París marcó las tendencias de la moda en Europa y Norteamérica. La moda femenina consistía en dejarse llevar. Las mujeres llevaban vestidos todo el día, todos los días. Los vestidos de día tenían una cintura caída, que era un cinturón alrededor de la cintura baja o de la cadera y una falda que colgaba desde el tobillo hasta la rodilla, nunca por encima. Los vestidos de día tenían mangas (largas hasta la mitad del bíceps) y una falda recta, plisada, con dobladillo en forma de madeja o en forma de gradas. El pelo se solía llevar recogido, lo que le daba un aspecto juvenil.
La moda de la ropa cambiaba con la evolución del papel de la mujer en la sociedad, especialmente con la idea de la nueva moda. Aunque las matronas de sociedad de cierta edad siguieron llevando vestidos conservadores, la ropa deportiva que llevaban las mujeres más jóvenes y con visión de futuro se convirtió en el mayor cambio de la moda de posguerra. Los vestidos entubados de la adolescencia habían evolucionado hacia una silueta similar que ahora lucía faldas más cortas con pliegues, fruncidos o aberturas para permitir el movimiento. La tendencia de moda más memorable de los locos años veinte fue sin duda el look “flapper”. El vestido de flapper era funcional y aplanaba la línea del busto en lugar de acentuarla.
La camisa de líneas rectas coronada por el sombrero cloche ajustado se convirtió en el uniforme de la época. Las mujeres se cortaban el pelo para que cupiera debajo de los populares sombreros, una medida radical al principio, pero habitual a finales de la década. Los vestidos de talle bajo y con un dobladillo más amplio permitían a las mujeres bailar literalmente con tacones, como el charlestón. En 1925 aparecieron los vestidos tipo “shift” sin cintura. A finales de la década, los vestidos se llevaban con corpiños y cuellos rectos. Los pliegues en la parte inferior de los corpiños eran populares, así como las faldas plisadas con un dobladillo de aproximadamente una pulgada por debajo de la rodilla.
En el mundo del arte, la moda estaba siendo fuertemente influenciada por movimientos artísticos como el surrealismo. Después de la Primera Guerra Mundial, el arte popular experimentó una lenta transición desde las exuberantes y rectilíneas abstracciones de la decoración art nouveau a las formas más mecanizadas, lisas y geométricas del art decó. Elsa Schiaparelli es una de las diseñadoras italianas clave de esta década que se vio muy influenciada por el arte “más allá de lo real” y lo incorporó a sus diseños.
Se impuso la vestimenta adecuada para las mujeres para las actividades de mañana, tarde y noche. A principios de la década, todavía se esperaba que las mujeres adineradas cambiaran el vestido de la mañana por el de la tarde. Estos vestidos de tarde o “trajes de té” eran menos ceñidos que los de noche, tenían mangas largas y fluidas y se adornaban con fajas, lazos o flores artificiales en la cintura. Para los trajes de noche se inventó en Francia el término “vestido de cóctel” para la clientela estadounidense. Con la “nueva mujer” llegó también la “mujer bebedora”. El vestido de cóctel se combinaba con un sombrero, guantes y zapatos a juego. Lo que hacía único al vestido de cóctel era que podía llevarse no sólo en las horas de cóctel (6 y 8 de la tarde), sino que, manipulando y estilizando correctamente los accesorios, podía llevarse adecuadamente para cualquier evento desde las 3 de la tarde hasta el final de la noche. Los vestidos de noche solían ser un poco más largos que los vestidos de té, de raso o terciopelo, y estaban adornados con cuentas, pedrería o flecos.
AccesoriosEditar
Uno de los accesorios clave en los años 20 era el sombrero Cloche. “En 1926 Vogue declaró ‘Las reglas del Bob’, sólo 9 años después de que la influyente bailarina, Irene Castle, se cortara el pelo. Este trending topic inspiró un cuento de 1920 de F. Scott Fitzgerald, titulado Bernice Bobs Her Hair, y muchos editoriales en Vogue a lo largo de la década”. El peinado bob encajaba perfectamente con la silueta suelta y recta de la época. Durante esta época, Vogue atribuyó a este nuevo corte el inmenso éxito del negocio de los sombreros. Los nuevos cortes de pelo implicaban nuevos estilos de sombreros, por lo que había una nueva moda de sombreros. El sombrero cloche y el bob estaban básicamente hechos el uno para el otro.
La joyería era menos llamativa. Las joyas eran mucho menos elaboradas y empezaron a utilizar formas “románticas”, más naturales. El movimiento Art Nouveau de 1890-1910 inspiró la mayoría de las formas naturales y geométricas de la joyería durante la década de 1920. “Las líneas limpias y estéticas se inspiraron en los diseños de las máquinas industriales. Una influencia clave de este modernismo fue el influyente movimiento Bauhaus, con su filosofía de que la forma sigue a la función. El contraste de texturas y colores también estaba de moda. Ejemplos del cambio de gustos en el diseño fueron el uso de diamantes engastados contra ónix o vitrinas translúcidas y amatistas yuxtapuestos contra coral y jade opacos”. Aunque las formas geométricas y las joyas con formas más limpias eran ahora una tendencia, una de las piezas clave era el collar de perlas de cuerda larga. El collar de perlas de cuerda larga era una pieza de imitación de la firma que se vendía en todas partes en aquella época. Era barato y básico en el guardarropa de una mujer. “Aunque se vio afectado por ciclos de auge, depresión y guerra, el diseño de joyas entre los años 20 y 50 siguió siendo innovador y glamuroso. Los patrones geométricos y nítidos celebraban la era de las máquinas, mientras que las creaciones exóticas inspiradas en el Cercano y el Lejano Oriente insinuaban que la moda de la joyería era realmente internacional”
Los zapatos se hicieron visibles por fin durante la década de 1920. Antes, las prendas largas tapaban los zapatos, por lo que no eran una parte importante de la moda femenina. Ahora, los zapatos eran vistos por todo el mundo y jugaban un papel importante durante los años 20. Las mujeres tenían todo tipo de zapatos para todo tipo de eventos. Desde zapatos para la casa, para caminar, para bailar, para hacer deporte o para nadar. La industria del calzado se convirtió en una importante industria que transformó la forma en que compramos zapatos hoy en día. Los zapatos se fabricaban en tallas estándar perfectas por encargo desde los catálogos de moda hasta la boutique más cercana. A principios de los años 20, las Mary Janes seguían siendo populares desde la época anterior, aunque prepararon el camino para la invención de muchos otros zapatos. El zapato de tacón con correa en forma de T era una variación del Mary Jane, que tenía la misma base con la adición de una correa que rodeaba el tacón y bajaba hasta la parte superior del zapato y que parecía una T. Además, “el zapato de barra que se abrochaba con una correa y un solo botón se hizo popular durante la década de 1920. Se llevaba con las nuevas faldas cortas y era práctico para su vigoroso estilo de baile”.
La influencia del jazzEditar
“La Era del Jazz”, término acuñado por F. Scott Fitzgerald, fue una frase utilizada para representar la popularidad masiva de la música de jazz durante la década de 1920. Tanto la música como el baile de jazz marcaron la transición de los valores sociales arcaicos de la era victoriana a la llegada de una nueva sociedad juvenil y modernista. El jazz ganó gran parte de su popularidad debido a su exotismo percibido, desde sus profundas raíces africanas hasta su ritmo melódico y conmovedor. La música en sí misma tuvo un efecto seductor en la nueva sociedad juvenil y fue considerada el pulso de los años 20 debido a su espontaneidad. Con la nueva música surgieron nuevos bailes. Los bailes de jazz, como el charlestón, sustituyeron al vals lento. Paul Whitman popularizó el baile de jazz. De hecho, la música y el baile de jazz son responsables del origen del icónico término “flapper”, un grupo de nuevas damas socialmente poco convencionales. Cuando las bailarinas hacían el charlestón, el rápido movimiento de los pies y el balanceo de los brazos se asemejaban a los movimientos de aleteo de un pájaro. La música de jazz despertó la necesidad de bailar, y el baile despertó la necesidad de nuevas prendas de vestir, especialmente para que las mujeres pudieran bailar fácilmente sin estar constreñidas.
Bailes como el Charleston y el Black Bottom, en particular, crearon la necesidad de un renacimiento de la ropa de noche de las mujeres debido a la forma dinámica y animada de estos bailes de jazz. Los dobladillos de los vestidos y las faldas se acortaron para permitir que el cuerpo se moviera más fácilmente. Además, los adornos de los vestidos, como los flecos, se balanceaban y tintineaban al ritmo del movimiento del cuerpo. Por último, el uso de tejidos brillantes y adornados reflejaba la luz al ritmo de la música y el baile de jazz. La música de jazz y su percepción de la naturaleza exótica influyeron en la moda de forma extravagante, sin dejar de tener en cuenta la forma y la función.
El jazz y su influencia en la moda llegaron aún más lejos, con motivos de jazz y de baile que se abrieron paso en los textiles. Estos nuevos diseños textiles incluían repeticiones desiguales y patrones geométricos lineales. Muchos patrones textiles producidos en Estados Unidos también incorporaron imágenes tanto de bandas de jazz como de personas bailando al ritmo del jazz. El estampado Rhapsody muestra un textil producido en 1925 que representa una banda de jazz en forma de lunares. Los textiles no sólo tomaban motivos de gente bailando y tocando música de jazz, sino que incluían diseños que se basaban en la sensación rítmica general y el sonido de la música y el baile de jazz.
La figura juvenilEditar
La ropa interior comenzó a transformarse después de la Primera Guerra Mundial para ajustarse a los ideales de un pecho más plano y una figura más juvenil. La figura femenina se liberó del restrictivo corsé, y el nuevo y popular aspecto juvenil se consiguió mediante el uso de corpiños con busto. Algunas de las nuevas piezas incluían chemises, camisolas finas y cami-bragas, más tarde acortadas a bragas o calzones. Se confeccionaban principalmente con rayón y se presentaban en colores suaves y claros para poder llevarlos bajo telas semitransparentes. Las jóvenes flappers se decantaron por este tipo de ropa interior porque les permitía moverse con mayor libertad y les resultaba más cómodo bailar al ritmo de la música de jazz. A mediados de la década de 1920, se popularizó la lencería “todo en uno”.
Por primera vez en siglos, las piernas de las mujeres se veían con dobladillos que llegaban hasta la rodilla y los vestidos se hacían más entallados. Se popularizó un aspecto más masculino, que incluía pechos y caderas aplanados, peinados cortos como el corte bob, el cultivo Eton y la onda Marcel. La moda se consideraba la expresión de una perspectiva bohemia y progresista.
Una de las primeras mujeres que llevó pantalones, se cortó el pelo y rechazó el corsé fue Coco Chanel. Probablemente la mujer más influyente de la moda del siglo XX, Chanel hizo mucho por impulsar la emancipación y la libertad de la moda femenina.
Jean Patou, un nuevo diseñador de la escena francesa, comenzó a confeccionar conjuntos de jersey y falda de dos piezas en lujoso jersey de lana y tuvo un éxito instantáneo con sus vestidos de mañana y trajes deportivos. Las mujeres americanas adoptaron las prendas del diseñador como perfectas para sus estilos de vida cada vez más activos.
A finales de la década de 1920, Elsa Schiaparelli entró en escena para representar a una generación más joven. Combinó la idea del diseño clásico de los griegos y los romanos con el imperativo moderno de la libertad de movimiento. Schiaparelli escribió que los antiguos griegos “daban a sus diosas… la serenidad de la perfección y la fabulosa apariencia de la libertad”. Su propia interpretación dio lugar a vestidos de noche de elegante sencillez. Dejando de lado la chemise, su ropa volvía a tener en cuenta el cuerpo bajo el vestido de noche.
Galería de estilo 1920-25
-
Traje deportivo de verano, 1920.
-
La actriz Elaine Hammerstein, 1921. La frente se solía cubrir en los años 20, aquí con un sombrero que llegaba hasta las cejas.
-
Medias enrolladas, 1922.
-
Robe de style, Lanvin, 1922.
-
La actriz Norma Talmadge en traje de etiqueta, principios de los años 20.
-
Vestido con cintura caída y ancho en las caderas, 1923.
-
Las adolescentes de Minnesota llevan pantalones y botas de montar con corbatas de hombre, 1924.
-
En 1925, las faldas terminaban justo por debajo de la rodilla. Las túnicas y los jerséis que llegaban hasta las caderas eran populares.
-
La actriz Evelyn Brent, a mediados de los años 20, con el pelo recogido.
Galería de estilo 1926-29
-
La actriz Aileen Pringle con un sombrero cloche y un abrigo de estampado atrevido, 1926.
-
La actriz Alice Joyce con un vestido recto y un sobrevestido de cuentas transparentes, 1926.
-
Una pintura que muestra la silueta de mediados de la década en su forma más simple: pose lánguida, pelo recogido, vestido hasta la rodilla con cintura caída, 1926.
-
Mujer con paraguas, Ipolit Strâmbu, 1927. Los diseñadores utilizaban múltiples dobladillos (en este caso, hileras de volantes) para acostumbrar la vista a las faldas más largas. Este vestido presagia la cintura más alta y el aspecto femenino que se extendió a la moda cotidiana a principios de los años treinta.
-
La actriz Vilma Bánky con sombrero cloche, 1927.
-
Mujer escondiendo una petaca en la cadera metida en su liguero durante la Ley Seca, a finales de los años 20.
-
Mayo de 1928, abdomen y curvas. Después de muchos años de silueta “en pico”, las curvas “naturales” empezaban a reaparecer.
-
Las faldas plisadas hasta la rodilla y las cinturas caídas seguían siendo populares como ropa de diario en 1929, aunque los diseñadores de París ya mostraban faldas más largas y cinturas más altas.
-
Los vestidos de las damas de honor de 1929 tienen faldas interiores hasta la rodilla y faldas superiores más largas y transparentes, lo que presagia la tendencia hacia las faldas más largas. Minnesota, 1929.