Donati (który grał ze Scottem Hendersonem z Tribal Tech). Zespół łączy solówki gitarowe w stylu fusion i synkopowaną perkusję o dziwnych częstotliwościach z ciężkością metalu. Tech-prog-fusion metalowy zespół Aghora powstał w 1995 roku i wydał swój pierwszy album, zatytułowany Aghora, nagrany w 1999 roku z Seanem Malone i Seanem Reinertem, byłymi członkami Cynic. Gordian Knot, kolejny eksperymentalny zespół progresywno-metalowy związany z Cynic, wydał swój debiutancki album w 1999 roku, który eksplorował szereg stylów od jazz-fusion do metalu. The Mars Volta jest pod ogromnym wpływem jazz fusion, używając progresywnych, nieoczekiwanych zwrotów w schematach perkusyjnych i liniach instrumentalnych. Styl uzbeckiego zespołu progresywnego FromUz określany jest jako “prog fusion”. W długich instrumentalnych jamach, zespół przechodzi od fuzji rocka i ambientu world music do jazzu i progresywnych hard rockowych tonów.
Wpływowe nagrania
Ta sekcja wymienia kilku artystów jazz fusion i albumy, które są uważane za wpływowe przez wybitnych krytyków jazz fusion, recenzentów, dziennikarzy lub historyków muzyki.
Albumy z późnych lat 60-tych i wczesnych 70-tych obejmują Miles Davis’s ambient-sounding In a Silent Way (1969) i jego rock-infused Bitches Brew (1970). Płyta Davisa A Tribute to Jack Johnson (1971) została uznana za “najczystszą elektryczną płytę jazzową, jaka kiedykolwiek powstała” i “jedną z najbardziej niezwykłych płyt jazz-rockowych epoki”. Jego kontrowersyjny album On the Corner (1972) był postrzegany jako silny prekursor muzycznych technik post punk, hip hopu, drum and bass i muzyki elektronicznej. Przez całe lata 70. zespół Weather Report wydawał albumy, począwszy od samodzielnego krążka Weather Report (1971) (który kontynuował styl albumu Milesa Davisa Bitches Brew), a skończywszy na 8:30 z 1979 roku. Zorientowany na latynoską fuzję zespół Return to Forever Chicka Corei wydał wpływowe albumy, takie jak Light as a Feather z 1973 roku. W tym samym roku Herbie Hancock’s Head Hunters połączył jazz-rockową fuzję z dużą dawką funku w stylu Sly and the Family Stone. Ważną rolę w latach 70. odgrywali wirtuozi-kompozytorzy. W 1976 roku basista Jaco Pastorius wydał płytę Jaco Pastorius; basista elektryczny i kontrabasista Stanley Clarke wydał płytę School Days; a klawiszowiec Chick Corea wydał swoją latynoską płytę My Spanish Heart, która otrzymała pięciogwiazdkową recenzję od magazynu Down Beat.
W latach 80-tych Chick Corea wyprodukował dobrze oceniane albumy, w tym The Chick Corea Elektric Band (1986), Light Years (1987) i Eye of the Beholder (1988). Na początku lat 90-tych Tribal Tech wydał dwa albumy, Tribal Tech (1991) i Reality Check (1995). Kanadyjski basista-kompozytor Alain Caron wydał swój album Rhythm ‘n Jazz w 1995 roku. Mike Stern wydał Give and Take w 1997 roku.
Muzyka fusion generalnie otrzymuje niewiele audycji radiowych w Stanach Zjednoczonych, być może ze względu na jej złożoność, zwykle brak wokalu i często wydłużone długości utworów. Europejskie radio jest bardziej przyjazne dla muzyki fusion, a gatunek ten ma również znaczącą popularność w Japonii i Ameryce Południowej. Wiele internetowych stacji radiowych funkcję muzyki fusion, w tym dedykowane kanały w usługach takich jak AOL Radio, Pandora i Yahoo! Launchcast.
.