Każdy certyfikowany fan Phisha powie wam, że Phisha najlepiej słucha się na żywo, ale wydany w 1993 roku album Rift kwartetu z Vermont pozostaje jednym z ich najbardziej cenionych albumów studyjnych.
Rift trafił na półki sklepowe 2 lutego 1993 roku, a między jego mnóstwem klasycznych już utworów Phish (“Maze”, “My Friend, My Friend” i “It’s Ice”, by wymienić tylko kilka) i jego zagadkową, enkapsulującą oprawą graficzną, był szybko sprzedawany zarówno wśród weteranów, jak i żółtodziobów.
W związku z 25. urodzinami albumu, zespół Relix przygotował specjalny sylabus Rift: artykuły, filmy i inne materiały, które pokazują, jak album stał się “obowiązkowym” LP Phisha.
David Welker o największej okładce Phisha: Rift (Relix April/May 2007)
David Welker zakochał się w Phishu na długo przed tym, jak marzył o pokazaniu swojej sztuki na okładce albumu. Ale na początku lat 90-tych, surrealistyczny malarz zdobył rzadką okazję, aby zmienić czyjeś marzenie w trójwymiarową rzeczywistość. “Nigdy wcześniej nie projektowałem okładki albumu, ale zobaczyłem Phisha w Roseland i skontaktowałem się z nimi, by zrobić coś artystycznego” – opowiada Welker. “Tydzień później Trey zadzwonił do mnie z propozycją namalowania okładki Rift.”
Ostre odejście od szaleńczego przeskakiwania po gatunkach, pokazane na wydanym w 1992 roku A Picture of Nectar, Rift ukazuje Phish jako senny album koncepcyjny, którego akcja rozgrywa się we wczesnych godzinach nocnych. “Staraliśmy się zawrzeć wszystkie piosenki, ponieważ Rift był albumem tematycznym o rozstaniu,” mówi Welker. “To był długi proces słuchania piosenek, rozmawiania z zespołem w studiu, tworzenia szkiców i nasączania papieru farbą olejną. To był miesięczny proces z ostrym terminem, który zaowocował dwoma tygodniami szkicowania i 14 dniami bardzo małej ilości snu.”
Chociaż Welker użył siebie jako modela dla centralnej postaci okładki, Anastasio jest odpowiedzialny za nastrój obrazu. “Zapytałem ich konkretnie, jaka powinna być ta postać, a Trey powiedział: ‘Pomyśl o Martinie Sheenie w Apocalypse Now, kiedy przeżywa to załamanie nerwowe w Soigné’. Zrobiłem kilka szkiców, Trey’owi spodobał się jeden z nich i powiedział: ‘Czy możesz go zabarwić na niebiesko? To pomogło oddać ideę bycia niespokojnym w środku nocy.” – Mike Greenhaus
Jako zespół, który stworzył tylko jeden teledysk, projekty wideo Phisha zazwyczaj skłaniają się w stronę self-made i całkowicie irreverant (patrz: ich “Tracking” video dla Hoist). Jednak na potrzeby “Rift” wytwórnia Elekra wyprodukowała poniższy klip promocyjny, który łączy ujęcia z koncertów z na wpół poważnymi wywiadami z zespołem. To wciąż Phish, więc kiedy rozmowa staje się zbyt sucha, Fishman jest tam, aby nauczyć was, jak zrobić zupę Rift.
W tym wywiadzie z 1992 roku, pisarz Matt Goldberg złapał się z Phish jak oni wyruszyli na Spring Tour. Chociaż artykuł został wydrukowany miesiące przed wydaniem Rift, daje on wgląd w żarliwą, płodną erę w Phishtory, jako że zespół zadebiutował niezliczonymi utworami, które miały trafić na wydawnictwo z 1993 roku i omówił rozszerzającą się rolę Chrisa Kurody jako projektanta oświetlenia.
Tej wiosny rozpoczyna się jedna z najbardziej rozległych tras koncertowych w historii Phisha. Wraz z wydaniem w lutym płyty Picture of Nectar, nakładem Elektra Records, ten czteroosobowy zespół z Vermont otrzymuje więcej uwagi, niż był przyzwyczajony przez prawie dekadę wspólnego grania. I są na to gotowi. Stałe wspinanie się po szczeblach muzycznego biznesu przygotowało ich na konsekwencje ich wysoce oryginalnej i prowokacyjnej muzyki.
W 1984 roku, w Goddard College w Vermont, zespół miał “tylko dwóch fanów, Amy i Briana”, jak twierdzi Trey Anastasio – gitarzysta, wokalista i kompozytor większości materiału zespołu. W Sylwestra 1991 roku, Phish świętował swój sukces, który obejmował niedawno podpisany długoterminowy kontrakt z wytwórnią Elektra, z wyprzedanym koncertem w liczącym 3800 miejsc New Auditorium w Worcester, Mass.
W wywiadzie przeprowadzonym dzień po pierwszym koncercie trasy, Trey mówił o tym, że zespół zadebiutował sześcioma nowymi piosenkami – napisanymi i zaaranżowanymi podczas gdy zespół był “na wakacjach” po Nowym Roku. Usłyszenie nowej piosenki Phisha – zagmatwanych akordów i szybkich tekstów – jest wymagającym zadaniem zarówno dla publiczności, jak i dla zespołu. “Prawdopodobnie usłyszycie dziś jeszcze trzy” – powiedział Trey. “Lubimy kontrast i zmiany. To dlatego po krótkich wakacjach wyszliśmy z dziesięcioma nowymi utworami. Nie lubimy osiadać w jednym miejscu.”
Ta niespokojna, kreatywna dynamika elastycznych parametrów prowadzi zespół w takim samym stopniu, jak oni prowadzą go. “Dla mnie,” powiedział Trey, “to było bardzo ekscytujące, muzycznie, przez cały czas. Uczucie przesuwania granic jest najbardziej ekscytującym uczuciem, jakie można mieć – taki jest nasz cel. Ale kiedy już to zrobisz, odtworzenie tego poziomu nie będzie już tak ekscytujące jak wejście na nowy. Musisz spróbować pójść naprzód w innym kierunku. Ciągła zmiana jest tym, co jest ekscytujące.”
Czy mając za sobą ciągle zmieniającą się historię dziesięciu lat, Phish ewoluował w sposób podobny do tego, czego Trey mógł się spodziewać?
“To jest całkowicie nieprzewidywalne,” powiedział Trey. “Mamy krótkoterminowe cele, które nie mają nic wspólnego z Phish. Kiedy jesteśmy w domu na wakacjach, pracuję nad moją grą, komponowaniem akordów i graniem bluesa. Pracuję nad jednym obszarem pisania piosenek, a potem nad innym. Phish jest miejscem, gdzie to wszystko się łączy. “Niezmiennie, Phish eksploruje i redefiniuje swoje parametry poprzez występy, czasami subtelnie, czasami jak świecący statek kosmiczny. Są chwile, kiedy doświadczenie Phisha wydaje się dziać z własnej woli. Piosenki wydają się być pisane na nowo na scenie; innowacja w projektowaniu oświetlenia ma nieprzewidziany wpływ na występ. “W tym sensie wszystko układa się w całość,” powiedział Trey. “Z drugiej strony, tak ciężko pracujemy. Cały czas ćwiczymy; nasza ekipa pracuje jak najęta, kiedy jesteśmy w domu. Paul Languedoc pracował po dziesięć godzin dziennie przez całe wakacje, aby doprowadzić nagłośnienie do stanu, w którym jest teraz. “Komentując większe kolektywne ramy organizacji zespołu i nieliniową ścieżkę ewolucji, którą Phish wydaje się podążać, projektant oświetlenia Chris Kuroda powiedział: “Lata temu, w Vermont, mój przyjaciel nalegał, abym zobaczył Phish. Tak też zrobiłem i musiałem wrócić. Potem zostałem roadie.”
Jest teraz projektantem oświetlenia. Chris zarządza nowym, wartym 20 000 dolarów systemem oświetleniowym, który w połączeniu z ogromnym, malowanym przez ekspresjonistów tłem, zadebiutowanym na noworocznym koncercie w Worcester (stworzonym przez matkę Mike’a Gordona, Minkin) tworzy jedne z najbardziej skandalicznych efektów wizualnych w dzisiejszej muzyce. Pokaz świateł Phisha jest tak zintegrowany, że momentami wydaje się, że oprócz wizualnej reprezentacji muzyki, to ona sama ją prowadzi. To zjawisko to synestezja, skrzyżowanie zmysłów. “Reba”, piosenka o niemal alchemicznym tworzeniu się produktu mięsnego w wannie, ewoluuje w limonkowo-zielono-pomarańczową kompozycję; “Esther”, surrealistyczny melodramat, próbuje zrównoważyć przeciwstawne siły poprzez zestawienie niebiesko-białego wzoru z głęboką czerwienią; “Tweezer” zawsze zbacza w kierunku stanu przypominającego naturalne światło, brak koloru eksponuje dysonans. Wizualny aspekt muzyki szczególnie uwydatnia rozbudowane jammy Phisha, często stanowiące punkt kulminacyjny ich występów na żywo. To tak jakby niektóre z tych jamów otrzymały życie. Świadczą o tym instrumentalne sekcje w “Runaway Jim”, “Harry Hood”, “Divided Sky” i “Fluffhead”. Momentami trudno jest to wszystko z powrotem zamknąć w butelce, napięcie, które ujawnia czyste destylowane muzyczne podniecenie.
W odniesieniu do projektanta oświetlenia Chrisa Kurody, Trey powiedział: “On jest całkowicie zestrojony z nami w kwestii świateł. Musisz myśleć, że kiedy na scenie pojawi się niebieskie światło, stworzy ono inny nastrój niż czerwone, nawet nie będąc tego świadomym. Zdecydowanie to czuję,” powiedział Trey. “Jest taka fala, która tworzy się z publicznością – czujesz, jakbyś jechał na tej całej rzeczy, która ma swój własny umysł.”
To jest zjawisko, które basista Mike Gordon wielokrotnie określał jako “symulacja środowiska”. Intensywność muzyki i zbiorowe połączenie wywołują efekt transformacji, zmiany świadomości.
Ten temat miał tak osobiste znaczenie dla Mike’a, a wykonanie “Tweezer” z noworocznego koncertu w Worcester, szczególnie kończący jam, który był być może najbardziej intensywną, wprost groove’ową muzyką na żywo, jaką kiedykolwiek słyszano, że wzmianka o nim posłużyła Mike’owi za punkt wyjścia do przemyśleń.
“Jedyny sposób, w jaki naprawdę dobry jam ma się wydarzyć,” powiedział Mike, “taki, który zmierza w swoim własnym kierunku, jest wtedy, gdy się mu poddasz.”
Surrender to the flow?
“Dokładnie,” kontynuował Mike, “mamy czasem takie jam sessions, gdzie po prostu gram dwie nuty co 20 minut. Potem ci faceci zmieniają radykalnie to, co jest na wierzchu. Dodaję trzecią nutę i pojawia się świadomość – jak ta nuta na mnie wpływa? “Czasami celowo gram nutę, której normalnie bym nie zagrał, bo jest zbyt głupia, zbyt oczywista lub dziwna. Zauważam jak to wpływa na moją głowę i po prostu idę z tym”. Synchroniczność to ważna rzecz.”
Phish’s “Rift” at H.O.R.D.E. 1993
Przejdźmy do sedna sprawy i posłuchajmy co Phish robi najlepiej. Rift zdecydowanie jest jednym z największych triumfów Phisha w studio, ale także dał fanom i zespołowi muzyczny wzór do rozciągania i adaptacji na żywo. Zobaczcie jak Phish wykonuje “Rift” podczas drugiej dorocznej trasy H.O.R.D.E. poniżej: